#pully – L'Agenda

Samuel Gogniat – de vieil intendant moustachu à étoile montante de la percussion

blogcom — Wed, 01 Apr 2026 21:45:15 +0000

Lors de la 13^e édition du Week-End Musical de Pully, qui aura lieu du 30 avril au 3 mai sur le thème de la chance, on découvrira le jeune percussionniste lausannois Samuel Gogniat dans quatre configurations différentes. Portrait.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan

Week-End Musical de Pully – La chance se partage

Ayant fréquenté le WEMP déjà quelque fois, on ose affirmer que l’équipe d’organisation du festival, menée par Guillaume Hersperger et Caroline Mercier, n’a pas attendu sa 13^e édition pour cultiver sa chance. Elle a toujours été là, en partage. La chance d’accueillir chaque année, dans ce cadre intimiste de village, des artistes incroyables, tant de talents dénichés localement que de stars internationales ; la chance de pouvoir, notamment grâce aux sponsors, offrir de la belle musique à prix libre ; la chance de pouvoir compter sur des bénévoles en or – ou disons plutôt… en améthyste ; la chance de voir un public repartir conquis et revenir l’année suivante. Bon, à ce rythme-là, ce n’est plus de la chance, avouons-le nous, mais un travail acharné de passionné∙e∙s !

Et le public n’est pas le seul à se laisser aisément convaincre de revenir, les grands noms du classique le font aussi ; en effet, on aura cette année le plaisir de réentendre le duo formé par Jakub Józef Orliński et Michał Biel, ainsi qu’un récital de clôture donné par le pianiste Nikolai Lugansky. Côté local, comme on l’a dit, un nom revient par quatre fois dans la programmation, tant en solo qu’au sein des ensembles, celui de Samuel Gogniat. On a eu envie de vous le présenter dans L’Agenda !

20 ans et déjà une aura qui happe lorsqu’il est aux commandes de ses instruments. Samuel Gogniat a grandi à Lausanne et a toujours su qu’il voulait faire des percussions. « Dans ma tête, je ne sais pas vraiment pourquoi, mais c’était assez clair ». Avec un sourire, il se rappelle, à 7 ans, être arrivé en retard le jour des portes ouvertes au Conservatoire. « Mais ça n’avait rien changé car ma décision était prise d’avance ! », ses parents l’avaient donc inscrit au cours de percussion. Aujourd’hui en dernière année de Bachelor à l’HEMU il suit toujours des cours avec son premier professeur Romain Kuonen, mais aussi avec Emmanuel Séjourné, Vassilena Serafimova et Arnaud Stachnick. Lauréat de plusieurs premiers prix, dont l’International Percussion Youth Competition en Belgique (2021), l’International Percussion Competition en Autriche (2022) et du Marimba Festiva Competition Allemagne (2025), Samuel Gogniat mène son début de carrière brillamment.

Son répertoire fait la part belle au théâtre musical, style expressif de plus en plus requis par les différents concours. Il faut dire que lorsqu’il évolue aux percussions, le musicien possède une grâce de mouvement indéniable. Comme s’il dansait ? Pas tout à fait, mais une autre discipline intervient en effet dans l’histoire. « J’ai fait du Võ-Việtnam pendant longtemps. J’ai dû arrêter car le quotidien de musicien est très irrégulier, mais je pense que cet art martial a joué un grand rôle pour moi en tant que percussionniste. Taper, me déplacer dans l’espace… je retrouve les mêmes mouvements quand je fais de la musique ». En parallèle de ses acquis sportifs, le jeune homme évoque une autre expérience l’ayant encouragé à cultiver son aisance scénique. « Avec les Ministrings (ndlr, un ensemble de tout jeunes musicien∙ne∙s fondé au Conservatoire de Lausanne par Tina Strinning), j’avais joué Saltimbocca, une pièce écrite par notre prof où j’étais un vieil intendant avec un balais et une moustache… Je pense que ça a éveillé ma théâtralité ! Ce que j’aime en concert, c’est ressentir l’énergie du public. C’est hyper gratifiant quand il est attentif, quand il réagit, même, à ce que je joue. En travaillant, je me filme souvent, pour me voir et étudier l’aspect visuel ».

Photos: Christian Meuwly – WEMP

On décèle un petit côté médiateur à la Jakub Józef Orliński chez Samuel, qui il confirme admirer la façon dont le musicien rend accessible un sujet qui ne touche pas forcément le grand public – en l’occurrence, la musique baroque en contre-ténor. Un petit côté « geek » à la Alexandre Cellier aussi, quand il nous raconte collectionner, dans son local, en plus des percussions standards, toutes sortes d’autres choses, bricolées ou trouvées à la brocante : « Il y a une infinité d’instruments dans la percussion – certains qui n’existent pas encore et qu’on peut construire, ou des objets qui ne sont pas des instruments en soi mais qui, par le simple fait de taper dessus ou de les mettre en vibration, en deviennent ».
Il s’émerveille aussi d’apprivoiser, au fur et à mesure du temps, des instruments d’autres cultures musicales : congas d’Amérique Latine, Djembé mandingue, … « Il n’y a pas si longtemps, j’ai découvert grâce à mon prof Romain Kuonen le tombak, qui est un tambour iranien. C’est un petit instrument avec des basses incroyables. Il y a déjà des pièces de théâtre musical qui ont été écrites pour ça, même dans le répertoire classique, notamment Aperghis. Je vais l’inclure à mon concert au WEMP, car le son est génial ! ».

Il nous confie encore que les Ground de Purcell seront le fil rouge de ce même concert solo du samedi 2 mai, où il fera dialoguer musique baroque avec la musique d’aujourd’hui, en y intégrant des loops et des sons préenregistrés. « Guillaume [Hersperger] m’a proposé les Grounds, qui ne sont pas beaucoup jouées, même au piano. J’ai trouvé l’idée super », raconte-t-il. En plus de son concert solo, il jouera également les timbales de l’orchestre lors de la soirée d’ouverture « 100 % Chopin », comptera en renfort dans les rangs des Miniswings – les cadets des Ministrings – dimanche en matinée, et passera au micro de Jean-Marc Richard lors de l’émission radio Le Kiosque à Musique, ouverte au public, samedi à 11h.

« Au WEMP, il y a une écoute que j’ai rarement entendue autre part. On sent que le public est à fond, peut-être parce que c’est intimiste… ». Ayant déjà été tour à tour artiste, staff et public du Week-End Musical de Pully, Samuel Gogniat sait de quoi il parle !

WEMP – Week-End Musical de Pully
Du 30 avril au 3 mai 2026
Maison Pulliérane, Église du Prieuré, Café-Théâtre de la Voirie et en extérieur
www.wempully.ch

Autres dates où aller écouter Samuel Gogniat :

Collectif Puzzle – Link
Mercredi 8 avril à 20h
Espace Amaretto, Lausanne

La Maison des femmes : la représentation d’un « nous » collectif et rempli d’héroïnes

blogcom — Thu, 12 Mar 2026 12:38:10 +0000

C’est en 2017 que Mélisa Godet découvre le centre de santé La Maison des femmes à Saint-Denis. À ce moment-là, la jeune scénariste, qui sera ensuite également réalisatrice, ne se sent pas encore prête à en faire un film. En 2022, l’idée ne l’a toujours pas quittée et elle décide d’en faire son premier long métrage. Nous avons assisté à sa projection le 10 mars au cinéma CityClub de Pully qui était suivie d’une discussion avec la réalisatrice et la comédienne Laetitia Dosch.

Critique et propos recueillis par Marie Butty

Fiction inspirée du lieu du même nom, La Maison des femmes plonge dans le quotidien de l’équipe de soin et des patientes qui, toutes ensemble dans une sororité pleine d’entraide et de solidarité, s’attèlent à redonner le sourire, la confiance, le corps et la dignité aux victimes de violences sexistes et sexuelles. Dans ce film, il ne s’agit pas de parcours individuels, mais plutôt de celui du collectif, celui d’un lieu qui accueille, soigne, écoute et panse les plaies tant physiques que psychologiques.

Un casting essentiellement féminin

Les actrices Oulaya Amamra, Laetitia Dosch, Eye Haïdara, Juliette Armanet et Aure Atika forment notamment le casting de ce film choral. Il y a environ 50 rôles, dont 98% sont des femmes, informe Mélisa Godet. Elle ajoute : « Représenter à ce point des visages de femmes si différentes, multiples et toutes ces formes de féminité a été un challenge, mais surtout une vraie joie. Nous n’avons pas souvent l’occasion de mettre autant de femmes à l’image ». Tant dans les représentations que dans les parcours de vie, c’est un pari réussi puisque les femmes, de tout âge, viennent de tous horizons et de tous milieux. Elles incarnent un collectif solidaire où l’entraide ne va pas seulement de la soignante à la patiente, mais se fait à tous les niveaux.

© Marie Rouge

Une réalité de terrain

Dès les premiers instants, le public est embarqué au cœur du lieu dans un groupe de parole de femmes ayant subi des violences. Loin d’une représentation triste et obscure, le film alterne entre joie, désespoir, rire et surmenage, ce qui a pour effet de dévoiler la réalité vécue tant par les patientes que par l’équipe soignante.

Faite de haut et de bas, cette vérité de terrain, brillamment rendue à l’écran, la réalisatrice l’a développée tant en se documentant qu’en se rendant dans le lieu – tout en discrétion pour ne pas prendre le risque d’interférer sur les parcours de soin en cours. Elle explique également que le regard et les relectures, étape par étape, de la gynécologue-obstétricienne Ghada Hatem-Gantzer, fondatrice du lieu, incarnée à l’écran par Karin Viard, ont été d’une précieuse aide. La justesse de la représentation est également rendue possible grâce au jeu des actrices. Laetitia Dosch indique, lors de la discussion, qu’à l’instar de la réalisatrice, elle s’est rendue sur place pour assister à une consultation avec Ghada, avec l’accord de la patiente : « J’ai vu le corps de Ghada s’ouvrir je l’ai vu respirer, elle avait quand même des émotions, elle ne se blindait pas. Elle était touchée, mais elle évacuait, elle prenait son temps avant de parler et on sentait qu’elle était solide. C’était très beau de voir comment elle écoutait ».

En plus d’une aventure humaine, le film dépeint une dure réalité : celle du besoin de financement. En effet, l’institution est menacée de fermer ses portes faute de moyens suffisants. La passion et la vocation de l’équipe ne suffisent pas à pouvoir ouvrir les portes d’un tel établissement tous les jours. La fondatrice doit ainsi se battre pour maintenir en vie le lieu d’accueil, pourtant si nécessaire…

Des femmes sujets plutôt qu’objets

Bien que représentant parfaitement la thématique des violences, la réalisatrice est parvenue à traiter le sujet sans les montrer. Lors de la discussion, Mélisa Godet explique qu’il était important pour elle de déplacer le regard, de changer le prisme, dans ce film, les femmes ne sont plus l’objet des violences, mais sont les sujets de leurs vies : « Pour être fidèle aux intentions de cet endroit, c’était très important de changer ce regard-là. Je ne pouvais pas les représenter comme des choses qu’on maltraite, car elles sont beaucoup plus que cela ».

Un film nécessaire, touchant et joyeux

Le film est une réussite complète, il a d’ailleurs fait salle comble ce jour-là à Pully. Mélisa Godet est parvenue avec aisance à montrer une réalité, très peu traitée : le quotidien de celles qui vivent des violences et les équipes qui se tiennent à leur côté, le long métrage revêt ainsi une importance d’utilité public. La réalisatrice fait justice à ce lieu dans un équilibre parfait entre drame et résilience ainsi qu’à ces héroïnes du quotidien tant abîmées que fortes et magnifiques qui nous font passer du rire aux larmes et terminent sur une note d’espoir et de sororité !

Plein d’humour et véhiculant un message fort, le film est en salle depuis le 4 mars 2026 dans toute la Suisse romande.

Fragments d’un parcours amoureux

blogcom — Mon, 20 Oct 2025 09:31:33 +0000

Fragments d’un parcours amoureux de Chloé Barreau, je l’ai vu au CityClub Pully lundi dernier et ses images, ses voix me reviennent constamment depuis. J’ai repensé aux visages caressés par sa caméra, aux fêtes, aux apparts, aux rues et aux bars, à la musique, aux instants de poésie mutuellement offerts, aux coupes courtes décoiffées par le vent, à ce grain particulier de l’image qui immortalisait les trombines des ados des années 90. À toutes ces images qu’on a perdues, à toutes ces images qu’elle a gardées.

Texte de Katia Meylan

Fragments d’un parcours amoureux est une preuve tangible que les sentiments ont existé pour un temps. Depuis ses 16 ans, Chloé Barreau a filmé ses amitiés et ses amours. Des centaines d’heures de rush. En 2016, elle confie à la journaliste Astrid Desmousseaux son désir d’en faire un documentaire, mais, ne trouvant pas les subventions escomptées, remet le projet à plus tard. Elle se frotte à de la retenue, des accusations voilées de narcissisme, notamment. Au fil du temps, le dossier s’enrichit, se complète… Et un jour, Chloé Barreau envoie deux lettres. À deux de ses ex. Aux centaines d’heures d’archives s’ajouteront des dizaines d’heures d’interviews, menés par Astrid Desmousseaux. Douze ex ont accepté de partager leurs souvenirs.
Parler d’amour, ce n’est pas futile. Ce n’est pas anecdotique. Et puis, un élan narcissique inspirerait-il tant de gens à repenser à tant d’autres ?

Depuis lundi dernier, j’ai repensé à Chloé, Sébastien, Jeanne, Laurent, Rebecca, Anne, Ariane, Jean-Philippe, Anna, Bianca, Marina, Marco, Caroline. À toutes ces personnes que le film nous fait rencontrer, à leurs mots, leurs pauses, leurs regards.

J’ai repensé à ceux qui racontent avec nostalgie, à celles pour qui les souvenirs sont devenus flous, à celles chez qui ils sont encore vibrants. Aux admiratives, aux attendries, aux plus cyniques. À celles qui se livrent et à celles qui se protègent. Chloé ne se protégeait pas du tout. C’est Jeanne qui le dit. (Rectification après avoir vu le film une deuxième fois: c’est Ariane).

J’ai repensé au fait que le public avait ri plusieurs fois lorsque Marco ou Jean-Philippe parlaient à l’écran. Moi aussi, mais je ne savais pas vraiment pourquoi. Le rire avait changé au fil du film, d’amusé il m’a semblé devenir bienveillant, très complice.

J’ai repensé à celles qui interrogent la démarche, enthousiastes ou abasourdies. « On a tous besoin d’un archiviste », affirme Jean-Philippe. « Je trouve ça fou qu’elle s’autorise à demander ça, mais une fois qu’on nous le demande c’est impossible de dire non ». C’est Rebecca, le coin de la lèvre retroussé.

« Je ne suis pas fétichiste de ma biographie », dit-elle encore. J’ai cherché mon carnet dans lequel, à dix-neuf ans, j’avais noté des extraits de Fragments d’un discours amoureux de Roland Barthes qui me parlaient. Il y avait beaucoup d’autres choses dans ce carnet, mais je ne le trouve plus. On a tous besoin d’un archiviste.

J’ai pensé aux personnes qui sont restées proches de Chloé et à celles qu’elle n’a plus jamais revues.

J’ai pensé à Lucian et à Arnaud.

J’ai pensé à l’ex qui n’avait pas accepté d’être dans le film. Astrid Desmousseaux nous a dit, lors du bord de scène après la projection du CityClub lundi dernier, que Chloé et lui avaient repris contact depuis et étaient redevenus amis. Je ne sais pas pourquoi, mais ça m’a beaucoup plu.

J’ai pensé aux ex à qui Chloé n’avait peut-être pas proposé de figurer dans le film. Je ne sais pas s’il y en a. Est-ce que parfois, on a tous cette impression de ne pas avoir compté ?

Je me suis demandé à quoi ressemblerait le film de Bianca, de Caroline ou de Marina.

Je me suis demandé qui serait dans mon film à moi. Et si mes ex m’écrivaient une lettre pour me proposer d’être dans leur film, à eux, qu’est-ce que j’y dirais ?

J’ai pensé à ma chance, et à celles qui ne peuvent pas repenser à toutes leurs anciennes relations avec amour et nostalgie, parce que la violence avait dépassé les bornes.

J’ai repensé à la dédicace « À Valentina M. » dans les crédits. Je sais à qui je dédicacerais une preuve d’amour.

Autant de pensées en « je », tournées vers les autres. Des fragments, elles aussi. Fragments de verre encore coupants ou déjà polis, embellis par le temps. Qu’en fait-on quand ils miroitent là, devant soi ? Il faut en faire quelque chose.

Fragments d’un parcours amoureux
De Chloé Barreaux

Projections à venir :

CityClub Pully
– lundi 20 octobre à 20h
– jeudi 23 octobre à 20h15
– vendredi 24 octobre à 18h
– dimanche 26 octobre à 16h
– mardi 28 octobre à 20h

Les Cinémas du Grütli
– mardi 21 octobre à 19h
– jeudi 23 octobre 14h

Samuel Hirsch, double Konzertmeister au WEMP

blogcom — Tue, 29 Apr 2025 07:30:47 +0000

En mixologue inventif, le Week-End Musical de Pully – ou WEMP, pas que pour les intimes – signe une édition 2025 façon cocktail qui, du 8 au 11 mai, mélange les générations, les styles et les énergies, sans oublier d’y verser le zeste folie douce qui le caractérise depuis douze ans d’existence. L’Agenda a rencontré le violoniste Samuel Hirsch, à l’affiche de deux concerts cette année.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan
Photo: Christian Meuwly

Les apéro-jazz au soleil sur l’Esplanade du Prieuré, les jams impressionnantes, la file d’attente « mythique » qui partait de la Maison Pulliérane et se prolongeait jusque sur la rue, avant le concert de Jakub Józef Orliński. Du WEMP, Samuel Hirsch a quelques souvenirs en commun avec le public. En effet, le WEMP est de ces festivals chaleureux où spectateur∙ice∙s et artistes (les stars comme les jeunes talents) se croisent dans Pully tout au long du week-end, et prolongent volontiers leur soirée pour assister au concert suivant.

Si Samuel Hirsch s’est régulièrement glissé dans le public du WEMP ces dernières années, il participe aujourd’hui à sa cinquième édition en tant que musicien. « Depuis que je suis adolescent, ils m’ont fait jouer dans différentes configurations », nous raconte le Lausannois devant un cappuccino, voix grave et yeux noisette rieurs. « En 2021, j’avais joué une pièce du violoniste de jazz Marc Crofts, créée pour l’occasion. Par la suite, j’ai pu la reprendre dans différents contextes, évoluer avec. C’est génial d’avoir eu cette opportunité ! C’était un de mes premiers concerts solo dans ce type de cadre prestigieux. Je me souviens vraiment avec plaisir de la confiance qu’ils m’ont faite ». L’année suivante, en 2022, il faisait partie des onze instrumentistes de la Hotline Musicale de l’humoriste Blaise Bersinger, dans un spectacle plutôt barré, très « wempien », comme le qualifie Samuel Hirsch en souriant.

Samuel Hirsch. Photo: Katia pour L’Agenda

Cette année, le violoniste s’est vu proposer un double titre de Konzertmeister. Pour le concert du vendredi 9 mai, on lui a confié carte blanche pour former de l’ensemble de cordes qui accompagnera le clarinettiste Amaury Viduvier sur son concept Danza, composé d’airs de différents siècles et pays. « C’est un programme festif, où on est à la limite du petit orchestre. J’ai pensé à des musiciennes qui ont une personnalité musicale, beaucoup d’énergie à apporter, et qui ont un même rapport au son, pour pouvoir créer quelque chose d’uni et de chaleureux », explique-t-il. Puis, le dimanche 11 mai, il sera à la tête d’un autre ensemble, cette fois-ci composé de musicien∙ne∙s de l’HEMU, qui entoureront le soliste Julien Martineau sur deux concerti pour mandoline, respectivement de Vivaldi et Calace. Des œuvres qu’on ne compte pas parmi les plus connues du répertoire classique : « Je n’avais encore jamais joué avec mandoline et ne connaissais pas Calace, alors même pour moi en tant que musicien professionnel, ce concert est une découverte intéressante ! En commençant à travailler, je me suis rendu compte que la mandoline est capable de choses très variées. Le Vivaldi la montre comme un instrument virtuose, et le Calace est très tendre, avec beaucoup d’émotions. Ce sera un très beau programme ! », se réjouit le violoniste.

Alors qu’il termine actuellement un 2^e Master à Berne, Samuel Hirsch développe son activité professionnelle sous différentes formes, notamment au sein du Quatuor Arola, fondé dans le cadre de ses études, mais également en tant que directeur artistique des Concerts de la Thièle, un festival qu’il a lui-même créé en 2023 à Yverdon-les-Bains. « J’adore la musique de chambre, c’est peut-être même ce qui me plait le plus dans la musique. Il existe un répertoire incroyable que l’on n’entend pas assez… enfin, que je n’entends pas aussi souvent que je voudrais, disons-le comme ça (sourire en coin). Il y a deux démarches pour faire vivre la musique de chambre, que je trouve belles toutes les deux : celle de l’ensemble qui se voit tout au long de l’année, qui crée sur le long terme avec un nom commun – c’est ce qu’on fait avec mon quatuor, et celle de la rencontre ponctuelle, où chacun vient apporter sa personnalité musicale – c’est ce que je mets en place avec le festival ».

Ici, ses inspirations sont-elles un peu « wempiennes », lui demande-t-on pour reprendre son expression ? Il sourit : « Je ne veux pas faire un copié-collé, ça n’aurait pas de sens ! Mais bien-sûr, le WEMP est un modèle inspirant dans son fonctionnement, son aspect convivial, mais aussi sa réussite, en ayant su prendre de l’ampleur dans toutes les directions : l’envergure des invités, le nombre de concerts, de spectateurs… et dans le fait de gagner en prestige tout en restant en entrée libre. »

***

Tout le programme de la 12^e édition sur : www.wempully.ch

Week-End Musical de Pully
Du 8 au 11 mai 2025
Maison Pulliérane et alentours

Anciens articles de L’Agenda au sujet du WEMP :

« Week-End Musical de Pully – Vocation de transmission »
L’Agenda 96 – Mai/juin 2022

« Le Week-End Musical de Pully a 10 ans ! »
L’Agenda 101 – Mai/juin 2023

« Week-End Musical de Pully – Si belles dualités »
L’Agenda 107 – Mai/juin 2024

La curieuse histoire de l’Homme Charbon

blogcom — Mon, 21 Oct 2024 11:00:22 +0000

Chers esprits, asseyez-vous et tenez-vous tranquille, la troupe de monstres qui a trouvé refuge en ce théâtre va, ce soir encore, vous raconter une histoire. La curieuse histoire de l’Homme-Charbon.

Texte de Katia Meylan

Un vendredi soir d’octobre 2024, nous avons fait partie des esprits qui étaient venus hanter le Café-Théâtre de la Voirie de Pully. Afin qu’on les laisse tranquille jusqu’au lendemain, une troupe de monstres y racontait des histoires, musique live et bruitages à l’appui.

Cette trame, sortie de l’esprit d’un amoureux fou du théâtre et de ses comparses, pose le théâtre comme une seconde demeure, un refuge un peu magique où les monstres se sentent bien. Et aussi, il faut bien l’avouer, où il leur est possible de faire n’importe quoi ! Crier, se chamailler, mentir ou dire la vérité, se moquer un peu du public, le mettre dans sa poche, le faire rire ou le faire rêver.

Tout de même… cet homme dont on nous narre l’histoire, enfermé des années dans sa mine jusqu’à devenir charbon, adulé comme une magnifique curiosité à sa sortie puis délaissé par le monde, ayant cheminé par hasard un jour, seul et désœuvré, jusqu’au théâtre… qu’est-il devenu ?

On ne connait pas grand-chose de l’histoire des personnages qui se tiennent là devant nous, pourtant tout nous les rend attachants et uniques : leurs commentaires proférés à la ronde ou dans leur barbe, leurs mimiques et leurs drôles de démarches, leur forte complicité. Et le talent des comédien·ne·s, à n’en pas douter

Le fait que chacun·e des membres de la troupe ait pu apporter son coup de pioche à la construction de la pièce y est peut-être pour quelque chose. En effet La Curieuse histoire de l’Homme-Charbon, jouée pour la première fois en octobre 2024 à Pully et vouée à évoluer, est une création collective.

Il y a quelques temps, la compositrice-musicienne Jimena Marazzi et le comédien-improvisateur Yohann Thenaisie avaient évoqué ensemble leur envie de monter une pièce inspirée de l’univers de Tim Burton. Ni une ni deux, la première se met à l’ouvrage et, entre deux cours de solfège dispensés à ses élèves, compose la bande son de la pièce. Elle envoie les morceaux au second qui, inspiré par les différentes ambiances, crée les bases de la trame. Une fois sa troupe réunie, Yohann forme des binômes et leur donne pour mission de créer chaque scène au travers de petites improvisations. Ainsi, l’histoire racontée par les monstres est un patchwork d’idées plus folles les unes que les autres, liées par une musique, des accessoires et des costumes à fortes personnalités. Selon les tableaux, l’Homme-Charbon prendra tantôt la forme d’un comédien, tantôt d’un dessin volant animé par des fils et des bruitages, d’une marionnette de papier ou… en charbon.

Milles idées fourmillent, jeux de mots, images, hommages. Tels des enfants au discours plus ou moins décousu, ils racontent l’histoire d’un amour qui a fait apparaitre les étoiles dans le ciel ; ils deviennent Monsieur Capital assis sur son trône d’affaires, gigotent sur des jingles de pub ou des bandes annonces de cinéma et rendent hommage à Boris Vian et sa Complainte du progrès et au chercheur d’or de Chaplin qui avait dû manger ses chaussures en cuir.

C’est un magnifique moment en compagnie de ces créatures créatives, et on serait toute fière d’en être, lorsque leur morceau final s’adresse à nous : « On est tous le monstre de quelqu’un, si t’es ici c’est qu’t’en es un ! ».

La curieuse histoire de l’Homme Charbon
Du 23 au 26 avril 2026
Théâtre 2.21, Lausanne
www.instagram.com/hommecharbon/

Jouer avec les limites de l’art

blogcom — Wed, 22 May 2024 08:45:22 +0000

N’avez-vous jamais rêvé de plonger dans une œuvre? Au Musée d’art de Pully, l’exposition Vivre l’œuvre. Voyage aux frontières de l’art immersif contemporain brouille les frontières habituelles entre art et spectateur·ice, et invite le public à jouer un rôle dans le dispositif créatif. Ou à jouer tout court!

Texte de Sophie Moretti

Depuis plusieurs années, le mot « immersion » prolifère sur les descriptions de spectacles, programmes de saisons et présentations d’expositions, comme si l’expérience culturelle se devait d’être augmentée. Cette nouvelle relation entre l’œuvre et son public se révèle féconde d’expérimentations artistiques explorées avec bonheur par une dizaine d’artistes contemporain·e·s au Musée d’art de Pully dans le cadre de l’exposition Vivre l’œuvre. Voyage aux frontières de l’art immersif contemporain, organisée à l’occasion des 75 ans de l’institution pulliérane.

Certain·e·s artistes invitent à la contemplation, comme Maya Rochat et son Poetry of the Earth: dans une ambiance relaxante, peintures et vidéos brossent un ressourçant hommage à la nature. Toute aussi planant, le projet du réalisateur Jan Kounen offre la possibilité d’un voyage sous psychotropes grâce à un masque de réalité virtuelle. Ne vous laissez pas intimider par les vingt minutes de film, on se laisse totalement happer par ce monde onirique. L’expérience ne conviendra néanmoins pas aux plus jeunes ou aux personnes sensibles.

Maya Rochat, « Poetry of The Earth », 2024, installation. ©Musée d’art de Pully, 2024. Photo: Mathieu Bernard-Reymond

D’autres installations nécessitent de l’action, à commencer par la fameuse Rage room de Beni Bischof dans laquelle le public participe à la création chaotique de l’œuvre par la destruction du décor. The Siren vous met directement aux commandes avec une manette… de jeu vidéo. Imaginée par Mélanie Courtinat, cette séquence de jeu interactive interroge les mécanismes du tutoriel et renvoie le·la joueur·euse à sa propre responsabilité. Bluffant. Quant l’installation In the Woods de Camille Scherrer, ses ombres chinoises en forme de masques d’animaux font appel à notre part d’enfance.

Au-delà de son propos ou de sa forme, chaque œuvre de cette exposition porte la possibilité d’une expérience et d’une rencontre. Petit conseil: laissez à la porte vos préjugés. Certaines œuvres vous embarqueront plus que d’autres, mais le rôle du·de la visiteur·euse est aussi de se laisser surprendre et de plonger dans de nouveaux bassins d’interrogations ou de sensations. À découvrir jusqu’au 16 juin.

Vivre l’œuvre. Voyage aux frontières de l’art immersif contemporain
Musée d’art de Pully
Du 23 février au 16 juin 2024

museedartdepully.ch

Photo de haut de page: Beni Bischof, « Rage Room », 2024, ©Musée d’art de Pully, 2024. Photo: Mathieu Bernard-Reymond

Nous avons fait un beau voyage 🎶

blogcom — Fri, 24 Feb 2023 16:19:25 +0000

Au sortir d’une pièce de théâtre, on est toujours accompagné par une impression. De près ou de loin, et pour plus ou moins longtemps. Après la représentation de Frou-Frou les Bains, vaudeville musical avec lequel la compagnie TJP part en tournée romande, cette impression a été celle d’une joyeuse énergie pleinement dépensée.

Texte de Katia Meylan

C’est une joie toute entière d’être sur scène, d’y chanter, d’y danser et d’y interagir qui irradiait des neuf comédiens et comédiennes de la troupe du TJP hier soir, au Café-Théâtre de l’Odéon. Loin de se regarder dispenser au public les pitreries de leur cru ou écrites par l’auteur du texte, Patrick Haudecœur, toutes et tous semblaient les vivre avec une intensité et un plaisir d’autant plus communicatif.

L’histoire, d’abord simple, d’un directeur de cure thermale et de son équipe accueillant leur clientèle à l’heure de la réouverture saisonnière, se complique rapidement lorsque l’eau ne veut plus couler, que l’un des clients est pris pour le plombier et que des histoires amoureuses ou familiales s’entremêlent. Dans un beau décor tout de bleu et de blanc – seul élément paisible de la pièce –, le directeur (Fabrice Guillaume) râle et houspille son monde à qui mieux mieux tout en affichant un bagout de commerçant. Sa fille (Julie Schafer, rayonnante dans les parties musicales comme dans ses répliques) n’y va pas de main morte pour convaincre son amoureux Baptistin de demander sa main à son père. Ledit Baptistin (Jean-Gaël Diserens), bien qu’étant cabotin et spontané, essaie de surpasser son trac. Chez les curistes, la dépression de la lunatique Mathilde Moulin (Gisèle Balet, expressive à souhait) se frotte aux attitudes conquérantes du faux plombier Ferdinand Gronsard (Sylvain Dias, qui porte très bien la moustache et le costume des années 1910) et aux sourires renversants de la baronne (Léa Budaudi). Baronne enthousiaste mais qui reste lucide quant aux capacités intellectuelles et physiques son fils Charles (Pierre Saturnin), vieux garçon pas très dégourdi épris de Madeleine (Lucille Favre), une employée multitâche et vénale. Et, circulant là au milieu, un « Saturnin-Duguet-premier-chasseur-à-votre-service! » (Alexandre Juillet, danseur formé à l’école Rudra-Béjart), candide, adorable, décalé, qui répète tout sourire ce qu’on lui dit et ponctue gracieusement les imbroglios de grands battements et de pirouettes.

Photos: Arnaud Curchaud

Sur l’heure et demie que dure le spectacle, on rit beaucoup. Et si l’humour de répétition vaudevillesque n’est pas votre kiki – euh, votre dada –, pas le temps de s’en lasser, en voilà un autre qui rapplique: humour absurde, humour visuel, quiproquos, coups d’œil par le judas du 4^e mur et petits imprévus du direct… Sans oublier une frénésie dans les répliques et un talent général pour la gestuelle – mention spéciale à la chanson Mon homme où Baptistin se fait malmener par une Juliette en pleine forme.

Les chorégraphies sont signées Alexandre Juillet, et la mise en scène est de Sara Gazzola. La metteuse en scène, formée à l’art de la comédie musicale et habituée aux productions de plus grande envergure, emmène cette fois un comité réduit de sa compagnie en tournée. Ayant obtenu les droits du vaudeville français pour une année, la troupe compte bien en profiter, avec 33 dates romandes décrochées. Débutée le 18 février au Théâtre de Colombier, la cure est actuellement à suivre au Café-Théâtre de l’Odéon jusqu’au 25 février, et se poursuivra à Morges, Pully, Fribourg, Cheseaux, Cossonay, Vevey ou encore Genève.

Sara Gazzola nous confie que ce début de tournée comporte déjà plusieurs défis, notamment celui d’adapter la mise en scène tant au petit espace de l’Odéon qu’au plateau de 100m² de l’Octogone de Pully. Le contraste touche également le public, qui sera, selon le lieu, chaleureusement intercalé au plus près des comédien·ne·s ou confortablement installés sur les sièges rouges et rembourrés d’une grande salle de spectacle.

À chaque salle ses avantages, on aurait presque envie de toutes les essayer!

Frou-Frou les Bains
Jusqu’au 25 février
Café-Théâtre de l’Odéon, Villeneuve

Prochaines dates:

Jeudi 16 mars
Casino-Théâtre de Morges

Samedi 25 mars
Théâtre de l’Octogone, Pully

31 mars et 1^er avril
Café-Théâtre du Bilboquet, Fribourg

compagnie.tjp.ch

Photos: Arnaud Curchaud

Week-End Musical de Pully: Vocation de transmission

blogcom — Fri, 29 Apr 2022 11:33:53 +0000

Lorsque l’on arrive au Week-End Musical de Pully pour écouter des concerts de musique classique, on tombe tout d’abord sur une brochette de polos violets de toutes tailles, chacun affairé à sa tâche et fermement fier d’être là. Puis l’on réalise également bien vite que, si le festival réserve une belle part de sa programmation au classique, il n’hésite pas à s’aventurer hors des sentiers battus.

Texte de Katia Meylan Propos recueillis auprès de Caroline Mercier et Guillaume Hersperger, co-fondateurs du festival, Jonathan Gerstner et Léonard Wüthrich, membres du comité d’organisation, et Raphaël Bollengier, staff.

A tout juste neuf ans, le Week-End Musical de Pully, WEMP pour les intimes, n’a à rougir d’aucune comparaison avec certains frères aînés ou cousins des grandes villes. Gratuit depuis ses origines et comptant bien le rester, il convie depuis 2013 des grands noms tels que Marina Viotti, Beatrice Berrut, Cédric Pescia, Louis Schwizgebel ou encore le Quatuor Sine Nomine.

Une programmation éclectique
Cette année, le festival s’étendra du 5 au 8 mai. Pour donner une idée de la diversité des styles qu’offre la programmation 2022 pensée par Guillaume Hersperger, prenons la journée du dimanche: un spectacle d’opéra dédié aux familles et un conte musical porté par des jeunes artistes de la région côtoieront The Beggar’s Ensemble et Sneaky Funk Squad, deux formations exubérantes, l’une baroque, l’autre funky. Un récital du pianiste Nelson Goerner, lui aussi en entrée libre, clôturera les festivités – et Guillaume Hersperger de présager en souriant qu’il faudra peut-être arriver un peu en avance.

La genèse
Depuis la première édition où les trois co-fondateurs géraient l’entièreté de l’organisation, le WEMP a pris de l’ampleur. Devant l’évidence que son trio aurait besoin d’aide, Guillaume Hersperger, professeur de piano au Conservatoire, en parle à ses jeunes élèves qui acceptent de venir donner un coup de main. « Ils savaient tous qu’il enseignait aussi les arts martiaux, ils n’ont pas osé refuser! » plaisante Caroline Mercier, directrice générale du festival. Une équipe d’une vingtaine de bénévoles s’est ainsi formée, motivée et efficace. Si la démarche semble née d’une nécessité pratique, elle devient aussitôt la marque de fabrique du festival, qui adopte une vocation de transmission: en effet, le jeune staff, dont le rôle consistait d’abord à mettre des chaises en place ou distribuer des goodies, se responsabilise petit à petit, se forme auprès de professionnels à des tâches telles que la régie son ou lumière, la logistique ou encore la communication.

Raphaël Bollengier en masterclass avec Christian Chamorel. Photos: Emilie Steiner

Le staff en scène
La plupart sont musicien·ne·s, élèves du conservatoire ou au début de leur parcours professionnel, et le festival leur donne l’occasion de monter sur scène. Lors du spectacle intitulé La hotline musicale de Blaise Bersinger, six bénévoles feront partie du Pully-Région Orchestral Ultimate Trio qui, mené par l’humoriste lausannois reconverti en responsable d’antenne radio, devra répondre instantanément à toute demande des auditeur·ice·s. Le but du spectacle: aborder la musique classique sous son aspect « cool ». Autant dire que le moment est attendu avec impatience par le staff! Les bénévoles que nous avons rencontrés sont unanimes: « C’est l’opportunité de l’année! », s’enthousiasme Léonard Wüthrich, 22 ans, clarinettiste et assistant à la direction. « Sans le WEMP, un étudiant en musique classique se retrouverait difficilement à faire un spectacle avec un humoriste de la nouvelle génération ». » Pour moi, Blaise est la personne qu’il nous fallait. Il arrive à me faire rire de tout », confirme Jonathan Gerstner, 19 ans, violoncelliste, également assistant à la direction, et arrangeur d’une partie des morceaux qui seront joués durant le spectacle.

Ce dernier aura une autre opportunité de se produire sur scène lors de cette édition 2022, et de taille! Il s’est vu confier un récital, pour lequel il a choisi d’interpréter la 5e Suite pour violoncelle seul de Bach et la Sonate pour violoncelle et piano en Fa Majeur nº 2 de Brahms. Il jouera également une création mondiale, commandée par le WEMP au compositeur Jean-Sélim Abdelmoula pour l’occasion.

La confiance accordée
Parmi les tâches déléguées au binôme que forment Jonathan Gerstner et Léonard Wüthrich, la programmation de l’esplanade open-air du samedi après-midi. Encore une belle preuve de confiance de la part de la direction! Inspirés par l’esprit libre du festival, ils décident d’y convier le jazz, en proposant carte blanche à l’École de Jazz et Musiques Actuelles (EJMA). En effet, la porosité entre les styles de musique parle aux deux jeunes musiciens, qui regrettent qu’elle ne soit pas toujours une évidence au stade des études. « Ayant débuté mon parcours dans la région lausannoise, je trouve qu’il manque encore des liens entre classique et jazz », constate Léonard, actuellement élève à la Hochschule Luzern. « En Suisse alémanique, on développe beaucoup plus ces connexions; j’ai des cours d’improvisation, et les musiciens des deux filières ont accès aux modules des uns et des autres ».

Ce constat encourage le WEMP à donner, lors des masterclass qu’il met en place, la priorité aux élèves de Bachelor ou pré-professionnels plutôt qu’aux Master, qui bénéficient déjà d’une offre plus large. Cette année, les participant·e·s rencontreront le violon baroque d’Augustin Lusson, le répertoire à deux pianos de Sélim Mazari et Tanguy De Williencourt et le violoncelle jazz de Stephan Braun.

« Grâce au WEMP, j’ai créé des contacts avec des artistes locaux et européens que je n’aurais pas forcément rencontrés, ou beaucoup plus tard », exprime Léonard. Il pense notamment au Quintet Ouranos et à sa rencontre avec le clarinettiste parisien Amaury Viduvier, dont le partage d’expérience lui a été très enrichissant.

Les plus jeunes ne sont pas en reste, et même à 12 ans, on a sa place au WEMP, preuve en est de Raphaël Bollengier, nouvelle recrue et benjamin du staff. L’année dernière, ce pianiste en herbe avait eu l’occasion de travailler la Polonaise de Chopin en do dièse mineur avec Christian Chamorel, de jouer avec des camarades lors d’un pré-concert, et d’assister à des concerts assis dans le public. Il verra cette année le festival du côté de l’organisation… Et qui sait, peut-être que celui qui ne se voit pas pianiste professionnel, car « c’est compliqué d’avoir une renommée pour être à l’aise financièrement », y verra une autre piste de vocation musicale?

Retrouvez tout le programme du Week- End Musical de Pully sur: wempully.ch

Week-End Musical de Pully Du 5 au 8 mai 2022 Divers lieux, Pully

Danser l’absence de l’autre avec la chorégraphe Kaori Ito

blogcom — Sat, 05 Mar 2022 11:27:19 +0000

Ce soir, la chorégraphe et danseuse japonaise Kaori Ito présente sa création CHERS au théâtre L’Octogone à Pully, dans les cadre des Printemps de Sévelin. Une pièce interprétée par cinq danseur·euse·s et une actrice qui revisitent, par la danse, notre lien aux absent·e·s et aux disparu·e·s. Un voyage poétique qui saisit par le mouvement les gestes désespérés de celles et ceux qui n’ont pas pu rester dans nos vies.

Texte et propos recueillis par Marion Besençon

En 2020, alors que la création CHERS était attendue à L’Octogone mais avait par la suite dû être reportée, la chorégraphe avait échangé quelques impression avec L’Agenda, par téléphone depuis Marseille.

Au départ de l’inspiration, il y a l’existence d’une cabine téléphonique au milieu d’un jardin dans son Japon natal servant à qui voulait continuer à communiquer avec les défunt·e·s. Avec la crise sanitaire, quand il était parfois impossible de rendre un dernier hommage aux personnes disparues et alors qu’elle se demandait à quoi servait le théâtre, Kaori Ito s’est souvenue avoir adressé « des questions lumineuses » aux gens et qu’en réponse elle avait reçu « d’énormes cadeaux », c’est-à-dire des témoignages écrits extrêmement touchants à l’adresse des disparu·e·s, orientant sa création CHERS vers le genre épistolaire.
Et puis comme s’il fallait « faire disparaître les mots par la danse » et parce qu’en tant que chorégraphe elle trouve des réponses ainsi, elle a choisi de mettre en scène cinq danseur·euse·s et une actrice qu’elle fait à
leur tour écrire puis danser.

Kaori Ito précise que les histoires poignantes des interprètes de sa chorégraphie ont irrigué son travail de création; ce qui a fait de sa rencontre avec l’équipe une rencontre très forte. Le lien vital au mouvement qu’entretient le jeune danseur Louis Gillard, lequel « cherche à comprendre par la danse le geste de son frère qui s’est donné la mort en sautant d’un pont » en est un exemple. Ainsi tous et toutes dansent tant le mouvement leur est nécessaire, et si l’écrit se mêle à la création et que la danseuse chorégraphe sait que « les
mots existent pour s’unir », c’est par la danse que s’exprime ce « quelque chose de très très sincère ». À ce sujet, l’échange entre les danseur·euse·s professionnel·le·s et l’actrice Delphine Lanson pour qui le mouvement est moins technique qu’émotif a constitué un enchantement pour la troupe qui s’est trouvée énergisée par cette double approche.

Avec CHERS, Kaori Ito rend un hommage vibrant à la vie malgré l’absence ou l’indépassable perte des êtres aimés.

CHERS
Samedi 5 mars 2022 à 20h30
L’Octogone, Théâtre de Pully
theatresevelin36.ch

Site personnel de l’artiste
www.kaoriito.com

Chanter la liberté

blogcom — Wed, 12 Jan 2022 08:24:21 +0000

En incarnant Melina Mercouri dans son nouveau spectacle musical, Nathalie Pfeiffer nous invite à savourer bien plus qu’un parfum de légèreté sur les rives du Léman. Je suis Grecque nous emmène au tournant d’une carrière sacrifiée afin de porter la voix d’un peuple réduit au silence.

Texte et propos recueillis par Coralie Hornung

Le 21 avril 1967, l’armée prend le pouvoir en Grèce alors que la chanteuse et actrice Melina Mercouri, reconnue internationalement comme meilleure actrice pour le film Never on Sunday au Festival de Cannes de 1960, continue à susciter un engouement pour la Grèce et domine la scène de Broadway. Melina fait face à un dilemme cornélien: poursuivre sa brillante carrière internationale ou profiter de la visibilité que lui offre sa notoriété afin de porter la voix de son pays réduite au silence par l’armée. C’est sur ce dilemme que s’ouvrira la pièce mise en scène par Jean Chollet et interprétée par Nathalie Pfeiffer, Christophe Gorlier et Raphaël Tschudi.

Pour Nathalie Pfeiffer qui porte le projet, la genèse de la pièce remonte au 33 tours qui tourne en boucle dans la maison de son enfance à la Tour-de-Peilz et fait résonner le cri du cœur de Melina Mercouri contre les colonels, à des kilomètres du conflit. D’abord touchée par la voix et l’énergie qui se dégage de cette musique, Nathalie connaîtra rapidement par cœur les chansons de Melina. Elle comprendra ensuite la puissance et la profondeur de ce qu’elle exprime en écoutant les récits d’une proche amie de sa mère, épouse du réalisateur grec Robert Manthoulis. C’est donc naturellement que Nathalie Pfeiffer choisira de porter un projet sur Melina Mercouri, à l’occasion du centenaire de la naissance de cette dernière.

En mars 2020, alors que la Suisse est confinée et que le monde de la culture semble être mis sur pause, on s’affaire dans le studio SUBA CFS sous la direction du percussionniste Robin Vassy qui crée les arrangements musicaux à l’oreille en écoutant les chansons de Melina. Chaque instrument sera enregistré individuellement avant d’être mixé pour que Nathalie Pfeiffer puisse finalement poser sa voix, dans le respect des arrangements musicaux originaux de 1970 et des contraintes sanitaires de 2020. Le résultat est époustouflant et deux extraits sont disponibles sur le site de la Compagnie Paradoxe. Le spectacle donne une importance toute particulière aux chansons qui sont un cri de guerre plutôt qu’une mélodie d’accompagnement. L’auteur et metteur en scène Jean Chollet nous offre bien plus qu’une rétrospective nostalgique et mélodieuse de la carrière de Melina Mercouri. Spectateurs et spectatrices sont invité∙e∙s à découvrir la puissance et l’allégresse avec laquelle une femme brise le silence imposé à son peuple et sacrifie sa carrière pour chanter la liberté.

Je suis Grecque
Du 12 au 16 janvier 2022
Le Bateau-Lune, Cheseaux

Du 18 au 30 janvier 2022
Théâtre des Trois-Quarts, Vevey

www.cieparadoxe.ch/je-suis-grecque

Article paru dans L’Agenda 90

Des entités qui cherchent leur place dans le COSMOS

blogcom — Mon, 03 May 2021 14:44:32 +0000

Les spectacles ont repris. Parmi ceux que j’avais noté dans mon agenda (au crayon, excusez le pessimisme qui heureusement n’a cette fois pas eu lieu d’être!), il y avait la création de la Compagnie Linga, intitulée COSMOS, jouée le week-end de la reprise à L’Octogone de Pully.

Texte: Katia Meylan

Pour cette nouvelle pièce, les chorégraphes Katarzyna Gdaniec et Marco Cantalupo explicitent, en clé de lecture, s’être inspirés notamment du concept du mandala pour imaginer un monde en quête d’une harmonie collective. Leurs pas s’interprètent dans la valorisation des différences individuelles, qui contribuent à la richesse de l’ensemble. Un idéal qu’instantanément je rapproche de celui de la compagnie ADN Dialect, voisine veveysane (que j’avais rencontrée quelques mois plus tôt pour le dossier de L’Agenda mars-avril). Toutefois, mon rapprochement est peut-être hâtif car si dans le ballet classique ou néo-classique là n’est pas la norme, et l’on voit souvent des interprètes réglés au millimètre près, de nombreuses compagnies contemporaines recherchent une forme d’expression de l’individualité.
Me glisser dans le public m’a fait découvrir l’univers de la Cie Linga, et a matérialisé en musique et en mouvement ces concepts libérateurs qui me parlent.

Photos: Gregory Batardon

Création originale non seulement par sa chorégraphie mais également par sa musique, COSMOS nous plonge d’abord dans le noir complet pour que vienne à nous les premières notes, composées pour l’occasion par L’Ombre de la Bête. Le duo que forment Mathias Delplanque et François Robin donne une couleur électronique aux instruments de ce dernier, la cornemuse et le violon. On a déjà perdu nos repères, le jour se lève lentement sur les musiciens qui créent une matière avec laquelle ils se connectent aux gestes lents des corps, qui finissent par apparaître eux aussi.

Les mouvements de chacun de ces corps se développent individuellement dans des reflets de lumière chaude; ils naissent au monde. Progressivement, une énergie couve alors que les entités semblent s’influencer. Peut-être n’est-ce encore que par mimétisme inconscient… jusqu’à arriver à la première séquence d’ensemble, explosive. Frissons. Neuf danseur∙euse∙s et deux musiciens. Cet ensemble n’est pas donné comme acquis, il prend son sens après nous avoir fait témoigner de l’évolution des individualités. Le son rugueux de la cornemuse ajoute à la frénésie du moment. Après ce moment de transe commune, les entités comment à interagir, à se toucher, à tester, à modifier les espaces individuels et les faire fusionner comme pour trouver une résonnance qui conviendrait à toutes.

Photo: Gregory Batardon

Les expressions des visages sont gommées par les interprètes et la pénombre; ce sont les mouvements, les distances, la place que prend chaque entité dans l’espace qui importent. Ont-elles trouvé un fonctionnement? Pas de fin pour COSMOS mais un délicat et inattendu recommencement.

COSMOS
Les premières ont eu lieu les 24 et 25 avril 2021.

Reprise les samedi 28 et dimanche 29 janvier 2022. La mise en vente est prévue le lundi 9 août 2021 dans le cadre de la nouvelle saison de l’Octogone.
www.linga.ch