#historique – L'Agenda

Une armée de geeks prend d’assaut Grandson et Morat pour y faire de l’opéra

blogcom — Thu, 14 May 2026 09:50:44 +0000

C’est un grand projet qui se trame depuis plus de trois ans déjà, et qui touche désormais au but. La production originale Charles l’Opéra, portée par des amoureux fous d’Histoire et d’arts vivants, réunira une soixantaine de personnes sur scène du 23 mai au 14 juin à Grandson puis du 16 juillet au 23 août à Morat. Chanteur·euse·s lyriques, comédien·ne·s et instrumentistes mais aussi choristes amateur·ice·s de tous âges racontent un épisode souvent méconnu de l’Histoire suisse : les défaites, il y a 550 ans, de Charles le Téméraire contre les Confédérés aux châteaux de Grandson et de Morat.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan

1,8 million de budget et 130 personnes qui ne comptent plus leurs heures depuis trois ans, plusieurs mois, ou quelques semaines pour les dernier·ère·s à avoir rejoint le projet, porté par l’association Lumen Canor. C’est en 2021, après avoir accueilli leur création opératique autour de la figure de Jehanne d’Arc, que Camille Verdier, directeur du Château de Grandson, propose à la compagnie de s’attaquer cette fois à Charles le Téméraire, duc de Bourgogne défait à Grandson et Morat en 1476.

Photos : Robert Kovacs

Immersion dans l’Histoire

« La consigne qui nous a été donnée : faire un Game of Thrones version romande ! », résume malicieusement Jimena Marazzi, chef de projet et compositrice. Les scènes de sexe en moins, les recherches historiques en plus, et surtout, une capacité à nous impliquer émotionnellement dans les enjeux des personnages. Mission acceptée ! Cette bande de véritables passionné∙e∙s s’est donc lancée corps et âme dans des recherches sur le 15^esiècle, non sans l’aide de quelques spécialistes. Notamment, Estelle Doudet, professeure à la Section de français à l’Université de Lausanne, co-autrice de l’ouvrage « Les guerres de Bourgogne. Mémoires et commémorations en Suisse (1476-2026) », et Hervé Mouillebouche, chercheur en histoire médiévale à l’Université de Bourgogne à Dijon et spécialiste de la Bourgogne médiévale. Faire de ce pan de l’Histoire suisse une œuvre épique, oui, la fictionnaliser un peu, d’accord, mais pas n’importe comment !

L’équipe témoigne que leurs recherches l’a menée à quelques surprises. « Charles est souvent considéré comme le téméraire conquérant vaincu à Morat par les Suisses, mais la réalité semble avoir été plus subtile… De qui a-t-il été l’ennemi, de qui a-t-il été le défenseur ? C’est cette recherche de nuances qui nous a guidés dans l’écriture », précisent Grégory Thonney, scénariste et Mélanie Carrel, librettiste et metteuse en scène.

Mise en scène et musique

Inspiré·e·s par l’opportunité de jouer sur les lieux mêmes des faits, Grégory et Mélanie ont cherché dans leur travail à « incarner la mémoire des événements ». En écrivant, notamment, plusieurs pages de background pour chacun des personnages, en leur faisant parfois dire des citations authentiques trouvées dans des sources. Afin de mieux immerger les spectateur·ice·s dans le contexte de l’époque, des personnages, quidams, bouffons ou drapières ayant tous leurs propres buts et histoires, interagiront avec le public avant le début du spectacle et durant l’entracte. Ainsi, des petites scènes spontanées prendront vie ça et là, offrant tantôt une petite clé de compréhension, tantôt une anecdote historique, venant enrichir le récit principal en s’insérant dans toutes ses parenthèses.

Tout comme Grégory Thonney et Mélanie Carrel ont renoncé à faire parler les personnages dans la langue du 15^e siècle pour des questions de compréhension (les dialogues seront en français et en allemand), Jimena Marazzi a elle aussi pris le parti de ne pas faire de la reconstitution. « Les codes musicaux de l’époque sont très différents de ceux d’aujourd’hui, et n’auraient pas forcément fait passer les émotions escomptées », explique-t-elle. Ses compositions font donc cohabiter « certaines pépites authentiques du répertoire de l’époque » avec de la musique contemporaine et, la plupart du temps, « une musique à l’ambiance médiévale au service de la narration et de l’émotion, dont les codes s’inspirent de la musique de films ».

Les costumes – une visite dans la tanière d’Alice Concordel

Un des choix de l’équipe artistique a été de consacrer un soin particulier aux costumes. Ainsi, robes, tuniques, gambisons, armures, chapeaux, bourses, et autres 400 œillets cousus main sont réalisés par trois costumières et un accessoiriste à l’atelier Reyn’art à Etoy, sous la responsabilité d’Alice Concordel, qui nous y a reçu il y a quelque jours.

Alice Concordel à son atelier Reyn’Art à Etoy.
Photo: Katia Meylan

Là aussi, le souhait était d’être au plus près de la réalité. Au sujet de ses sources, Alice Concordel est volubile – cela fait plusieurs mois qu’elle vit pratiquement au 15^e siècle ! Comment la mode circulait à cette époque, pourquoi sont apparus les crevés, quelles teintures étaient onéreuses ou accessibles au peuple, qui portait ou non une « dague à couilles », elle peut vous le dire. « Objectivement je n’avais pas besoin de faire autant de recherches. Mais ça me passionne, alors je suis au taquet ! », s’enthousiasme-t-elle. La jeune femme, formée en tant que costumière à l’École de couture de Fribourg, admet que jamais avant Chales l’Opéra elle n’avait aussi pleinement eu le temps et le budget pour appliquer les processus appris en cours de dramaturgie : la découpe des scènes, l’analyse de chaque personnage, de son histoire et de ses buts, de ses divers environnements et changements, puis la recherche approfondie pour qu’à ses vêtements il soit immédiatement identifiable par le public. « J’ai beaucoup travaillé à l’opéra et c’est différent, car quand le premier rang est à plusieurs mètres de la scène, on a moins besoin de travailler les détails. Là, le public sera si proche qu’il pourra compter les poils de nez ! » rit-elle.

Alice Concordel nous raconte avoir rassemblé un maximum d’informations auprès de connaissances faisant de la reconstitution historique et de son assistante, Mathilde Marconi, qui au travers de ses études à la STA de Lugano avait accès à d’immenses volumes de sources primaires pour chaque époque. Son énergie créative a fait le reste : « Je n’ai pas voulu enfoncer des portes ouvertes en reprenant ce qui est déjà fait partout dans l’imaginaire médiéval. J’ai essayé d’autres choses qui m’ont interpelées, moins habituelles. Et je peux justifier tous mes choix par une source ! », affirme la costumière.

La plupart des costumes sont créés à l’atelier, et les rares pièces achetées passent par une transformation. « Je connais les endroits qui vendent des costumes médiévaux, il n’y a pas beaucoup de choix, on est vite limité. Par exemple, je n’ai trouvé que trois sortes de gambison, [ndlr, le vêtement matelassé épais porté sous l’armure] : noir, blanc, ou rouge pétant. Déjà, la couleur ne me semblait pas réaliste, ni le fait que les soldats auraient été tous pareils. Les soldats confédérés, on leur donnait un casque et c’est tout ; après, c’était à eux de se débrouiller avec leur mère, leur tante ou leur sœur pour qu’elle leur couse quelque chose ! » raconte Alice, allant et venant dans son atelier pour nous montrer les différents gambisons. « Comme c’est vraiment très long à faire, j’en ai acheté quelques-uns pour les teindre, en ai emprunté d’autres à des ami·e·s rôlistes ou médiévistes. Et le Général Bourguignon, qui est trop grand pour entrer dans les gambisons qu’on a trouvés, en aura un fait à la main ! »

Tout comme certaines pièces ont été acquises lors d’une vente publique de costumes du Grand Théâtre de Genève ou empruntées dans son réseau, certaines seront revendues après le spectacle. Si l’atelier Reyn’art a pu investir beaucoup dans les costumes, c’est aussi car Alice sait qu’ils trouveront très probablement preneur·euse dans la communauté par la suite. Une optique d’économie circulaire qui lui importe beaucoup : « un costume peut avoir plein de vies différentes, il peut être transformé, de manteau de prince à tunique de zombie avant de devenir un chiffon ! »

À l’approche des représentations, la costumière arrive dans la dernière ligne droite. Mais son travail ne se terminera pas à la première le 23 mai ! Car Alice s’est vu attribuer, en marge du spectacle, un personnage de drapière… vous aurez peut-être l’occasion de la croiser et d’entendre son histoire dans la cour du château !

Charles L’Opéra – Du hardi au téméraire
– Du 23 mai au 14 juin 2026
Château de Grandson (VD)
– Du 16 juillet au 23 août 2026
Château de Villars-les-Moines (FR)
www.charles-opera.ch

« Des milliers de Sankara » ou partir à la recherche de ses origines

blogcom — Tue, 10 Mar 2026 08:56:00 +0000

Aminata vient de perdre subitement sa mère, son seul lien avec sa terre natale. Elle décide alors de se rendre au Burkina Faso pour tenter de comprendre ses origines et trouver les réponses à ses questions. Coproduction entre le Collectif Puck et la Commune de Plan-les-Ouates, la pièce Des milliers de Sankara entraîne le public dans un voyage entre Ouagadougou et Genève, entre 1987 et 2014, dans une scénographie immersive en cercle. À l’affiche jusqu’au 15 mars 2026 à La julienne, c’est l’occasion d’échanger avec le metteur en scène Alexis Bertin.

Interview : Eugénie Rousak

Eugénie, pour L’Agenda : Des milliers de Sankara n’est pas votre première pièce sur la migration. Pourquoi continuer dans cette thématique ?

Alexis Bertin : Mon éducation m’a rapidement sensibilisé aux questions de migration, qu’elle soit subie ou choisie. Mes parents sont venus en aide à des personnes en déplacement durant mon enfance et adolescence et j’ai aussi noué des amitiés avec des personnes issues de contextes très différents du mien, dont les parcours m’ont énormément appris et ouvert à d’autres façons de voir le monde. Parallèlement, j’écoute de nombreux témoignages et m’intéresse aux manières dont les auteurs abordent cette thématique dans leurs œuvres. Le travail du dramaturge Wajdi Mouawad, lui-même immigré enfant du Liban, m’inspire tout particulièrement, par exemple.

Pourquoi avez-vous décidé de consacrer cette nouvelle pièce à l’histoire du Burkina Faso, revenant sur des faits qui datent de pratiquement 40 ans ?

Le projet autour de Thomas Sankara est né d’une rencontre avec un ami burkinabé, qui m’a énormément parlé de cette période historique. À l’époque, nous avions travaillé ensemble sur un petit documentaire, mais l’idée d’écrire une fiction en lien avec les événements de 1987 m’est restée en tête. Je ne voulais pas me précipiter dans ce travail, car les mots et actes de Thomas Sankara m’ont profondément marqué. Finalement, cette réflexion a duré pratiquement 10 ans ! Ce n’est qu’en 2022, encouragé par mon enseignante durant un CAS en dramaturgie, que je me suis véritablement plongé dans l’écriture du texte.

Quelle est la part de la fiction dans cette pièce ?

Initialement, je voulais centrer la pièce sur Mariam Sankara, ancienne première dame du Burkina Faso. Mais au fur et à mesure de ma réflexion, je me sentais de plus en plus mal à l’idée d’inventer la vie d’une personne réelle. J’ai donc choisi de partir des événements historiques, comme l’assassinat de Thomas Sankara, pour ensuite construire toute la partie fiction autour de ce fil rouge.

Des milliers de Sankara. Photos: © Anatholie

La pièce se déroule avec une dualité entre 1987 et 2014, pourquoi ce choix ?

Je voulais mettre en avant le contraste entre ces deux époques. En 1987, les livres et les témoignages parlent d’un peuple burkinabé stupéfait et désemparé, privé de tout espoir. En 2014, la situation est contraire, un souffle d’espoir émerge avec l’insurrection populaire. Il me semblait fondamental de marquer cette opposition, d’ancrer le personnage d’Aminata dans un contexte qui reflète ces changements et dynamiques sociales et humaines de l’époque.

Des milliers de Sankara. Photos: © Anatholie

Vous vous êtes écarté d’une mise en scène à l’italienne, en plaçant le public en cercle, alors que les comédien∙ne∙s se déplacent dans la salle et entre les rangées. Comment ce choix sert-il la dramaturgie et la narration ?

C’était une longue réflexion avec Manon Reith, assistante dramaturgie et mise en scène ! Nous avions la contrainte d’ancrer le récit dans deux époques, tout en intégrant le public à l’histoire. Comme la pièce s’appelle Des milliers de Sankara, chaque spectateur en fait partie, comme s’il appartenait lui-aussi à ce millier. Je trouve essentiel que chacun puisse se reconnaître dans les situations, pour se sentir proche des comédiens. La salle devient ainsi un espace vivant et mouvant. La scénographie en cercle reflète également l’instabilité des personnages. Chacun avance à tâtons sur un terrain instable, sans véritable point d’ancrage, cherchant ses propres repères. En parallèle, les spectateurs se regardent mutuellement, ce qui fait aussi partie de l’expérience. Ce n’est pas la première fois que j’expérimente avec la configuration de la salle, car les mises en scène plus traditionnelles créent souvent une distance, laissant le public dans le rôle de simple témoin de l’intrigue.

Dans la pièce, le rôle de père tient une place importante, que cela soit à travers le besoin d’Aminata d’en savoir plus sur son père biologique, ses questions à son père adoptif ou ses propres interrogations sur le fait d’avoir des enfants. Pourquoi avoir intégré également cet axe dans l’histoire ?

Le point de départ vient de ma vie personnelle, car je suis devenu père de famille il y a 4 ans. Je me projette dans les personnages, me demandant si, à leur place, j’aurais voulu avoir des enfants avec cette peur de leur transmettre mes propres blessures. Je n’ai pas vécu d’expériences comparables, mais je me suis servi de mes propres interrogations pour réfléchir à ce que signifie être un père honnête et intègre.

La pièce vous a-t-elle aidé à répondre à vos propres questions ?

Oui, je pense que ça fait son chemin.

La pièce se termine, alors qu’Aminata n’a encore découvert ni ses origines, ni l’histoire de sa famille, alors que le public connaît déjà les réponses. Pourquoi cette dualité ?

La question du dénouement a été longtemps discutée lors de l’écriture. Nous avons décidé de ne pas boucler la boucle de l’histoire personnelle d’Aminata, pour laisser cette ouverture sur l’avenir et les choses qu’il lui reste encore à accomplir.

Des milliers de Sankara
Du 6 au 15 mars 2026 à La julienne, Plan-les-Ouates
www.saisonculturelleplo.ch/des-milliers-de-sankara

Bach et Schubert pour Bresslau et Schweitzer : le concert épistolaire

blogcom — Fri, 07 Nov 2025 10:00:48 +0000

La compagnie ad’Opera fait le pari d’adapter pour la scène la correspondance d’Albert Schweitzer et Hélène Bresslau. Pour juger de la réussite de cette audacieuse transposition, rendez-vous à Genève le 12 novembre et à Lausanne les 14 et 16 novembre.

Texte et propos recueillis par Athéna Dubois-Pèlerin

Vous n’avez jamais entendu parler d’Albert Schweitzer ? Nous non plus. Le destin de cet Alsacien n’est pourtant pas de ceux qui se laissent facilement oublier : non content d’être médecin, théologien, musicien et philosophe, Schweitzer est surtout connu pour son rôle pionner dans l’activisme humanitaire : son engagement au Gabon, où il passera la majeure partie de son existence, lui vaut en 1952 le Prix Nobel de la paix.

Curieux sujet pour un spectacle musical ? Christian Baur, directeur musical de la production et porteur du projet, en convient volontiers, lui qui a le don de délaisser les sentiers battus pour « toucher à ce que personne n’a encore fait ». C’est à l’occasion d’un colloque à Mülhouse que Christian Baur découvre les lettres de Schweitzer, et avec elles l’homme derrière le mythe, riche de toutes les fêlures de son histoire. Dans la correspondance-fleuve que le théologien entretient avec l’infirmière Hélène Bresslau (qui s’étendra sur plusieurs décennies), on peut lire les questionnements de deux individus tiraillés entre l’amour mutuel qu’ils se portent et la vocation humanitaire d’Albert, à première vue irréconciliable avec une vie conjugale. Au fil des années, pourtant, Hélène s’approprie peu à peu son projet, jusqu’à le suivre au Gabon et devenir son épouse.

Albert et Hélène (Colmar, 1912) © Maison Albert Schweitzer Musée Günsbach.

« Tout au long des dix années d’échanges que nous avons choisi d’adapter, Schweizer apparaît profondément émouvant dans son humanité, relève Christian Baur. Son cheminement fait écho à des questionnements modernes, et à vrai dire intemporels : la valeur de l’engagement, la quête de sens, la notion de sacrifice. »

Tristan Pannatier, en plus d’endosser le rôle de Schweizer, signe également la mise en scène : un défi qui lui a permis d’affûter ses outils dramaturgiques. « Adapter une correspondance permet de jouer sur la multiplicité des points de vue. Ainsi, lorsqu’on cherche à incarner une lettre d’Hélène par exemple, on peut lui donner vie au travers de la voix d’Hélène elle-même, qui la rédige, mais aussi au travers de la voix d’Albert, qui la découvre. Ce jeu d’angles enrichit l’expérience théâtrale. »

Une performance du contrepoint, en définitive, qui appelle comme naturellement une épaisseur musicale. Ambivalente, la partition souligne admirablement la tension entre désir et devoir qui hante le cœur des échanges épistolaires. Interprété à l’accordéon, Schubert prête son romantisme aux épanchements des amants séparé·e·s. Bach de son côté illustre la rigueur du devoir, martelée par un talentueux quatuor vocal. « En organiste doué, Schweizer était un fin connaisseur de Bach. Cette musique résonne profondément avec son parcours d’homme », relève Christian Baur. Ou quand les arts s’allient pour rendre justice à l’histoire.

Photos: Florian Colombo, 2025

Hélène et Albert, en toutes lettres

– Mercredi 12 novembre 2025 à 20h
Musée international de la Réforme, Genève

– Vendredi 14 novembre 2025 à 19h
Abbaye de Montheron, Cugy-Lausanne

– Dimanche 16 novembre 2025 à 17h
Église Saint-Jean de Cour, Lausanne

www.adopera.ch

Sorcière – le musical. Une tournée commence au Théâtre du Jorat

blogcom — Fri, 14 Mar 2025 16:10:57 +0000

Sorcière – le musical, dans la douceur de sa musique, la violence des injustices historiques relatées, l’intensité des voix et des instrumentistes, avait résonné longtemps après avoir quitté le temple Saint-Vincent. Son écho toujours vibrant, le spectacle musical joué à guichet fermé l’année dernière à Montreux entamera une tournée qui débutera par le Théâtre du Jorat les 23 et 24 août 2025.

Texte de Katia Meylan

La nouvelle saison du Théâtre du Jorat affiche douze spectacles, un peu moins qu’à son habitude. En effet, les rénovations – qui permettront d’accueillir des spectacles de plus grande envergure et de recevoir le public dans un pavillon remplaçant la tente-cantine – seront tout juste terminées pour ouvrir le théâtre avec la première pièce, le 11 juin. Une programmation réduite donc, mais quelle programmation ! Ariane Moret, directrice du lieu, la dévoilait le 27 février dernier.

Alors qu’elle présentait les premiers spectacles, Alizé Oswald et Xavier Michel du groupe Aliose se glissent dans la salle. Se pourrait-il que… ? On tourne rapidement les pages du programme pour lever le suspense. Oui ! Sorcière – le musical viendra conter son histoire au cœur boisé du Jorat. Quel bonheur de savoir que l’aventure de cette création romande se poursuit !

Nathan Pannatier, Mané, Alizé Oswald, Tristan Giovanoli et Xavier Michel lors de la présentation de saison du Théâtre du Jorat.
Photo: ©Antoine Genoud
Photo de haut de page: ©Julie Massion

Un procès pour sorcellerie

Sorcière, c’est l’histoire du procès de Louise, une femme accusée de sorcellerie au début du 17^e siècle. Une femme ordinaire qui, comme tant d’autres à cette époque, se voit aliénée par les rouages d’une justice s’en remettant prétendument à Dieu, avec sa sœur pour seule alliée dans un paysage de protagonistes qui la condamnent par jalousie, par couardise ou par souhait de préserver sa position.

L’essence du projet

En visite au Château de Chillon il y a plusieurs années de cela, le compositeur romand Christophe Farin est saisi d’apprendre que des milliers de personnes – principalement des femmes – avaient été brûlées sur des bûchers pour sorcellerie dans le canton de Vaud entre le 15^e et le 17^e siècle. Alors qu’il se disait qu’il y avait là matière à créer un spectacle, il tombe sur la chanson Je n’suis pas folle d’Aliose, dont l’univers résonne avec ses projets. Ils se rencontrent et ensemble, composent une première chanson, Nos vies pendules. Elle leur portera bonheur, devant le conseil de fondation de la Saison Culturelle de Montreux qui, touché, décide pour la première fois de produire un spectacle.

La musique et la trame de l’histoire se tissent au fur et à mesure, s’adaptant en fonction des besoins l’une de l’autre. Les 14 chansons, empreintes d’une douceur magique, semblent contenir toute l’humanité qui déserte les périodes sombres de délation, aujourd’hui comme il y a des siècles. On reconnait tant la patte d’Aliose dans ces titres que, tout logiquement, Alizé (qui devait à l’origine n’être « que » compositrice et auteure) tient le rôle de Louise dans le spectacle. Une première en tant que comédienne pour la musicienne qui, guidée par la metteuse en scène Sophie Pasquet-Racine, livre une interprétation touchante. « J’ai accepté ce défi, car en fait, ce rôle, ce n’est pas une projection de l’esprit. Je suis née à une autre époque, mais j’aurais pu être Louise ».

Xavier, que sa formation d’historien avait tout désigné pour l’écriture du livret, raconte avoir tenu à respecter scrupuleusement les sources. « À chaque fois qu’on s’éloignait de ce qui était historique – lorsqu’on a tenté d’imaginer une histoire d’amour entre deux personnages, par exemple – on se rendait compte qu’on diluait l’essentiel ». Un choix artistique qui a probablement contribué à rendre l’histoire à la fois si juste, si injuste, si entêtante.

Le couple précise également avoir voulu se détacher de l’utilisation romancée de la figure de la sorcière, souvent dépeinte aujourd’hui comme une femme spéciale, libre, avec des pouvoirs propres à son essence. « Les sorcières, dans la plupart des cas, n’avaient rien de tout ça. C’était des simples histoires de voisinage, de jalousies, de bruits qui courent ».

Sorcière – le musical. Photo ©Julie Masson

Les artistes

L’une des grandes forces de ce spectacle est sa distribution. Pour donner la réplique à Alizé, on retrouve la magnifique Mané en petite sœur, Pascal Rinaldi en juge, Tristan Giovanoli en seigneur propriétaire de terres et Dominique Tille en médecin. Autour de Xavier Michel aux guitares, le batteur Félix Bergeron est un concentré d’intensité, et la violoncelliste Fanny Balestro est bouleversante lorsqu’elle interprète la douleur de Louise dans une danse torturée. Le chœur, frissons de la pièce tant les harmonies et les voix sont belles, est composé de huit solistes fort∙e∙s d’une belle renommée internationale, principalement venu∙e∙s du monde de la comédie musicale. C’est également le chœur, sous l’impulsion de Sophie Pasquet Racine, qui imprime une dimension contemporaine à la narration historique.

Sorcière – le musical. Photo ©Julie Masson

Ce spectacle immersif, qui réunit des artistes de la chanson francophone, du classique et de la comédie musicale, dont le sujet semble avoir touché une corde sensible, est l’évidence même que la scène romande n’a rien à envier ailleurs… et qui sait, Sorcière fera même peut-être son petit bout de chemin jusqu’à Broadway un jour ?

Sorcière – Le Musical
Les 23 et 24 août 2025
Théâtre du Jorat

Toute la programmation de saison du Théâtre du Jorat : www.theatredujorat.ch

Les dates de la tournée de Sorcière (à venir) : www.sorciere-lemusical.ch

Théâtre diplomatique à Lausanne

blogcom — Thu, 26 Sep 2024 09:14:47 +0000

Lancé en 2017, le Lausanne Project a pour but de mettre en lumière les conséquences du traité qui prit place dans la capitale vaudoise il y a un siècle, en 1923, et qui régla une partie des conséquences de la Première Guerre mondiale. La bande dessinée De la lumière à l’ombre s’infiltre dans les coulisses de ce traité en compagnie de deux personnages issus du théâtre d’ombre traditionnel turc, Hacivat et Karagöz. Scénarisée par trois chercheur∙euse∙s du Lausanne Project, cette aventure est mise en images par l’artiste Gökçe Erverdi, qui dessine au passage un joli portrait de quelques hauts lieux lausannois.

Texte de Marc Duret

Après avoir décidé de fuir leur condition de pantins, Hacivat et Karagöz quittent leur village d’Erzin en Turquie avec des intentions plus ou moins nobles, à savoir libérer leur région du pouvoir français, mais aussi faire fortune dans le pétrole. Ils se rendent alors à Lausanne, où l’un des plus grands rendez-vous diplomatiques de l’histoire du 20e siècle a pour but d’établir une paix durable au Proche-Orient et de dessiner l’avenir des populations de la région autrefois ottomane, notamment grecque, turque, kurde ou arménienne. Le traité entérine en particulier des déplacements de populations forcés et colossaux aux conséquences funestes qui perdurent aujourd’hui.

Les deux marionnettes ayant pris vie croisent à Lausanne des diplomates et des représentants des plus grandes puissances mondiales, un chat grec chassé d’Asie Mineure et même un certain Ernest Hemingway, alors correspondant du Toronto Star, sans oublier Clare Sheridan, seule journaliste femme présente lors de la conférence. Cela donne lieu à des scènes cocasses et souvent amusantes, puisqu’elles mêlent des plaisanteries théâtrales à d’autres davantage liées à la grande Histoire. Celle-ci est présentée sous forme de saynètes qui constituent une sorte de who’s who du Traité de Lausanne, que l’on gagnera sans doute à lire smartphone à la main, afin de compléter par quelques recherches les présentations des personnages et forces en présence. En cela, cette bande dessinée réussit ce qui est sans doute un de ses objectifs, à savoir rendre curieux∙ses ses lectrices et lecteurs, leur donner envie d’en savoir plus sur cette importante étape de l’histoire mondiale. On regrettera peut-être que l’aspect didactique de l’ouvrage, dont le corollaire est de viser une forme d’exhaustivité, affaiblisse un peu le récit en partant dans de nombreuses directions. En mêlant fiction et Histoire, ce dernier compose toutefois une jolie métaphore, en ligne claire, de ce qu’est l’obscur théâtre diplomatique.

De la lumière à l’ombre
L. Conlin, O. Özavci, J. Secklehner, G. Erverdi
Editions Antipodes
www.antipodes.ch

HispanÁfrica : un lieu de connexion culturelle entre deux continents

blogcom — Mon, 09 Sep 2024 12:24:46 +0000

Les 12 et 13 septembre prochains, l’Université de Lausanne accueillera le colloque international HispanÁfrica, un événement majeur dédié à l’exploration des relations entre l’Afrique et l’Espagne à travers le prisme littéraire.

Texte et propos recueillis par Catia Afonso

La littérature comme pont entre deux continents

Parler de relations entre l’Espagne et l’Afrique permet d’amorcer une discussion sur la littérature africaine, trop peu représentée en Suisse et en Europe. L’Université de Lausanne agit en faveur du développement culturel et du renforcement de liens internationaux : elle accueille notamment le Pôle pour les Études Africaines (PEALL) dirigé par Christine Le Quellec Cottier, ayant pour but de visibiliser les travaux portant sur l’Afrique et ses diasporas. Rappeler l’abondance des relations littéraires entre le monde hispanique et africain au cours du 20^e et 21^e siècle, voici l’objectif de cet événement organisé par des chercheurs de l’institution.

Un regard croisé sur la littérature et les arts afro-hispaniques

Quatre conférencier∙ère∙s se joindront au colloque lors de conférences plénières : Mohamed Abrighach de l’Université Ibn Zohr à Agadir s’intéressera à la littérature marocaine en langue espagnol. Joanna Boampong de l’Université du Ghana exposera sur la notion d’appartenance dans la narrative contemporaine de la diaspora africaine hispanique. Stuart Green de l’Université de Leeds présentera l’histoire du rap afro-espagnol depuis les années 90. Christine Le Quellec Cottier, Professeure à l’Université de Lausanne, explorera la place de l’Afrique dans le monde et les nouveaux réseaux atlantiques pour rappeler les liens qui unissent le continent africain à l’Amérique Latine.

D’autres conférences à choix s’inscriront au cœur de ces journées. Celles et ceux dont l’intérêt se porte sur la littérature pourront assister à des discussions sur l’importance de l’Afrique dans la littérature hispanique. Celles et ceux chez qui la curiosité culturelle et artistique domine pourront assister à des conférences autour du cinéma, du théâtre, de la musique et de l’activisme afro-descendants.

Le Professeur Marco Kunz, spécialiste de littérature espagnole et latino-américaine à l’Université de Lausanne et co-organisateur du colloque avec Sara Bernechea Navarro, a rappelé lors de notre entretien en juin dernier à l’UNIL qu’il existe « beaucoup de zones de contacts entre l’Afrique et le monde hispanophone, d’une part en Amérique Latine de par l’histoire et l’esclavage, d’autre part dans plusieurs pays en Afrique, notamment le Maroc et la Guinée Équatoriale, où il existe une littérature écrite en langue espagnole. » Marco Kunz souligne également que pour gagner en visibilité, la littérature africaine doit inévitablement passer par l’Europe. Les espaces de discussions agissent en ce sens.

Un zoom sur une conférence : le cas de la Guinée Équatoriale

Lors du colloque, Sandra Schlumpf, Professeure à l’Université de Bâle, apportera une perspective précieuse en présentant une analyse du regard des Équato-Guinéens sur l’Espagne, mettant en lumière les liens culturels et historiques entre ces deux régions. Schlumpf a également collaboré à un projet dirigé par Monica Castillo Lluch, Professeure à l’Université de Lausanne, visant à faire connaître la Guinée Équatoriale, ancienne colonie espagnole. Ce projet, réalisé dans le cadre d’un séminaire de Master à l’Université de Lausanne, a permis aux étudiantes de Castillo Lluch de rencontrer des membres de la communauté équato-guinéenne vivant en Suisse. Les portraits réalisés retracent les parcours de vie de ces ressortissant·e·s, incluant leur passage par l’Espagne, tout en mettant en évidence la diversité linguistique qu’ils et elles représentent. Les données récoltées seront bientôt disponibles sur www.mapaespanolsuiza.org, une plateforme dédiée à la langue espagnole en Suisse.

Vers une collaboration accrue

Le colloque vise ainsi à renforcer les liens culturels et littéraires entre l’Europe et l’Afrique en ouvrant des espaces de dialogues. Les conclusions de ces deux jours serviront de base pour de futures collaborations. Les deux organisateurs du colloque maintiennent leur volonté de publier une collection d’articles scientifiques au terme de ces journées, assurant ainsi une trace écrite.

HispanÁfrica s’annonce comme un rendez-vous incontournable pour tous les hispanophones curieux∙ses, universitaires mais également auditeur∙trice∙s libres, offrant un lieu d’échanges pour la célébration de la diversité culturelle.

Colloque international HispanÁfrica

Les 12 et 13 septembre 2024
Université de Lausanne, bâtiment Anthropole, salle 4030
www.unil.ch/esp

Pôle pour les Études Africaines, Université de Lausanne: www.unil.ch/fra/pole-etudes-africaines

Le « Collector » du bicentenaire

blogcom — Fri, 30 Aug 2024 09:31:17 +0000

Si 2017 marquait les 200 ans du Jardin botanique, en 2024 c’est le tour du Conservatoire de célébrer son bicentenaire durant toute l’année. Fondée en 1824 aux Bastions par le savant genevois Augustin-Pyramus de Candolle, l’institution a finalement déménagé au début du 20^e siècle et occupe depuis les lieux de l’autre côté du lac. Cette année anniversaire est donc l’occasion de revisiter ses espaces extérieurs et plonger dans les secrets de ses sous-sols, ainsi que de sortir du jardin, suivant les traces de verdure laissées dans la ville. Échange avec le conservateur Martin Callmander.

Texte et propos recueilli par Eugénie Rousak

L’Agenda: Quels étaient les changements majeurs dans les activités du Conservatoire le long de cette histoire bicentenaire ?

Martin Callmander : Selon moi, il est surtout question d’une évolution technologique. Notre fondateur Augustin-Pyramus de Candolle avait décrit de nombreuses espèces, utilisant les moyens disponibles à son temps. Avec très peu de matériel et de ressources, il a commencé un ambitieux Prodromus, sorte de catalogue de toutes les plantes connues de l’époque, terminé par sa descendance. Aujourd’hui, le Conservatoire évolue avec son temps et les possibilités actuelles, comme notamment les différentes techniques liées à l’ADN, venues progressivement compléter l’analyse morphologique du vivant. Désormais, nous pouvons mieux retracer et comprendre les relations entre les plantes.

Quelles évolutions voyez-vous dans les activités du Conservatoire et Jardin botaniques de Genève (CJBG) les prochaines années ?

Avec la crise mondiale de la biodiversité, nous sommes au premier plan pour tenter de répondre aux questions cruciales de l’extinction en masse et du changement climatique. C’est donc dans cette direction de protection de la nature que le Conservatoire oriente ses activités. Pour donner un exemple, actuellement nous travaillons étroitement avec la Ville de Genève pour mettre en place différents plans d’actions en faveur de la biodiversité en milieu urbain.

Et pour rentrer au cœur de la célébration, pourquoi avez-vous décidé d’organiser les événements tout au long de l’année et comment la programmation Collector s’est-elle construite ?

Nous avions déjà présenté une grande exposition à l’occasion des 200 ans du Jardin, donc nous voulions proposer un format original et différent pour le bicentenaire du Conservatoire. Nous nous sommes donc mis autour d’une table pour construire ensemble une programmation qui présenterait les nombreuses facettes de nos activités et du patrimoine institutionnel. L’idée de cette année Collector est donc de montrer tout ce qui se passe dans les coulisses, car les bâtiments sont relativement peu souvent ouverts au public. Par exemple, les « Variations botaniques » du mardi permettent de découvrir les collections en compagnie de nos experts, « Drôles de métiers ! » entrouvre le secret de la diversité de métiers que nous avons, alors que les différentes conférences données dans l’iconique serre tempérée proposent de découvrir une thématique dans une atmosphère végétale assez exceptionnelle.

Photos: Conférence au vert
© Conservatoire et Jardin botaniques de Genève
Photo de haut de page: Instantanés botaniques
© Flying Focus: Yvon Labarthe

Vous avez également organisé cinq expositions sur le site des CJBG, dont La gravure botanique en collaboration avec la Fondation Martin Bodmer. Quelles sont les synergies entre vos deux institutions ?

La grande fierté du Conservatoire est son patrimoine et notamment sa bibliothèque. De son côté, la Fondation Bodmer dispose également d’ouvrages exceptionnels. Malheureusement, ces prestigieuses collections sont souvent difficilement accessibles au public. D’autant plus actuellement, la Fondation Bodmer étant fermée pour rénovation. Nous avons donc décidé de collaborer et présenter sur de grands portiques dans le Jardin 30 magnifiques illustrations de plantes sorties de nos ouvrages, datant du 15^e au 19^e siècle. Nous voulons ainsi rendre hommage aux dessinateurs et graveurs de talent, et ainsi mettre en avant la beauté artistique au-delà d’une analyse scientifique. Cela dit, les ouvrages botaniques originaux de la Bibliothèque sont également présentés au public lors de trois événements, les 12 septembre, 3 et 17 octobre!

Toujours dans cette volonté de faire sortir le Conservatoire de ses lieux relativement cachés, vous organisez également des expositions extra-muros, dont une qui ouvre ses portes le 15 septembre aux Bains des Pâquis pour durer jusqu’à la fin de l’année. Qu’est-ce qui attend le public?

L’objectif de “Instantanés botaniques” est de mettre en avant les différents trésors du Conservatoire à travers les yeux de photographes talentueux du Studio Fédéral et de Flying Focus. Pour réaliser cette immersion visuelle, ils sont venus capturer nos infrastructures vues du ciel, immortaliser les richesses cachées du Conservatoire et documenter nos différentes missions insoupçonnées. Cette exposition répond finalement assez bien aux différentes questions que les visiteurs nous posent régulièrement !

La gravure sort au jardin
© Conservatoire et Jardin botaniques de Genève

Collector : célébration du bicentenaire du Conservatoire botanique
Jusqu’au 30 novembre 2024
Conservatoire et Jardin botaniques de Genève
www.cjbg.ch/agenda/collector

Citoyen Marat

blogcom — Tue, 09 Jul 2024 14:47:15 +0000

Juillet 1793, le Suisse Jean-Paul Marat est retrouvé assassiné dans sa baignoire. Quelques semaines plus tard, une petite troupe donne un spectacle en hommage à ce député, journaliste, révolutionnaire qui intervenait dans de grands débats publics sur des questions du prix des denrées alimentaires, d’esclavage ou encore de guerre. Portée par la Compagnie Le chien qui monte sur la table (écriture et m.e.s. Matthieu Béguelin), la pièce intitulée Citoyen Marat nous fait traverser les quatre premières années de la Révolution française.

Informations pratiques:
Mardi 9 juillet à 20h
Parc sous les marronniers, Plan-les-Ouates
(Déplacé à La Julienne en cas d’intempéries)
Gratuit
www.plan-les-ouates.ch/citoyen-marat

Mémoires croisées du Goulag

blogcom — Fri, 31 May 2024 14:31:00 +0000

Le 30 mai, à la Fondation Jan Michalski, a eu lieu la conférence d’Elena Zhemkova intitulée La mémoire du Goulag. Elle fait partie du cycle de conférences consacrées au Goulag en Russie et en Chine. Margarita Makarova, rédactrice à L’Agenda, a eu l’occasion d’assister à cette avant-dernière conférence du cycle. Elle relate dans le présent article un contexte historique de la Grande Terreur, s’appuyant sur des éléments abordés par les intervenant∙e∙s durant la conférence ainsi que sur un exemple tiré de sa propre histoire familiale.

Texte et photos de Margarita Makarova

Elena Zhemkova commence sa carrière dans un monde académique. En 1985, au début de la perestroïka (période des réformes de Gorbatchev), elle a 24 ans. Elle fait son doctorat en mathématiques. Sa vie est stable, tranquille. Pourtant, comme tout le monde en URSS, Elena sait que, sur un plan global, elle est entourée de mensonges. Le peuple soviétique y est habitué. Lors de la perestroïka, où les journaux n’étaient plus soumis à la stricte censure soviétique, Elena apprend que des millions de personnes ont subi la répression dans les années 1930. Elle raconte s’être sentie mal à l’aise. Nombreux sont celles et ceux qui veulent alors agir, dont Elena elle-même. Ainsi, en 1987, Arseni Roguinski, Sergeï Kovalev, Lioudmila Alexeeva et d’autres, à l’aide du physicien et prix Nobel de la paix Andreï Sakharov, fondent l’ONG Memorial. Elena Zhemkova adhère d’abord à son comité puis devient sa directrice. Elle est à la tête de l’organisation de 1995 à 2022. Le 28 février 2022, Memorial est définitivement « liquidé », après des années d’attaques de la part des autorités russes. Le bâtiment où se situaient les bureaux de Memorial de Moscou, acquis grâce aux donateur∙ice∙s du monde entier, a été confisqué par l’état. En 2022, Memorial remporte le prix Nobel de la paix. Les attaques n’ont néanmoins pas cessé. Par exemple, en 2024, Oleg Orlov, militant pour les droits de l’homme et membre du comité de Memorial, âgé de 71 ans, est désigné « agent étranger » et condamné à 2,5 ans de prison pour la diffusion de fausses informations sur l’armée russe.

Mise à jour des informations: Oleg Orlov a été libéré le 1 août 2024 dans le cadre de l’échange de prisonniers politiques russes contre les criminels russes arrêtés et détenus en Europe

Elena Zhemkova à la Fondation Jan Michalski, 30 mai 2024

D’après les calculs de Memorial, le nombre de victimes de la Grande Terreur s’élève à 12 millions de personnes au moins. Il s’agit des victimes directes, sans prendre en compte celles qui étaient déportées ni qui souffraient de la famine. En 18 mois, plus de 700 000 personnes sont fusillées. La répression touche aux représentant∙e∙s de toutes les couches de la société (intelligentsia, paysans, militaires…) d’âges différents. Il n’existe guère un∙e Russe aujourd’hui dont la famille n’a pas été concernée. L’arrière-grand-père de l’auteure de l’article a été fusillé le 26 août 1937. Il était paysan plus aisé que les autres, un « koulak ». Contrairement aux autres, il travaillait comme tailleur indépendant, il avait une maison, une vache et une brebis. Paysan à peine alphabète vivant à 1000 km de Moscou, il a été accusé d’intentions terroristes contre Staline. Sa famille a été déportée et leur maison confisquée par l’état. Après la mort de Staline en 1953, vers la fin des années 1950, les « koulaks » fusillés ont été réhabilités. En 1991, l’état a promis des allocations à leurs descendant∙e∙s. Pourtant, en 2005, les allocations ont été remplacées par une compensation équivalant à 10 francs. Dans les années 1990, il était encore possible de vivre avec cet argent plusieurs mois. Il était néanmoins insuffisant pour récupérer des biens immobiliers confisqués.

Mikhail Olin et la condamnation reçue

La Grande Terreur en Russie a eu trois conséquences majeures qui perdurent encore aujourd’hui: la peur, l’abscence de confiance en la justice et l’usage de penser une chose mais en dire une autre. Peu nombreux∙ses sont celles et ceux qui sont prêt∙e∙s à partager leurs archives familiales ou à évoquer la répression dans leur famille. Les archives d’état sont difficilement accessibles. Les traces du Goulag à Magadan, à Kolyma et ailleurs en Extrême-Orient s’effacent : la taïga recouvre tout. Memorial est un des acteurs de premier plan qui œuvrent à la préservation de cette mémoire. Parmi les résultats du travail de Memorial, 3,5 millions de noms sur 12 millions insérés dans la base de données en ligne ; 44 000 biographies détaillées de personnes condamnées recueillies ; plus de 5 000 objets dans le musée à Moscou ; 38 000 ouvrages rares sur des sujets en lien avec le travail de Memorial à la bibliothèque. La liste n’est pas exhaustive. Le but principal de Memorial est de comprendre le passé pour bien vivre aujourd’hui. Pour Elena Zhemkova, il est extrêmement important de soumettre les assassins ayant exécuté des millions de personnes à la lustration. Par « lustration », elle entend tout simplement la divulgation de leurs noms, opposée à l’idée de recourir à la violence.

Malgré sa liquidation en 2022, Memorial continue son travail tant en Russie qu’à l’échelle internationale. Depuis l’été 2022, Elena Zhemkova, prévenue par son avocat qu’il lui vaut mieux ne pas retourner en Russie, dirige Zukunft Memorial à Berlin (zukunft-memorial.org). Depuis à peu près une année, il existe également l’association Memiorial Suisse dirigée par Patrick Sériot, professeur honoraire de la section SLAS de l’UNIL. Elle vise à préserver la mémoire et à soutenir les recherches relatives aux violations des droits humains dans l’ex-URSS. L’association publie régulièrement des bulletins d’information Memorial-Russie traduits vers le français, organise des projections de films, des conférences et des ateliers (memorial-suisse.ch)

Patrick Sériot à la Fondation Jan Michalski, 30 mai 2024

Le Goulag: histoire et traces écrites
Cycle de conférences
Du 20 janvier au 26 septembre 2024
Fondation Jan Michalski pour l’écriture et la littérature, Montricher
fondation-janmichalski.com

Déroulement de la soirée du 30 mai:

Vidéo À Magadan, sur les dernières traces des goulags russes, 2015, France 24
Intervention d’Elena Zhemkova modérée par Thierry Wolton
Diaporama avec des témoignages de survivant∙e∙s et des lieux d’enterrements de prisonnier∙ère∙s. Source des images du diaporama: La Grande Terreur en URSS 1937-1938 de Thomas Kizny, en coopération avec Dominique Roynette, Les Editions Noir sur Blanc, Lausanne, 2013. La projection a été suivie de la musique de Vsevolod Zaderatsky. Il a composé 24 préludes et fugues au Goulag, les a retenues et notées par la suite après sa libération.
Vidéo Comment Poutine se débarrasse de ses opposants?, 2021, Le Monde
Questions de Thierry Wolton à Elena Zhemkova
Extrait du film Le cas de Vladimir Kara-Mourza par David Rich, 03.05.2024, France 24
Questions de Thierry Wolton à Elena Zhemkova
Extrait du film « L’archipel du Goulag », le courage de la vérité, (2023, 60 min.) de Jean Crépu et Nicolas Miletitch.

Eden Park, A Prohibition Opera

blogcom — Thu, 18 Apr 2024 17:15:05 +0000

Interpellé par un newsie, le public de l’Oriental-Vevey lève la tête vers l’escalier menant du vestibule à la scène et, instantanément, se fait happer dans les années folles. Le richissime couple George et Imogene Remus, la procureure Mabel Willebrandt, l’inspecteur Franklin Dodge lui font fièrement face, bretelles, châles et bandeau dans les cheveux. Fièrement… avant les désillusions, avant le féminicide acquitté. A Cincinatti, la prohibition fait rage, mais chacun∙e croit encore pouvoir tirer son épingle du jeu.

Texte de Katia Meylan

L’énergique vendeur de journaux (Aurélien Frey) sautant in and out de la fiction sa guise, se fait narrateur tout au long de la pièce Eden Park, A Prohibition Opera et le public appréciera la compagnie de ce complice – ainsi que celle du petit livret de salle – comme support pour suivre la trame, chantée en anglais dans un registre lyrique.

Tirée d’un fait divers, l’histoire de George Remus, contrebandier fortuné dont les fêtes défiant la prohibition étaient réservées aux initié∙e∙s, et de sa femme Imogene, d’abord vénérée puis tuée par jalousie en plein jour à Eden Park, inspire le compositeur lausannois Gérard Massini… à tel point qu’elle est l’impulsion qui le lance dans la composition d’un opéra original. Pour l’écriture du livret, il s’adresse à une amie de longue date, la musicienne Tatiana Eva-Marie, Lausannoise elle-aussi, établie à Brooklyn où sa carrière explose. Après plusieurs années de travail, les deux auteur∙ice∙s ont vécu hier soir à Vevey la première de leur création, réunissant sur scène deux instrumentistes, quatre solistes, plusieurs comédien∙ne∙s ainsi que deux chœurs composés d’amateur∙ice∙s averti∙e∙s.

Tant par sa musique que par sa mise en scène, par l’interprétation des solistes que par l’implication des choristes, l’œuvre convainc. Soutenus au piano par Gérard Massini et aux saxophones par César Decker Auberson, les airs déploient leurs textures changeantes. Certains sont récitatifs, allant dans le pur lyrisme, permettant aux solistes d’exprimer leurs capacités vocales ainsi que les émotions de leurs personnages: le ténor Xavier Flabat livre un George Remus touchant dans ses solos et duos de couple des premières parties. La délicatesse de sa voix nous fait presque espérer le personnage incapable de barbarie… mais l’ouverture de la pièce, percutant flash forward que la mise en scène de Dominique Tille nous fait revivre de la plus belle et terrible des manières, nous rappelle à la réalité impunie. La soprano Carole Meyer dans le rôle d’Imogene est explosive en reine de la fête (she’s a riot, chantent deux invitées) comme en « amie, en épouse, en partenaire » que l’on a prise pour une simple catin. Le slimy and sneaky inspecteur Dogde, peu estimé par l’opinion publique – comme l’affirment les paroles d’un air choral jazzy dédié à sa personne – est incarné, dans une posture et des gestes sournois, par Alexandre Bonstein. Une sournoiserie due à un cœur brisé, raconte son solo interprété dans un timbre qui emprunte à la comédie musicale. Dans le rôle de procureure, la mezzo-soprano Marion Jacquemet campe un quatrième personnage principal tout aussi nuancé que les trois autres sous la plume de Tatiana Eva-Marie, inspirant à la fois la droiture et le mystère, entre des univers opposés.

Le cœur musical et narratif est étoffé par les choristes intrépides des ensembles Voix de Lausanne et Callirhoé, arrivés dans l’aventure en début d’année. Si certain∙e∙s s’élèvent parfois en courts solos, leur force réside surtout dans les belles harmonies dissonantes ou caressantes composées par Gérard Massini. Et une scène peuplée fait toujours son petit effet, non seulement sonore mais aussi visuel! Les chorégraphies, simples et efficaces, créent une unité des invité∙e∙s pompettes, des passant∙e∙s avides de scoops ou des détenu∙e∙s derrière les barreaux, faisant affleurer plusieurs fois les frissons.

Les représentations à l’Oriental-Vevey affichent complet mais une liste d’attente est tenue à la billetterie le soir même, et il reste encore quelques places au PullOff en mai pour aller découvrir cette création originale, fruit du travail de nombreux artistes de la région.

Eden Park, A Prohibition Opera

– Du 17 au 21 avril 2024
Oriental-Vevey
orientalvevey.ch

– Du 14 au 26 mai 2024
PullOff Théâtres, Lausanne
pulloff.ch

Piazzolla raconté

blogcom — Thu, 19 Jan 2023 12:40:15 +0000

Le concert théâtral Volver, le tango de l’exil joué cette semaine à la Salle Centrale Madeleine à Genève mène à la rencontre d’Astor Piazzolla au travers de ses propres compositions et de celles des artistes qui l’ont inspiré. Son essence prend vie dans des textes racontés à plusieurs voix – dont la sienne – et dans les gestes du metteur en scène Philippe Cohen, qui incarne le compositeur et bandonéoniste argentin du début du 21^e siècle.

Texte de Katia Meylan

Piazzolla aura « façonné le tango en profondeur pour les siècles à venir ». C’est le postulat que la compagnie Les muses Nomades raconte dans cette histoire d’exil. Car en effet, l’amour du compositeur pour le tango et son désir de le faire évoluer est d’abord passé par l’éloignement, tant de son pays que de cette musique populaire nationale, de quelques dizaines d’années son aînée.

Réminiscences spatiales et temporelles

Volver, le tango de l’exil narre donc, dans un doux désordre chronologique, les étapes de la vie de Piazzolla. Sa collaboration plus ou moins fluide avec l’écrivain Jorge Luis Borges; sa fascination pour le bandit Jacinto Chiclan pour qui il compose un air; son enfance, lorsque sa famille quitte Buenos Aires pour s’installer à New-York; ses insolents 18 ans, lorsqu’il tape à la porte du compositeur Juan José Castro, qui le redirige vers Ginastera; sa vingtaine, qui le voit s’identifier à la musique européenne… sa trentaine et le bouleversement de la rencontre avec la célèbre Nadia Boulanger, qui lui conseille de revenir à ses racines.

Les conteur∙euse∙s

Le public découvre ainsi l’évolution des sonorités et de la réflexion du compositeur, cheminant aux côtés des muses Nomades et de la Compagnie Confiture en la personne de Philippe Cohen. En 2021, le comédien genevois d’adoption avait déjà eu l’occasion d’écrire et d’interpréter pour la scène un autre pan de l’histoire de la musique, dans la pièce La bonne soupe de Ludwig van B. imaginée par les sœurs Joubert. Aujourd’hui, Volver réunit à nouveau le talent de Philippe Cohen et d’Oriane Joubert, ainsi que des deux musiciens avec lesquels la jeune pianiste compose le Latin Trio, Tomas Hernandez-Bages au violon et Mario Nader Castaneda au violoncelle. Pour compléter l’orchestre, ils s’entourent de la bandonéoniste Gaëlle Poirier et du guitariste Narcisso Saùl, qui signe également les arrangements du spectacle.

Une histoire à plusieurs voix et plusieurs gestes

Le concert est raconté de bien des façons autour du noyau de musicien∙e∙s, dans des configurations de quintettes, trios ou solo selon les morceaux choisis.
Philippe Cohen mime un premier air de tango traditionnel. Comme il frétille, on aurait presque envie de voir en lui la silhouette du chef d’orchestre Juan D’Arienzo, qui guette les notes, marque le rythme, apostrophe les musicien∙ne∙s. Puis, le tango traditionnel laisse la parole aux influences classiques, de Bach à Ginastera en passant par Gershwin, pour mieux revenir, se transformer, et devenir du Piazzolla.

L’aspect scénique du concert passe par les gestes, des mimes et des jeux de marionnettes, et même par quelques moments qui avoisinent le stand-up dont Philippe Cohen a le secret, comme lorsqu’il sort de la narration au beau milieu du spectacle pour présenter les artistes avec l’accent italo-latino-new-yorkais.

Le texte accompagne la musique et les mouvements tout au long du spectacle, à travers ce grand cahier noir qui circule de mains en main sur scène. Chacun∙e des musicien∙ne∙s en lit une partie à sa façon, comédien, pédagogue ou même interprète lorsqu’il faut traduire la voix de Piazzolla que l’on entend grâce à des archives audio.

On comprend avec émotion que toutes et tous ont une histoire forte avec cette musique, et que c’est elle qui transcende leur intensité concentrée.

Volver, le tango de l’exil
Du 18 au 21 janvier 2023
Salle Centrale Madeleine
theatre-confiture.ch

Psyché foucaldienne à Vidy

blogcom — Wed, 14 Dec 2022 16:43:42 +0000

Au Théâtre de Vidy à Lausanne, se joue en ce moment Foucault en Californie inspirée du livre éponyme de Simeon Wade. L’œuvre raconte une expérience improbable qu’aurait vécue Foucault en 1975: un trip au LSD dans la Vallée de la mort avec de jeunes américains. Cette comédie philosophique de Lionel Baier promet de faire voyager dans le temps, l’espace et les idéologies des années 70. Attachez vos ceintures, on embarque pour la Vallée de la mort.

Un texte de Catherine Rohrbach

Le premier acte s’ouvre avec le metteur en scène Lionel Baier racontant la genèse de la pièce. Simeon Wade, un universitaire admirateur du philosophe français Michel Foucault, et son compagnon, Michael Stoneman, profitent du voyage de ce dernier en Californie pour l’emmener dans la Vallée de la mort afin de prendre du LSD. Le but de « l’expérience »? En plus de rencontrer l’idole, voir ce qui peut jaillir de la tête du penseur. Très vite, Wade (Valerio Scamuffa) arrive sur scène, interrompt Baier pour reprendre la narration de l’histoire, qui est la sienne finalement. Quelques pas de claquettes plus tard, on est transporté∙e à Berkeley en 1975 et emmené∙e dans un road trip mélangeant discussions intellectuelles, substances hallucinogènes et plaisirs candides.

La scénographie est simple. Un drapeau de la Californie qui place l’action. Une rampe en bois qui devient tour à tour un arrière-plan de salle de conférence, un stop sur une longue autoroute, les dunes blanches de la Vallée de la mort ou encore un refuge en haut d’un arbre abritant sensualité. Et une Volvo verte qui emmènera les personnages à destination, que celle-ci soit physique ou métaphysique. Des sons de clochettes annoncent les changement d’acte – peut-être une référence à une certaine fée qui faisait halluciner les artistes et philosophe de la fin de siècle, à l’instar de l’acide des seventies.

Les discussions entre les personnages permettent de rendre compte de l’idéologie foucaldienne de manière simple et intrigante. On se demande qui peut bien être cet intellectuel qui parle d’Œdipe, de pouvoir et connaissance, et surtout pourquoi tant d’admiration? Il semble être un soleil pour Simeon, Michael et même David (Laura Den Hondt), protagoniste apparaissant dans les derniers actes qui pourrait être l’incarnation du désir. Michel Foucault, interprété par la comédienne Dominique Reymond, a des airs de rockstar avec ses lunettes de soleil à l’arrière de la Volvo.

Photos: Nora Rupp

Le point culminant de la pièce est bien entendu le moment où Foucault accepte de prendre l’acide. Soigneusement préparées par Michael (Leon David Salazar), les doses sont distribuées, l’expérience peut commencer. Une fois le carton pris, le mur est brisé, Michel, Simeon et Michael remarquent ces visages qui les observent. Nous sommes « les morts qui [venons] réclamer [notre] dû ». Le psychédélisme monte et entraine le public dans un voyage au-delà des portes de la perception. La musique se fait de plus en plus forte jusqu’à étouffer nos oreilles et dans la salle, l’odeur du hash (pas celui de Chomsky, malheureusement) est bien présente. En pleine ascension, au détour d’une conversation sur Magritte, la voiture commence à vomir une substance argentée alors que la radio crache des extraits d’actualités contemporaines: Trump, le covid, le sida, les désastres qui arriveront après 1975. La société actuelle serait-elle surréaliste? La pièce se situe en effet dans le passé mais c’est des réflexions sur le présent qui semble jaillir de ce voyage.

Foucault en Californie est une utopie des seventies, une nostalgie d’une époque libre où la pensée était l’action. L’admiration de Simeon Wade pour Michel Foucault se ressent au point où le philosophe devient un attendrissant personnage un peu décalé, « un homme ordinaire » bien loin de l’image qu’on s’en fait à l’université.

Foucault en Californie
Jusqu’au 17 décembre 2022
Théâtre Vidy-Lausanne
vidy.ch

Ulysse, le grand héros?

blogcom — Thu, 27 Oct 2022 07:08:46 +0000

l’odyssée (en minuscule) revisitée

En octobre 2022, L’Agenda découvrait la première de Odyssée, dernier chant au Théâtre 2.21, dans une mise en scène de Cédric Dorier d’après la pseudo-tragédie de Jean-Pierre Siméon, qui se réapproprie les codes du célèbre mythe avec poésie et humour. La pièce est reprise actuellement au Théâtre Alchimic.

Texte et propos recueillis par Jeanne Moeschler

Le spectacle commence de manière incisive (quelques âmes sensibles dans le public sursautent) et nous voilà plongé∙e∙s dans les Enfers. L’Odyssée commence… une odyssée? Les navires, les batailles sanglantes et les amourettes d’Ulysse à tout va ne sont plus qu’un souvenir: c’est un jeune homme affaibli qui se tortille comme un ver au bout d’une corde que nous voyons sur scène. Larmoyant, déchiré entre la vie et la mort – car l’intrépide a bu de l’eau mortelle de l’Achéron – Ulysse n’attend que de questionner Tirésias sur son avenir politique et amoureux. Il devra prendre sa curiosité en patience… c’est Euméos, douanier des âmes, et une jeune femme – une Ombre étrange et envoûtante – qui s’occupent, pour l’instant, du Héros tourmenté. Alors que le premier part à la recherche du devin, un jeu de séduction et de désillusion commence entre la femme et Ulysse, encore vivant, torse nu, dévoilant ses attraits tel le héros que l’on imagine, quelque part entre la mort et la vie, la tendresse et la moquerie. Mais qu’est-ce qui séduit le jeune homme? Le prestige et les victoires dont il se languit à grands cris, regardé de haut par l’Ombre qui se trouve au-dessus de lui (autant physiquement que par ses dires). Détachée de l’existence des vivants, elle rit de l’orgueil et de l’égocentrisme de notre héros qui feint de se remettre en question au moment où il goûte la saveur de la mort sur sa langue.

Sur plusieurs niveaux visuels, Ulysse semble parfois se rapprocher du monde des vivants avant de glisser douloureusement en-dessous, au bas des Enfers, à l’inverse de l’Ombre qui se déplace dans l’espace avec la légèreté et la malice d’un souffle d’air. C’est également avec un sourire narquois que le public assiste à l’effroi d’Ulysse lorsqu’il entend les prédictions du devin, qui nous fait glousser par sa tenue cocasse et ses mimiques comiques. L’eau mortelle du fleuve renverse les ordres et Ulysse plonge chez les morts (dans un décor aux airs de bassin de piscine): aux eaux victorieuses que le Héros traversait et aux libations dont il s’abreuvait, s’oppose le « murmure des fontaines », subtile et doux que les Grands ne prennent même plus la peine d’écouter. C’est ce chuchotement simple qui devrait accompagner l’existence à laquelle Ulysse tient tellement qu’il est prêt à en regoûter la saveur terrible de la vie que va lui imposer Hadès pour le reste de ses jours.

À la fin de la pièce, le public conquis applaudit chaleureusement le metteur en scène et les comédien·ne·s (Denis Lavalou, Clémence Mermet et Raphaël Vachoux) jusqu’à en avoir les mains rouges et endolories. Dans le foyer du 2.21, nous félicitions Cédric Dorier pour son travail de mise en scène et celui-ci nous confie « avoir été très content de voir la pièce se créer dans ce lieu, car l’idée était de créer des Enfers avec de la profondeur dans un espace petit ». Au niveau des costumes, il a été décidé (après différents essayages de marcels) de présenter Ulysse « torse nu, comme les héros et les statues grecques » et les deux autres personnages « dans des couleurs cuivrées des Ombres des Enfers, où le jeu de lumières – reflets brillants et vivants – laisse planer le doute ». Ulysse, encore vivant, semble en effet plus vulnérable que les Ombres intangibles.

Cette odyssée en minuscule nous invite à remettre en question l’égocentrisme contemporain de l’homme et sa recherche de la grandeur qui ne trouve que la haine au bout. L’insatisfaction perpétuelle de la réalité résonne comme des vagues assourdissantes au lieu de couler avec le murmure des fontaines. Un voyage, introspectif mais de dimension atemporelle et universelle.

Odyssée, dernier chant
Cie Les Célébrants
Du 10 au 19 octobre 2024
Théâtre Alchimic, Carouge
www.alchimic.ch

Création du 25 octobre au 13 novembre 2022 au Théâtre 2.21, Lausanne

Un papyrus de trois mille ans ressort au jour

blogcom — Fri, 20 May 2022 06:12:16 +0000

Grâce aux doigts de fée de Florence Darbre, restauratrice de la Fondation Martin Bodmer, un Livre pour sortir au jour (aussi appelé Livre des morts) datant de la 21^e dynastie d’Egypte a fait hier son grand retour à l’institution de Cologny, après plus d’un an de travail.

Texte de Katia Meylan
Propos recueillis lors de la présentation à la presse du 19 mai 2022, Fondation Martin Bodmer

Photos de Naomi Wenger

Acquis par Martin Bodmer en 1937, cent ans après sa découverte en Egypte puis son achat par un baron anglais collectionneur, le Papyrus Bodmer 101 est l’un des huit Livres des morts de la collection de la Fondation. Ces véritables « modes d’emploi de l’au-delà » faisaient partie du matériel funéraire déposé dans les pyramides avec les momies des rois et des membres du clergé. Leurs textes listaient les étapes – environ 200! – à suivre pour réussir son chemin après la mort.

Jacques Berchtold, directeur de la Fondation Martin Bodmer, et Nicolas Ducimetière, vice-directeur, ont les yeux qui brillent aux côtés de ce document qu’ils viennent de retrouver dans de toutes nouvelles conditions, et nous donnent volontiers des éléments d’Histoire ou d’analyse qui nous le font voir bien plus que comme une relique exotique.
Ils nous apprennent ainsi qu’il était rare qu’un papyrus contienne l’entièreté des 200 étapes; le plus long connu de nos jours fait une dizaine de mètres, mais souvent, un document était fait d’une sélection résumée, selon la personne pour qui il avait été écrit. Le Papyrus 101, mesurant 117 x 23 cm et composé de six feuilles collées les unes aux autres, est un incipit, un fragment de la 17^e étape. Le défunt (à droite), un prêtre d’Amon, est représenté jeune, en habits de fête, afin de voyager sous son meilleur jour. Il fait une offrande au dieu Osiris, dont le visage noir, loin d’être un symbole funèbre, est plutôt celui du renouveau, rappelant la couleur du limon qui remonte pendant les crues du Nil. Nicolas Ducimetière pointe un hiéroglyphe ayant la forme d’un œil comme étant le début du texte – pour commencer la lecture, il faut rencontrer les regards – ainsi que le sens de lecture, de gauche à droite pour une partie, de droite à gauche pour l’autre.

Photo: Pierre Albouy

Florence Darbre évoque quant à elle l’émotion qui survient devant un tel objet, et la nécessité, dès le travail commencé, de la mettre de côté pour n’observer plus que l’aspect technique. Membre de la fondation, cette restauratrice retraitée depuis 2020 avait accepté de reprendre du service pour travailler sur cette pièce d’exception, dans son atelier à Nyon. Pensant d’abord en avoir pour trois mois, elle est aujourd’hui fière, près d’un an et demi plus tard, d’avoir passé par les étapes du nettoyage, de l’observation, de l’analyse et des tests, d’avoir déjoué les pièges des vernis, colles et autres matériaux de restauration que le papyrus avait reçu au cours de restaurations des siècles passés, pour finalement avoir rendu au Papyrus 101 un bel aspect.

Si la Fondation Bodmer a un budget alloué à l’acquisition, de telles entreprises de restauration demandent quant à elles de trouver des financements externes. C’est là qu’entre en jeu Optima Climatisation; étant partenaire de l’institution depuis de nombreuses années, l’entreprise décide en 2014 de contribuer à la restauration d’objets d’Egypte Antique. Grâce à ce mécénat, une statue en bois d’un marcheur debout datant de 2500 av. J.-C. avait déjà été restaurée en 2015, avant le papyrus 101. Le suivant sera peut-être le papyrus 102, que l’on découvre encore très abimé dans l’exposition permanente du musée. Passera-t-il lui-aussi entre les mains de Florence Darbre? Forte de cette belle expérience, celle-ci répond l’envisager.

Ce type d’initiatives de restauration, ainsi que de numérisation, permettent notamment d’insérer des objets dans des corpus plus larges, de permettre aux chercheur∙euse∙s du monde entier d’avoir accès à des documents, ainsi que de donner accès au grand public à des trésors vieux de 3000 ans.

***
Dans le cadre des Journées européennes de l’archéologie, il sera possible d’admirer ce témoin plusieurs fois millénaire, et de réveiller l’émotion, l’imagination, le vertige que suscite la pensée du voyage qu’a fait ce papyrus, à tous les siècles qui séparent la société qui l’a créé de la nôtre.

Présentation au public du Papyrus 101
Les 18 et 19 juin, 14h30 et 16h30
Sur inscription

Pour en savoir plus:
fondationbodmer.ch/la-restauration-dun-papyrus

Râpes à fromage, courriers des lectrices et barbershop

blogcom — Thu, 17 Mar 2022 07:58:34 +0000

LA VIE DES MÉNAGÈRES VAUDOISES DANS LES ANNÉES 50

On n’imagine parfois pas, ou l’on a oublié, comment les perceptions bien ancrées du travail, de l’éducation et du dévouement que l’on avait il y a soixante ans modelaient alors la vie des femmes romandes. The Postiche est remonté aux sources pour nous le rappeler, articles de journaux et chansons originales a cappella à l’appui!

Texte de Katia Meylan

Il y a huit ans, The Postiche chantait des reprises d’airs fifties en demi-cercle choral, dévoilant déjà des voix maitrisées dans des harmonies serrées style barbershop. Année après année, les impertinentes et rayonnantes chanteuses ont conquis l’espace scénique, non seulement par leur présence mais aussi par des petites mises en mouvement d’abord, des esquisses théâtrales, puis des chorégraphies entières, pour finalement arriver à la véritable comédie musicale originale qu’est Cocotte-Minute.

Photos de Jimmy Zanone

Le spectacle ramène le public en 1959, lorsque les Vaudoises obtiennent le droit de vote – une première pour la Suisse. La trame et ses textes sont le résultat d’un travail de recherche de la librettiste et metteuse en scène Stéfanie Mango dans les archives de « La jeune ménagère, journal destiné aux jeunes filles ». Les perles qu’elle y pioche éveillent un mélange de sentiments; une certaine admiration pour celles qui à l’époque ont endossé courageusement ce rôle de ménagère pas toujours choisi; un amusement d’entendre ce qui aujourd’hui nous paraît des sermons venus d’un autre monde; un soulagement de constater que sur certains plans les choses ont évolué, et une inquiétude quant à celles qui sont restées engluées. Finalement peut-être, une détermination rieuse pour le chemin qui reste à parcourir.

Les compositions croustillantes a capella de Joséphine Maillefer permettent aux chanteuses de s’accompagner au rythme des râpes à fromages et autres ustensiles de cuisine, et dans les mouvements, quelle fierté de voir défiler ces douze femmes, présentées comme « les silhouettes d’aujourd’hui ». Des silhouettes oui, mais incarnées par des voix, et quelles voix!

Cocotte-Minute, le musical 50s des ménagères romandes
Du 6 au 10 avril 2022
Centre culturel des Terreaux

Concours

Le concours est terminé! Le délai était au 20 mars à minuit.

Pour un aperçu vidéo du spectacle:

https://fb.watch/bOEO99JIFO/