#art – L'Agenda

LILY EN VISITE – Halle 66, Grimisuat (VS)

blogcom — Tue, 24 Mar 2026 12:34:40 +0000

Halle 66
Grimisuat (VS)

Mes visites, et surtout mes découvertes, sont parfois le fruit du hasard, et c’est le cas pour cette nouvelle chronique.

Il y a quelques mois, je me rendais à Ayent mais c’était l’heure de pointe et j’ai tenté de trouver un itinéraire secondaire. Je me suis retrouvée sur une route que je ne connaissais pas et, entre Savièse et Grimisuat, un panneau « brocante » devant ce qui ressemblait à un entrepôt a attiré mon attention. Je me suis arrêtée car je fréquente régulièrement les brocantes et les antiquaires. Je ne m’intéresse pas seulement à l’art contemporain, mais aussi aux objets qui ont une histoire, qui ont déjà vécu.

En toute sincérité, j’étais un peu sceptique. J’avais déjà visité plusieurs espaces en Valais et même si j’y déniche souvent quelque chose, je suis rarement surprise par ce que j’y découvre. Et là, pour une fois, ça a été tout l’inverse.

Cette première visite a été l’occasion de découvrir des boîtes à poudre en carton provenant des maisons de parfumerie Bourjois, Richard Hudnut et L.T. Piver datant des années 1920 et 1930.
Si j’insiste sur cette découverte c’est parce que depuis plus d’une dizaine d’années, en parallèle de mon travail, je suis l’assistante d’un expert spécialisé dans la parfumerie et les objets de parfumerie de la fin du 19^e et du début du 20^e siècle à Paris. Avec lui, j’ai participé à des salons spécialisés, à des ventes aux enchères, à la rédaction de trois ouvrages, ainsi qu’à de nombreuses expertises. Autant dire que je connais relativement bien cette thématique.

Quand je visite des brocantes, mon regard se porte naturellement sur tout ce qui touche à cet univers. Mais je dois avouer que je suis souvent déçue ; on y trouve principalement des miniatures de parfum assez courantes, parfois des éditions limitées ou encore des flacons de toilette en cristal, certes intéressants mais relativement classiques.
Il faut aussi préciser que les objets les plus remarquables souvent déjà passés ailleurs. Ils ont été redirigés vers des ventes aux enchères, mis en ligne sur des sites spécialisés ou déjà achetés par d’autres marchands. Et j’arrive la plupart du temps trop tard.

Autant par les objets qu’il recèle que par ses 400 m², cet espace m’a vraiment surprise. J’y suis retournée et j’ai eu envie d’en parler dans cette chronique.

Comme souvent, qu’il s’agisse d’un espace d’exposition, d’une galerie ou d’une brocante, un lieu incarne avant tout le regard de son fondateur. C’est le cas ici, avec la Halle 66, créée en 2018 par Myriam Niederhauser.

Répondant à mes questions, Myriam Niederhauser explique qu’elle a toujours été attirée par les objets chargés d’histoire. Enfant déjà, elle entraînait ses parents dans des brocantes, passait son temps à chercher, à accumuler, à conserver. Son argent de poche servait à acheter des objets, elle tentait même de garder ce que sa mère aurait souhaité jeter. Ce qui est surprenant, c’est que cette passion ne venait pas de sa famille. Personne autour d’elle ne partageait cet intérêt et ses proches ne comprenaient pas vraiment d’où ça lui venait. Mais elle, très tôt, avait déjà cette idée que chaque objet pouvait avoir une valeur, une histoire.

En grandissant, elle s’est tournée vers un tout autre domaine et a créé son entreprise. Mais elle a continué à chiner, à accumuler, à remplir caves et granges d’objets trouvés au fil de ses voyages.
Avec les années, tout s’est rempli. Et puis un jour, elle s’est dit qu’il fallait se lancer, que c’était maintenant ou jamais. Car cette idée d’avoir sa propre brocante ne l’avait jamais quittée.
Elle vend donc son entreprise, achète ce lieu et le transforme entièrement par ses propres moyens – avec d’ailleurs sa maman, qui l’a beaucoup soutenue. Quelques jours avant l’ouverture, elle s’isole pour tout installer et mettre en valeur tous ces objets accumulés pendant des années.

Parmi eux, une pièce qu’elle avait presque décidé de ne pas exposer. Un chat vert en carton qu’elle n’aimait pas du tout, au point d’avoir envisagé de le jeter. Ce qui, venant d’elle, est assez surprenant. Elle finit pourtant par le garder et le place un peu en retrait, presque pour le cacher. Et comble de l’ironie, c’est le premier objet qu’elle a vendu. En racontant cette anecdote, elle confie avoir pensé : « Ma chère, tu vas faire faillite ».

Et moi… je me dis que cette histoire dit quelque chose d’essentiel car dans ce métier, le regard des autres peut parfois bousculer le sien, et je me dis aussi que j’espère que l’acheteur ne fait pas partie des lecteurs de cette chronique.

Vous l’aurez compris, Myriam Niederhauser n’a pas fait faillite. Aujourd’hui, pour trouver de nouvelles pièces, elle s’appuie sur un réseau international, avec des expert∙e∙s et des contacts dans le monde entier notamment en Angleterre, en Australie et aux États-Unis, qui lui permettent d’accéder à des objets rares. Elle a un accès privilégié à des châteaux lui permettant d’acquérir des œuvres chargées d’histoire.

Parfois tout se joue très vite au milieu de la nuit sur un simple choix : acheter ou pas. « Ça m’est arrivé de répondre à un mail à 3 h du matin et, au réveil, de me dire : “Mon Dieu, mon Dieu, qu’est-ce que j’ai acheté cette nuit ?” », m’a-t-elle d’ailleurs dit. Mais sa logique n’a pas changé, elle fonctionne au coup de cœur car elle ne peut pas faire autrement. D’ailleurs, voir partir une œuvre est souvent vécu un peu comme une séparation. Ce fut le cas de ce qui reste pour elle l’une de ses plus belles pièces. Elle avoue qu’elle n’a pas pu regarder quand elle est partie. Il s’agissait d’un meuble provenant d’une chapellerie située sur les Champs-Élysées à Paris. Il datait de 1890 et sa taille était particulièrement imposante puisqu’il mesurait 3 mètres de long, avec des tiroirs très grands et très profonds. Elle avait même la photo de la gérante posant devant ce meuble. Car ce qu’elle aime, c’est connaître la provenance et l’histoire la plus complète possible qui entoure ces objets.

Elle a une vraie préférence pour les objets des années 60, mais aussi pour les affiches anciennes, notamment celles des années 20 et 30 car leur design est fort et très créatif. Elle ne prend que ce qu’elle aime. Comme elle le dit: « Dans mon entourage, on me répète : “Tu ne dois pas penser qu’à toi.” Mais moi, je ne peux pas acheter une pièce que je n’aime pas » et c’est ce que l’on ressent en visitant la Halle 66.

Caisse enregistreuse National 1915

En visitant cet espace j’ai découvert des œuvres très hétéroclites qui m’ont intéressée. Certaines parce que j’aurais pu les acheter, d’autres parce qu’elles m’ont fait sourire, d’autres encore m’ont surprise ou intriguée. Mais aucune ne m’a laissée indifférente.

Parmi ces objets, certains attirent immédiatement le regard. C’est le cas notamment d’une rare caisse enregistreuse de la marque National, posée sur une table, qui proviendrait d’un palace parisien. Rien qu’avec son apparence, elle nous ramène au début du 20^e siècle. Les détails et les ornements évoquent une autre époque, un autre rapport aux objets. En la découvrant, j’ai immédiatement eu envie d’en connaître l’histoire. De savoir quels visages, célèbres ou anonymes, s’étaient tenus devant elle.

C’est sans doute ce qui me fascine le plus dans ces objets. Au-delà de leur esthétique, ils ont été les témoins silencieux de scènes, d’histoires que je ne connaîtrai probablement jamais mais que j’aime imaginer.

Et puis il y a aussi des objets totalement insolites, comme ce feu de circulation à quatre voies provenant des États-Unis et datant des années 60. Une pièce que l’on ne s’attend absolument pas à découvrir dans une brocante. Là encore, je me suis imaginée au milieu d’un carrefour américain, dans un tout autre contexte, avec l’impression d’être dans un film.

Encore plus inattendu, un tableau de bord complet d’hélicoptère Bell UH-1, utilisé notamment pendant la guerre du Vietnam. Une pièce déroutante dans un tel espace, un objet historique exposé à côté d’objets du quotidien.

Et pourtant, il a toute sa place ici. Parce qu’au-delà de son aspect mécanique, il raconte lui aussi quelque chose, une époque, une réalité bien différente, en quelque sorte plus marquée que celle des objets décoratifs qui l’entourent et qui datent pourtant de la même période.

Helicoptère Bell UH 1 Huey Vietnam, tableau de bord

Et puis parfois on retombe aussi un peu en enfance. Pas forcément la nôtre, mais celle de nos parents ou de nos grands-parents. Une enfance que je n’ai pas connue, mais que je reconnais presque.

Cela m’a fait sourire, parce que ces objets réveillent des anecdotes entendues lors de réunions de famille. Étrangement, ils me touchent beaucoup plus que les jeux de ma propre enfance. Peut-être portent-ils davantage d’histoire que ceux que l’on voit aujourd’hui dans les magasins, ou tout simplement parce qu’ils m’en disent davantage sur la vie de mes parents.

Je ne collectionne pas particulièrement les plaques émaillées, les anciennes enseignes lumineuses ou encore les objets publicitaires. Pourtant, en découvrant l’impressionnante sélection proposée dans la Halle 66, je me suis surprise à hésiter, tant je les trouve décoratifs.

Ils ont une présence visuelle très forte. Leurs couleurs, leurs graphismes, leurs typographies, leurs formes témoignent d’une inventivité et d’une diversité qui me semble parfois plus visible et plus affirmée que dans bien des objets actuels.

Mais la Halle 66, ce n’est pas seulement un lieu rempli d’objets. Il faut aussi souligner la manière dont Myriam les met en scène, crée des ambiances, nous fait voyager et donne envie d’emporter avec soi une petite part de toutes ces histoires. Il y a un mélange de pièces exceptionnelles, étonnantes, rares, qui côtoient des objets plus courants, mais qui n’en sont pas moins intéressants. Elle a réussi à créer un univers singulier qui peut autant séduire des collectionneur∙euse∙s averti∙e∙s que des visiteur∙euse∙s simplement à la recherche d’objets décoratifs.

Ce qui revient aussi beaucoup dans ce qu’elle raconte, c’est le rapport aux gens. Les personnes qui viennent ici sont souvent des passionné∙e∙s qui prennent le temps de chercher, de regarder, d’essayer de trouver un objet qui fera sens dans leur intérieur ou dans leur collection.

Car on n’acquiert pas seulement des objets mais des fragments du passé qui vont venir s’inscrire dans notre propre histoire.

Chronique et photos: Emilie Thomas

Halle 66

Chemin du Ruchili 2, 1971 Grimisuat
Du mercredi au vendredi, de 13h30 à 18h
Samedi, de 11h à 17h
Et sur rendez-vous

www.halle66.ch

LILY EN VISITE – Heliose, Lausanne

blogcom — Thu, 26 Feb 2026 12:11:58 +0000

Heliose
Rue des Oliviers 1, 1018 Lausanne
Du 12 février 2026 au 5 mars 2026

Dans cette nouvelle chronique, je vais aborder un médium qui m’est moins familier : la photographie. Je ne vais donc pas m’attarder sur des aspects techniques, mais plutôt sur ce que j’ai ressenti face aux œuvres, sur ce qui a retenu mon regard et éveillé ma curiosité. Je vais ainsi vous présenter le travail d’une photographe talentueuse, Marie-Lou Dumauthioz, dont le travail a notamment été récompensé par un Swiss Press Award mais aussi évoquer un aspect essentiel que l’on oublie parfois lorsque l’on visite une exposition : l’importance du curateur. Car au-delà des images elles-mêmes, il y a la façon dont elles dialoguent entre elles et trouvent leur place dans l’espace, sans qu’aucune ne prenne le dessus ni n’éclipse celle qui est à côté.

Mais avant cela, je voudrais revenir sur l’origine de cette exposition. C’est un projet entamé il y a plus d’un an. Une aventure née lors d’une résidence artistique dans les Alpes valaisannes, à La Forclaz, dans le Val d’Hérens, où se sont rencontrés Marie-Lou Dumauthioz et le curateur Alexandre Kaspar, historien de l’art et galeriste. Le paysage de montagne, la lumière particulière, un certain isolement, un moment propice à la réflexion, ont nourri les images du projet. Puis la découverte d’un espace singulier à Lausanne, devant lequel ils passaient régulièrement, est venue prolonger cette dynamique. Le lieu n’a pas simplement accueilli l’exposition : il en est devenu une composante à part entière. Et c’est là que le rôle du curateur a pris tout son sens. Car cette exposition intitulée Heliose ne se résume pas à un simple accrochage, mais à un dialogue entre une artiste, un curateur, des œuvres et un espace.

Vues d’expo – Heliose

Issu du vocabulaire médical, « héliose » renvoie aux effets et lésions provoqués par une exposition prolongée au soleil. Le terme évoque également ces sanatoriums où l’on croyait autrefois se soigner par l’air pur et le soleil, à une époque où l’on n’en mesurait pas encore les dangers. Sous ce mot se rejoignent plusieurs dimensions : la lumière, bien sûr, mais aussi l’intensité, l’exposition, la vulnérabilité. L’exposition au soleil, et par extension l’exposition aux autres. Et c’est précisément ce que l’on ressent face aux photographies.

Étrangement, les deux images qui m’ont immédiatement interpellée comptent parmi les plus sombres de l’exposition. Cependant, dans ces dernières, une source lumineuse semble émerger de l’obscurité. Une luminosité qui finalement n’est jamais totalement absente. J’ai été surprise par le rendu des détails et c’est Alexandre qui m’a révélé que cela avait été possible par l’utilisation d’un papier mat qui permettait de révéler les nuances les plus subtiles.

Echoes, 2025, 40 x 50cm, Tirage fine art sur papier Hahnemühle

La première œuvre, Echoes, m’a immédiatement attirée. En raison de la thématique de l’exposition et de son lien fort avec la montagne j’ai d’abord cru reconnaître un paysage alpin de nuit. Une masse sombre presque inquiétante qui se détachait dans l’obscurité. Puis mon regard s’est peu à peu adapté à cette pénombre. En m’approchant, quelque chose a changé car cette forme m’a rappelé une pièce textile que je possède. J’ai alors compris qu’il ne s’agissait pas de reliefs escarpés, mais bel et bien de plis de draps. L’image, qui paraissait d’abord révéler une nature sauvage et mystérieuse se transformait en une scène plus intime.

La seconde œuvre Linger est, elle aussi, plongée dans l’obscurité mais à la différence de la première photographie, elle laisse apparaître plusieurs sources de lumières chaudes. La première émane d’une porte ouverte qui nous révèle l’intérieur d’un mayen. Dans ce dernier on distingue la présence d’un personnage assis qui semble regarder en direction de l’extérieur. Cette zone chaude a quelque chose de réconfortant, presque protecteur, qui semble s’opposer à la montagne enneigée que l’on aperçoit au loin, plus froide, plus sauvage en apparence.

En contrebas d’autres points lumineux apparaissent, peut-être ceux d’une route ou d’habitations, signes d’une présence humaine. Puis, en m’approchant j’ai vu de petites lumières disséminées dans la montagne. Finalement, elle n’est pas si sauvage car l’humain y est aussi présent. La nuit n’est pas totalement opaque car il s’agit plus d’une nuit de pleine lune, rendue encore plus lumineuse par la présence de la neige. Cette luminosité si particulière laisse apparaître des détails que l’on distingue seulement si on prend le temps de regarder.

Vue de l’installation sur le mur en bois

En échangeant avec Alexandre, j’ai découvert que c’était lui ce personnage que je voyais. J’ai alors réalisé que cette œuvre pouvait presque incarner à elle seule le point de départ du projet. On y retrouve la montagne, la lumière, la solitude, la contemplation mais aussi le dialogue entre une artiste et son curateur.

C’est d’ailleurs autour de cette photographie que le travail de curation prend tout son sens. L’espace d’exposition présente une configuration particulière, avec une belle hauteur sous plafond, un grand mur blanc, un plus étroit, et un mur recouvert d’un lambris de bois. C’est sur ce dernier que ce tirage a été installé, en écho direct à ce matériau utilisé dans la construction des mayens. Placé au milieu du mur, il structure l’espace et est au centre de l’installation réalisée par Alexandre et Marie-Lou.

De part et d’autre, deux œuvres disposées en diagonale en reprennent les tonalités chaudes. L’une d’elles, Spill, capte l’intensité d’un feu dans l’obscurité. On n’en voit pas directement les flammes, mais plutôt ce qu’il en reste dans l’air : une fumée, des éclats incandescents qui se dispersent comme une pluie d’étincelles. La lumière surgit du bas de l’image et se propage dans la nuit. Une image réalisée lors du carnaval d’Evolène qui dévoile sans le mentionner un moment de partage et de chaleur. La seconde, Surge, est beaucoup plus abstraite. Réalisée à travers une surface volontairement floutée, elle ne laisse apparaître qu’une forme diffuse, baignée de rouge et d’orange. On perçoit une présence, sans parvenir à la définir immédiatement. Ce n’est qu’en apprenant qu’il s’agit de la main de l’artiste que l’image change de lecture. Ce que je prenais pour un simple halo lumineux devient trace du corps. Cette diagonale fait dialoguer les trois œuvres entre elles. Le regard circule de l’une à l’autre, guidé par les tonalités chaudes qui les relient. Peu à peu, on passe de l’abstraction à quelque chose de plus intime, entre éclats de lumière et traces de présence humaine, entre ce qui apparaît clairement et ce qui reste suggéré.

Vues d’expo – Heliose

Deux autres photographies sont dominées cette fois par des tonalités beaucoup plus froides qui rappellent la présence de la neige dans la pièce centrale.

La première intitulée Cleave, m’a fait penser à un pan de montagne et des coulées de neige. Mais en m’approchant, j’ai réalisé qu’il s’agissait en réalité de bois comme si la matière elle-même faisait écho au lambris du mur sur lequel l’œuvre est accrochée. Le paysage que j’avais cru voir laissait la place à quelque chose de plus domestique, plus proche, créant un dialogue entre nature et intérieur. La seconde photographie, Veil, présente une étendue blanche et cette fois, c’était bien de la neige. Pourtant, là encore c’est en regardant de plus près que j’ai réalisé qu’il y avait un objet presque transparent que je ne reconnaissais pas et ce sont les explications de Marie-Lou et d’Alexandre qui m’ont permis de découvrir qu’il s’agissait en réalité d’une gouttière dentaire photographiée dans la neige. Là encore un fragment de l’intime était présent. Et finalement, les montagnes ne sont-elles pas parfois décrites comme des dents ? L’image m’a d’autant plus parlé que je vis moi-même face aux Dents du Midi.

Dans cette seconde diagonale, le regard circule donc autrement. Il oscille entre illusion de paysage et révélation de la matière, entre immensité supposée et détail presque microscopique. Comme si l’exposition jouait en permanence avec nos repères, brouillant les échelles et déplaçant notre perception.

Plusieurs œuvres de Marie-Lou font référence à ces instants très brefs que l’on traverse parfois sans même pouvoir les retenir. Des sensations qui surgissent puis disparaissent presque aussitôt en un éclair comme des flashs. Pour traduire ces fulgurances, Marie-Lou a utilisé la macrophotographie. L’image se rapproche à l’extrême, au point que les repères habituels se brouillent. On ne sait plus ce que l’on regarde, on l’imagine. Les formes que l’on croit déceler ne sont pas ce qu’elles semblent, les photographies se transforment en perception ou sensation plus qu’en ce que l’on pense être la réalité

De gauche à droite:
Yield, 2025, 30 x-40 cm;
Clench, 2025, 40 x 50 cm;
Threshold, 2025, 70 x 100 cm, Tirages fine art sur papier Hahnemühle

Cette question de perception est aussi présente dans l’œuvre Yield. En la découvrant, j’ai visualisé un paysage flou, presque en mouvement. J’ai pensé à une tempête, peut-être des tornades, une impression renforcée par les traits verticaux que j’ai pris pour de la pluie. Au loin, je croyais distinguer des sapins. Mais là encore c’est en l’observant de plus près mais aussi grâce aux explications reçues, que j’ai compris que l’image n’était pas celle que j’imaginais. Réalisée en très gros plan, l’image s’est révélée être celle d’un verre gravé d’un cerf et ce que je prenais pour des tornades était en réalité le bas de ses pattes. Comme Alexandre l’expliquait, ces images rappellent les rêves que l’on peut faire dans des états fiévreux où les échelles se brouillent, et où l’on ne sait plus ce qui est proche ou lointain, immense ou minuscule.

Je pourrais continuer à vous décrire d’autres œuvres, mais je préfère m’arrêter ici. Car la force de ce projet réside justement dans ce moment de doute, lorsque ce que l’on croit voir n’est pas ce que l’on regarde réellement. Ce léger trouble fait partie de l’expérience. Il est vrai que l’espace permet d’apercevoir presque toute l’exposition depuis l’extérieur. On peut donc voir la majorité des images sans entrer, mais ce serait une erreur. Car à distance, on ne perçoit que ce que l’on pense reconnaître. En poussant la porte, mon regard a changé, et je suis certaine que cela vous arrivera aussi. Tout se transforme alors. Les échelles se brouillent, les matières apparaissent, les détails se révèlent, et l’on saisit enfin toute la sensibilité du travail de Marie-Lou.

Chronique et photos: Emilie Thomas

Heliose
Rue des Oliviers 1, 1018 Lausanne

Du 12 février 2026 au 5 mars 2026
Lundi au vendredi : 18h-20h
Samedi et dimanche : 10h-18h
Et sur rendez-vous

www.marieloudumauthioz.ch

LILY EN VISITE – Espace_L, Genève

blogcom — Thu, 12 Feb 2026 14:13:11 +0000

Glazed Realities
Esplace_L, Genève
Du 22 janvier au 28 février 2026

Cette fois, j’ai profité de ma visite à Art Genève pour passer par le Quartier des Bains et découvrir la nouvelle exposition à l’Espace_L.

Fondée en 2011 par Leticia Antunes Maciel, cette galerie soutient l’expérimentation et la collaboration. Elle met en valeur la scène artistique brésilienne, mais accueille aussi des artistes de Suisse et d’autres pays. La galerie encourage les échanges entre artistes, visiteur∙euse∙s et différentes techniques artistiques.

L’exposition Glazed Realities s’inscrit dans cette démarche. Réuni∙e∙s autour d’un médium commun, la céramique, les artistes invité∙e∙s explorent, à travers des techniques variées, des questions liées à la mémoire, aux récits et aux dynamiques sociales. Comme le suggère le texte accompagnant l’exposition, il s’agit aussi d’inviter le visiteur ou la visiteuse à regarder la céramique contemporaine autrement, non plus seulement comme un savoir-faire ou un objet décoratif, mais comme un médium capable de porter des histoires personnelles ou collectives, parfois de façon inattendue.

Vasilis Zografos

Le premier artiste qui a attiré mon attention s’avère être également le commissaire de cette exposition. Vasilis Zografos est un artiste grec, né en 1965 à Mytilène, sur l’île de Lesbos. Il vit et travaille aujourd’hui à Thessalonique. L’écrivain et professeur d’esthétique et de philosophie Thomas Symeonidis décrit son travail comme dépassant la simple question du médium. Il souligne que l’artiste s’attache à révéler la beauté propre des objets mettant l’accent sur la réflexion autour des objets et des images. En découvrant les œuvres que Vasilis a choisi de présenter ainsi que la thématique de cette exposition, cette lecture m’est apparue extrêmement juste.

Vasilis Zografos, Untitled, 2026, huiles sur biscuit, Untitled 2024, assemblages en céramiques, ⌀ 30cm et Untitled 2023, assemblages

Vasilis Zografos a choisi de présenter des huiles sur toile et des œuvres en céramique. Ces dernières sont traitées selon des approches très différentes. Certaines œuvres servent de supports à la peinture, alors que d’autres sont présentées comme des assemblages. Ces compositions mêlent des bibelots en porcelaine, des objets trouvés liés à la vie domestique, ou encore des morceaux de céramique découverts sur les côtes et qui portent les marques laissées par le temps et la nature. Une fois réunis, ces objets semblent véhiculer des histoires que les visiteur∙euse∙s peuvent imaginer, interpréter et s’approprier.

Vasilis Zografos, Untitled, 2023, huile sur toile, 50×40 cm et Untitled, 2021, céramique, 27x24x12 cm

Ce lien avec les objets du passé apparaît aussi dans ses huiles sur toile. Comme dans cette peinture qui présente un verre se détachant sur un fond monochrome, devenu à lui seul le sujet central de l’œuvre. En le regardant je me suis souvenue de certaines natures mortes de Pieter Claesz. Et pourtant ! on en est tout de même très éloigné, mais c’est cette référence qui m’est venue à l’esprit et quant à sa forme, elle m’a fait penser à certaines productions des verreries de Bohème, là encore j’ai réalisé que je cherchais l’histoire de cet objet. L’artiste collecte, réunit et réinvente des éléments existants en les sortant de leur contexte initial, leur donnant ainsi une nouvelle lecture et une nouvelle histoire que les spectateur∙ice∙s – tout comme je l’ai fait – tentent de percer.

Heberth Sobral

Le second artiste qui a retenu mon attention est Heberth Sobral. Né en 1984 à Minas Gerais, au Brésil, il vit aujourd’hui à Rio de Janeiro.

Des œuvres de Heberth Sobral, ce sont ses carreaux de faïence qui m’ont le plus étonnée. De loin, je distinguais des motifs stylisés qui me faisaient penser aux azulejos, ces carreaux de céramique portugais aux compositions reconnaissables. Mais en me rapprochant, j’ai réalisé que ces motifs n’étaient ni floraux ni géométriques, mais constitués de silhouettes de Playmobil et j’avoue que dans un premier temps je n’y ai vu qu’une composition amusante. En lisant la présentation de l’artiste, et en découvrant qu’il y avait également une dimension sociale et politique, j’ai été surprise car j’y voyais surtout une référence formelle certes un peu ironique à la tradition des azulejos, tant dans le format que dans l’organisation symétrique des compositions. Et je ne voyais dans les figurines que des personnages issus de la culture populaire contemporaine.

Heberth Sobral, Untitled, 2022, céramique, 17×17 cm

Ce n’est qu’en me documentant sur son travail que j’ai compris que cette série s’inscrivait dans une réflexion plus large, mêlant héritage visuel, mémoire coloniale et imagerie populaire mondialisée. Dans d’autres œuvres utilisant ces mêmes figurines, Heberth Sobral a mis en scène des situations beaucoup plus explicites, abordant des thèmes sociaux et politiques forts, allant d’arrestations policières à des manifestations ou à des scènes liées à l’histoire de l’esclavage. Le contraste entre l’innocence de ces jouets et la violence des contextes représentés y devient alors frontal et la critique sociale apparaît de manière beaucoup plus lisible.

Dans les œuvres que j’ai pu découvrir, le propos est plus subtil, presque invisible ou silencieux. Seul∙e∙s celles ou ceux qui souhaitent aller plus loin peuvent découvrir une réflexion plus profonde sur la circulation des images, des cultures et des héritages.

Ierene Venetsanou

Je me suis également arrêtée sur les œuvres d’Irene Venetsanou. Née à Athènes, l’artiste a d’abord vécu et travaillé à Londres avant de s’installer à Genève. Depuis 2019, elle poursuit sa recherche artistique au sein de la Fondation Bruckner à Carouge.

Contrairement aux deux précédents artistes, Irene Venetsanou dédie à la céramique une place centrale dans son processus de création. Elle explore l’argile portant une attention particulière à sa résistance et à sa transformation avec l’action du feu. Le processus devient tout aussi important que la forme. Elle y voit une mutation, un passage, qui fait écho avec la nature même de l’existence.

Le monde naturel est une source d’inspiration essentielle dans son travail. Dans ses œuvres on retrouve des formes organiques qui peuvent être imparfaites, parfois asymétriques, et qui nous rappellent des éléments de la nature tels que des pierres ou des strates minérales ainsi que des graines, sources de vie. Ses sculptures possèdent quelque chose de presque méditatif. Certaines pièces, comme ses totems, donnent le sentiment d’avoir été construites par couches successives un peu comme si elles portaient en elles le temps qui passait.

Irene Venetsanou, Wisper of Joy, 2024, grès, 20x20x15cm

Irene Venetsanou, Untitled I, grès, 20x10x8 cm

Cet intérêt pour la nature se ressent particulièrement dans ses œuvres issues de la série Seeds. Ces formes, comme le nom l’indique, évoquent des graines. La coque est brisée mais elle ne s’effondre pas, elle est toujours présente et continue d’exister malgré la transformation. Ces œuvres sont en lien avec la transition, l’évolution et font écho à notre propre construction. Des enveloppes fragiles mais persistantes, qui parlent de croissance et de mémoire, et qui nous rappelle ce que l’on garde de nos expériences.

Irene Venetsanou, Promise Seed I, grès et émail, 15 x7x10 cm et 15x15x15 cm
Irene Venetsanou, Planting seed, 2022, grès, 20x30x20 cm
Vasilis Zografos, Untitled, 2025, huile sur toile, 30×20 cm

L’exposition actuelle réunit six artistes, mais je ne vous ai présenté le travail que de trois d’entre eux. Lorsque je visite des expositions, surtout lorsque plusieurs artistes sont exposés, il m’arrive très souvent d’être plus attirée par certaines œuvres. Il ne s’agit aucunement d’un jugement sur leur qualité, mais tout simplement de l’expression d’un ressenti, qui fait parfois appel à des souvenirs, à des connaissances ou tout simplement à des goûts personnels.

Parfois, je n’ai pas les références qui font que je pourrais être attirée par une œuvre. Il m’arrive également d’être surprise et en cherchant à en apprendre davantage, je découvre ces œuvres sous un autre angle me permettant de les apprécier différemment.

Certains travaux de très grande qualité ne me touchent pas toujours et à l’inverse, des œuvres qui semblent plus simples, sans toutefois l’être, vont attirer mon attention.

Dans cette chronique, je vous présente mes découvertes, mes réflexions, mon ressenti, ainsi que les œuvres qui ont suscité mon intérêt. Mais puisque tout cela reste finalement très personnel, je ne peux que vous encourager à aller visiter les expositions que je vous présente afin de vous faire votre propre avis, et également de découvrir les œuvres dont j’ai parfois moins parlé, car ce sont peut-être celles qui vous toucheront le plus.

Chronique et photos: Emilie Thomas

Glazed Realities
Du 22 janvier au 28 février 2026
Du mardi au samedi : 11h-18h

Espace_L, Genève
www.espacel.net

LILY EN VISITE – galerie Adrienne Desbiolles, Gstaad

blogcom — Thu, 29 Jan 2026 11:58:48 +0000

Galerie Adrienne Desbiolles
Gstaad (BE)

Une fois n’est pas coutume, je ne vais pas vous parler d’une exposition que j’ai visitée, mais d’une galerie pour laquelle je travaille depuis le mois de décembre. Il me semblait important de vous le mentionner car je ne parle habituellement pas des endroits pour lesquels je travaille. Pour cette nouvelle chronique, je quitte donc la Suisse romande pour me rendre dans l’Oberland bernois, à la galerie Adrienne Desbiolles, qui possède deux espaces en Suisse, l’un à Zurich et l’autre à Gstaad. C’est ce dernier qui va faire l’objet de cette chronique.

Cet espace d’environ 500 m² qui se déploie sur trois étages ne propose pas d’expositions temporaires à proprement parler, bien qu’il y ait dans le courant de la saison des espaces dédiés à des présentations éphémères. L’exposition permanente quant à elle réunit plusieurs artistes, avec un accrochage qui évolue et se renouvelle régulièrement. Il y a quelque temps, une jeune visiteuse anglaise m’a demandé quelle était la thématique de l’exposition. En tentant de lui répondre, j’ai réalisé que si je devais lui donner un titre, ce serait sans doute le regard d’une galeriste, ses goûts et ses partis pris. Car ici, il n’est pas question d’un thème unique, mais bien d’une vision, celle de sa fondatrice et propriétaire, elle-même collectionneuse, Adrienne Desbiolles.

Actuellement, plus d’une dizaine d’artistes aux styles, influences et pratiques artistiques très variés sont présenté·e·s. Malgré des univers parfois très éloignés, le choix des œuvres et un accrochage soigneusement pensé permettent à l’ensemble de trouver une véritable cohérence. Cette exposition montre ainsi que des esthétiques différentes peuvent non seulement cohabiter, mais aussi dialoguer et créer des échanges aussi inattendus que fascinants.

Nafir, Sun. 2021, peinture en spray sur carreaux de céramique persans, 80 x 80cm
AP Collection, Grizzly Bench. Bois, métal, textiles, peau de mouton, peluche 71 x 165 x 61cm

Je ne m’attarderai pas dans cette chronique sur les créations de Richard Orlinski ou de Mr Brainwash, exposées dans cette galerie, car vous les connaissez très certainement déjà. J’aimerais plutôt vous parler d’artistes que j’ai réellement découvert·e·s dans ce lieu et qui m’ont particulièrement touchée.

Nafir

Lorsque j’ai débuté à la galerie dans le courant du mois de décembre, une œuvre attirait systématiquement mon regard, sans que je sache vraiment pourquoi. Elle est composée de céramiques perses et, comme je vous l’ai déjà confié dans mes chroniques précédentes, c’est un médium auquel je suis particulièrement sensible. Mais ce n’est pas uniquement cela qui a retenu mon attention. D’autant que le style n’est pas, en réalité, ce qui m’attire habituellement. Et pourtant, je me suis surprise à être profondément captivée par cette pièce. Le visage féminin réalisé à la peinture en bombe, la forme circulaire et l’agencement des carreaux créent une composition presque hypnotique, solaire. Quelque chose s’en dégage immédiatement, une impression de lumière, de force, d’intensité. Il y a dans cette pièce une énergie qui rayonne, difficile à expliquer, mais impossible à ignorer.

Nafir, Dedicate Yourself to Darkness.
2021, peinture en spray sur tapia persan, 152 x 132 cm

L’artiste derrière cette œuvre est Nafir, un pseudonyme inspiré d’un poème de Rûmî, l’un des plus grands poètes perses du XIIIᵉ siècle. Ce nom signifie « cri ». En me penchant sur son parcours et en découvrant d’autres pièces de son travail, j’ai rapidement compris que cette attraction n’était pas un hasard. Né à Téhéran en 1984, Nafir commence le street art en 2008, dans un pays où cette pratique sans autorisation officielle est illégale et peut être perçue comme un acte de désobéissance civile et entraîner de très lourdes sanctions. Ses créations engagées et critiques face à la censure et aux enjeux sociaux se déploient dans un contexte à haut risque. Malgré cela, son travail s’est rapidement fait connaître et a marqué la scène artistique locale. Par la suite, Nafir s’est progressivement tourné vers ses racines culturelles, intégrant à sa pratique des objets issus de la tradition perse, comme les tapis et les céramiques. À l’aide de pochoirs et de peinture en spray, il mêle portraits contemporains et motifs traditionnels ancestraux, donnant une nouvelle vie à ces supports chargés d’histoire.

Nafir aime dire dans ses interviews que l’histoire de l’Iran ne s’écrit pas, mais qu’elle se tisse. Son lien avec cet héritage est profondément personnel. Son père était en effet marchand de tapis et expert, il aurait d’ailleurs souhaité réaliser une œuvre commune avec ce dernier mais sa disparition l’en a empêché. L’autre influence majeure de sa vie est sa mère, qui l’a élevé après avoir divorcé dans un contexte où cela restait peu commun. C’est cette inspiration que l’on retrouve dans son travail, dans lequel il donne une place importante aux figures féminines, souvent inspirées de femmes proches de lui, qu’il perçoit comme des incarnations de force, de courage et de liberté.

Nafir, Numb.
2021, peinture en spray sur tapis persan, 96 x 72cm

En découvrant son univers, j’ai réalisé que ce qui m’avait attirée au départ n’était pas seulement une question d’esthétique, mais la présence d’une histoire, d’une intensité et d’une sincérité qui traversent chacune de ses pièces. En plus de la céramique, je m’intéresse également au médium textile, et en découvrant ses créations sur tapis persan, notamment un petit format qui a immédiatement capté mon attention, je n’ai pu m’empêcher d’acquérir une œuvre de cet artiste dont le travail m’a vraiment interpellée et touchée.

Aujourd’hui, Nafir vit et travaille à Berlin, où il poursuit sa pratique artistique entre héritage persan et culture urbaine contemporaine. Son travail a été présenté dans plusieurs galeries internationales et fait partie des collections de musées tels que STRAAT, musée du street art et du graffiti à Amsterdam, ou de l’Urban Nation, musée d’art urbain contemporain à Berlin.

Le second artiste que je souhaite vous présenter est John Monks, né en 1954 à Manchester et dont les peintures représentent des intérieurs, des objets du quotidien et des paysages, mais ce sont surtout ses scènes d’intérieur qui ont retenu mon attention.

John Monks

Ces espaces m’ont rappelé les demeures anciennes et les bâtiments historiques que je visitais lorsque je vivais en Angleterre pendant mes études. Il s’en dégage quelque chose de familier et en même temps profondément troublant. Chez Monks, ces lieux semblent vides, parfois en léger désordre, comme s’ils avaient été quittés à la hâte. L’absence de toute présence humaine renforce le mystère et installe une atmosphère singulière, empreinte de mémoire, comme si ces espaces nous renvoyaient encore l’image et l’histoire de celles et ceux qui les ont habités.

En faisant des recherches sur son travail, j’ai découvert un texte de l’écrivain et critique Alex Leith, qui évoquait Charles Dickens et le personnage de Miss Havisham, pour décrire ces intérieurs. Cette référence m’a frappée, tant elle correspond à ce que j’ai ressenti face à ses peintures : une impression de grandeur passée et un temps comme suspendu.

John Monks, Table. 2023, huile sur toile, 139 x 188 cm

La manière dont John Monks travaille la peinture à l’huile participe à cette sensation. Par des superpositions de glacis, des coulures et des zones raclées, il construit des surfaces aux textures riches, jouant avec les contrastes entre ombre et lumière. Bien que figées, ses scènes donnent une impression de vie. Il ne cherche pas à nous livrer une représentation fidèle d’un lieu. Il s’agit davantage d’une vision issue du souvenir, laissant une large place à l’imagination des spectateur·ice·s. C’est exactement ce que j’ai ressenti, lorsque je me suis surprise à imaginer ces scènes comme les vestiges d’une fête décadente ayant eu lieu au XIXe siècle.

Qualifié par plusieurs directeur·ice·s de galeries et de musées comme l’un des artistes les plus importants travaillant aujourd’hui en Angleterre, John Monks développe une peinture figurative qui ne cherche jamais à suivre les modes et qui adopte une approche plus instinctive et expressive. Formé à la Liverpool School of Art et au Royal College of Art à Londres, ses œuvres sont actuellement conservées dans les plus grandes collections. Et je vais vous livrer une anecdote que j’ai pu découvrir grâce à Alex Leith : c’est lors d’une exposition à la Paton Gallery à Londres, en 1985, qu’une toile de John Monks, Suitcase with Glove, a su capturer l’attention du célèbre conservateur du Metropolitan Museum of Art de New York, William Lieberman, et qu’il en fit l’acquisition pour les collections du musée. Comme vous vous en doutez, cet évènement a marqué un tournant décisif dans l’histoire de cet artiste.

AP Collection

Lorsque j’étais étudiante, en plus de l’histoire de l’art, je suivais des cours sur le mobilier et les objets d’art, et j’ai toujours nourri un intérêt particulier pour le mouvement Arts and Crafts. Comme vous le savez désormais, parmi les médiums qui me touchent le plus figurent la céramique et le textile, des pratiques dans lesquelles le savoir-faire artisanal ainsi que la qualité des matières occupent une place essentielle. C’est donc assez naturellement que les créations d’AP Collection ont retenu mon attention.

L’histoire qui se cache derrière ce nom est singulière et touchante, puisqu’elle naît d’une histoire d’amour. Les créateur·ice·s Alexis Vanderstraeten et Pauline Montironi, ont vécu à distance pendant leurs études, lui en Angleterre, elle en Belgique. Pour entretenir leur lien, ils s’envoyaient des doudous. Lorsqu’ils ont finalement été réunis, ils se sont retrouvés avec une véritable collection de petits animaux en peluche. Peu à peu, l’idée de réunir ces peluches sur un fauteuil s’est imposée comme une évidence. Le résultat les convainc, et en 2015, ils se lancent dans l’aventure. Cette idée qui n’était au départ qu’une création unique s’est transformée, une dizaine d’années plus tard, en une collection complète de mobilier, peuplée de fauteuils, bancs, miroirs et poufs. Chaque pièce est assemblée à la main en Belgique, dans un esprit de savoir-faire artisanal haut de gamme, et conçue pour être utilisée et manipulée.

Détai AP Collection, Promenons nous dans les bois, Bench
Bois, métal, textiles, peau de mouton, peluche, 60 x 160 x 50 cm

Parmi les pièces les plus marquantes, j’ai découvert le fauteuil Caméléon, une édition limitée à seulement dix exemplaires, dont la réalisation a nécessité le tressage de près de cent mille perles de verre. Le banc Promenons-nous dans les bois dont seulement 100 pièces existent et qui comme le nom l’indique nous présente un large aperçu de la faune que l’on peut croiser en nous promenant dans une forêt. Bien sûr, en découvrant ces œuvres, il est difficile de ne pas penser à d’autres créateur·ice·s ayant exploré l’univers de la peluche, comme les designers Humberto et Fernando Campana ou le créateur de mode Jean-Charles de Castelbajac, mais AP Collection développe un langage qui lui est propre, entre design, artisanat et poésie. En regardant ces créations, on retombe inévitablement en enfance. Elles font sourire et réconfortent. Mais derrière cet aspect touchant se cache également de véritables préoccupations tant écologiques que sociétales.

Les deux créateur·ice·s ont eu à cœur pour confectionner leur peluche d’utiliser un rembourrage en grande partie composé de plastique recyclé, issu de bouteilles collectées par une entreprise qui soutient l’éducation de populations défavorisées en finançant notamment les frais de scolarité d’enfants grâce à ce système de recyclage. Fidèles à leurs valeurs, ils soutiennent également des fondations caritatives en lien avec l’enfance et également la protection d’espèces menacées.

Alexis et Pauline citent une phrase de Pablo Picasso sur leur site internet « Chaque enfant est un artiste. Le problème est comment rester un artiste après avoir grandi ». Je ne peux qu’être d’accord, j’ajouterai juste qu’en fin de compte le mieux serait de garder son âme d’enfant. Et lorsque je vois des visiteur·euse·s entrer dans la galerie, quel que soit leur âge, ce que j’aime le plus c’est voir leur visage s’illuminer et cette petite étincelle qui rappelle l’enfance lorsqu’ils découvrent les œuvres d’AP Collection.

Leurs créations sont actuellement présentes sur les cinq continents et ont même attiré l’attention des musées avec des pièces présentées lors de l’exposition Mon ours en peluche au Musée des Arts Décoratifs à Paris en 2025.

John Monks, Spirit No1
2023, huile sur toile, 87 x 76cm
AP Collection, Swan chair
Bois, métal, textiles, peau de mouton, peluche, 103 x 95 x 101 cm

Je n’ai pas pu dans cette chronique vous présenter tous les artistes exposé·e·s mais j’espère vous avoir donné l’envie de venir visiter cette galerie.

Chronique et photos: Emilie Thomas

Galerie Adrienne Desbiolles
Promenade 62, 3780 Gstaad

Jusqu’à mi-avril :
Du lundi au jeudi : 10h-18h30
Vendredi et samedi : 10h – 19h
Dimanche : 10h – 17h30

www.instagram.com/galerie_adrienne_desbiolles

LILY EN VISITE – JAGAL Maison d’Art, Chêne-Bougeries

blogcom — Thu, 08 Jan 2026 08:33:17 +0000

Common Ground
JAGAL Maison d’Art, Chêne-Bougeries (GE)
Du 5 novembre 2025 au 16 janvier 2026

Lors de la Nuit des Bains à Genève, j’avais croisé un artiste que je connaissais, Hadrien Dussoix, et en regardant son actualité, j’ai vu que ses œuvres étaient présentées dans une exposition collective intitulée Common Ground, au sein d’un espace, ou plutôt, comme indiqué sur le site, d’une maison d’art que je ne connaissais pas : la galerie JAGAL à Chêne-Bougeries, en périphérie de Genève, en dehors des quartiers où on a l’habitude de voir des galeries. J’étais donc curieuse de découvrir le lieu. À mon arrivée, bien que les horaires indiquaient que l’espace était normalement ouvert, la porte était fermée. Il est des jours où ma peur de déranger m’aurait fait rebrousser chemin, mais l’envie de découvrir la galerie et d’en faire une chronique a été la plus forte : j’ai appelé le numéro sur la porte.

Jérôme Ruffin, le fondateur et propriétaire, m’a répondu très gentiment, s’excusant que je sois tombée sur une porte close : il était simplement un peu en retard en raison d’une livraison qu’il avait dû effectuer. Avant ma visite, j’avais lu sur leur site que Jérôme Ruffin tenait à être personnellement présent pour accueillir les visiteur·euse·s et échanger autour de l’art contemporain. Sur place, j’ai très vite compris que la rencontre et le dialogue sont réellement au cœur de l’identité de JAGAL Maison d’Art. La naissance de cet espace, comme le parcours de son fondateur, sont particulièrement intéressants. En 2015, Jérôme Ruffin est alors directeur de l’hôtel Windsor à Genève, un établissement fondé par son grand-père. Collectionneur passionné d’art urbain, il commence à y organiser des expositions et invite des artistes de Street art à investir certaines chambres de l’hôtel, transformant peu à peu ce lieu en un espace de création inattendu.

En 2016, l’hôtel est vendu et Jérôme Ruffin choisit alors de se consacrer pleinement à sa passion et crée iDROOM, la première galerie spécialisée en art urbain contemporain à Genève.

Quelques années plus tard, il repense la direction artistique et c’est ainsi que, le 28 août 2025, iDROOM devient JAGAL Maison d’Art. L’exposition présentée est la seconde depuis cette transformation. Elle réunit cinq artistes : Hadrien Dussoix, Maurice Mboa, Simon Berger, Ricardo Passaporte et Manon Steyaert. Quand j’attendais Jérôme Ruffin, j’ai remarqué que l’une des vitrines semblait brisée. Connaissant déjà le travail d’un second artiste de cette exposition collective, j’ai compris qu’il ne s’agissait pas de vandalisme mais d’une œuvre d’art. L’auteur de cette œuvre, Simon Berger, un artiste suisse né en 1976, a développé une pratique très singulière autour du verre. Ce n’est pas tant le matériau qui peut surprendre, mais la manière dont il le travaille. À l’aide d’un marteau, il frappe la surface vitrée, transformant un geste associé à la casse en un véritable processus de création. Les impacts provoquent des fissures qui, loin d’être destructrices, font émerger des visages.

Simon Berger, Sans titre, Verre sécurisé brisé au marteau, 50x50cm

Chaque geste est précis, maîtrisé, pensé à l’avance. Selon la force et le rythme des frappes, le portrait se précise ou, au contraire, reste plus ouvert, presque abstrait. Simon Berger connaît parfaitement les réactions du verre et exploite ses tensions internes pour faire apparaître les formes. La lumière joue alors un rôle essentiel, traversant les fissures et révélant les visages. Le portrait ne s’impose jamais totalement, il se devine.

J’ai découvert un autre type de portraits dans les œuvres de Maurice Mboa, artiste né à Yaoundé au Cameroun en 1983, qui vit et travaille aujourd’hui à Genève. Au cœur de sa démarche artistique se trouve une exploration du monde spirituel. Ses figures, que l’on identifie bien qu’elles soient sans visage, apparaissent au cœur de fonds de feuillages colorés et stylisés. Elles interpellent immédiatement et semblent nous regarder malgré l’absence de traits. Cette présence silencieuse est troublante, voire magnétique. Il ne s’agit pas de portraits au sens classique, mais plutôt de présences, de silhouettes, comme autant de figures possibles. Elles émergent du décor sans jamais s’en extraire complètement, fond et figure se répondent. Chaque silhouette est différente, tout en restant sans traits identifiables.

Maurice Mboa, Ancrage sur fond de mots,
technique mixte et gravure sur métal,
65 x 55cm

Maurice Mboa, Mirage sans visage, technique mixte et gravure sur métal,
65 x 55cm

Sa technique est elle aussi singulière. Maurice Mboa mêle gravure sur des feuilles de métal recyclées et techniques mixtes, allant de procédés chimiques à l’usage d’enduits et d’huiles. De ces œuvres se dégage une tension subtile entre le monde matériel et l’invisible, entre la mémoire et l’instant présent.

Les images du quotidien sont au cœur du travail de Ricardo Passaporte, né en 1987 à Lisbonne. Diplômé en stylisme et sans formation académique en arts plastiques, il se tourne vers le dessin et la peinture avec une grande liberté. Il raconte d’ailleurs que l’art était déjà très présent dans sa famille, avec un grand-père peintre et un arrière-grand-père photographe. Son style est souvent qualifié de figuration naïve, volontairement simple en apparence, presque enfantine, derrière laquelle se cache une réflexion plus profonde sur les images qui nous entourent.

Ricardo Passaporte, Cavaleiro, acrylique et spray sur toile,
190 x 160cm

Ricardo Passaporte, Dog, acrylique et spray sur toile,
150 x 120cm

Puis apparaissent des figures animales, telles que des chiens comme dans l’œuvre exposée. Sa peinture spontanée qu’il réalise à l’acrylique et la bombe a un aspect parfois flouté un peu comme quand les images surgissent et s’impriment dans nos mémoires entre apparition et effacement. Son travail humain et accessible questionne ainsi notre rapport aux images dans un monde saturé de visuels.

Les œuvres de Manon Steyaert m’ont, quant à elles, surprise. Née en 1996 en Belgique, elle vit et travaille à Londres. Elle a commencé, elle aussi, par des études de mode avant de s’orienter vers les arts plastiques, et cette double formation se ressent immédiatement dans son travail. Son premier intérêt pour le textile reste très présent, donnant naissance à des œuvres étonnantes et profondément contemporaines.

Mann Steyaert, Cover your eyes 3, silicone et pigments, 60-x-40cm
et Cover your eyes 2, silicone et pigments, 60-x-40cm

Son parcours l’a amenée à expérimenter des matériaux industriels comme le silicone, le latex ou encore la cellophane, qu’elle transforme en leur donnant l’apparence de drapés textiles. Ses œuvres troublent le regard. On ne sait jamais vraiment si l’on se trouve face à une peinture ou à une sculpture. Elle parvient à donner au silicone une texture et des couleurs inattendues. Son expression artistique brouille les catégories traditionnelles.

Et enfin il y a les œuvres d’Hadrien Dussoix, artiste genevois dont je suis le parcours depuis plusieurs années. Né en 1975 à Genève, il a grandi dans un environnement artistique et s’est formé aux Beaux-Arts dans sa ville natale. Très tôt, il développe un intérêt marqué pour le langage et pour la manière dont les mots circulent dans notre quotidien. Dans son travail, il sélectionne des phrases courtes, simples en apparence, parfois provocantes, qu’il inscrit en grandes lettres sur la toile. Mais ce serait une erreur de ne parler que de cette partie de son travail car il réalise également des œuvres plus abstraites, plus architecturales, avec des lignes verticales inachevées qui semblent plus simples mais qui soulignent un côté plus radical dans son travail. Il s’est également lancé dans des pièces de mobilier, étend sa pratique au-delà du mur. Des fauteuils deviennent des supports pour recevoir les œuvres de l’artiste, des prolongements de son travail, brouillant la frontière entre œuvre et objet fonctionnel, entre Beaux-Arts et arts appliqués.

Hadrien Dussoix, Soleil du matin, acrylique sur fauteuil
Sans titre, acrylique sur toile, 50 x 60cm
Sans titre, acrylique sur toile, 130 x 100cm

Ce qui m’a particulièrement marquée dans cette exposition collective réunissant cinq artistes aux médiums et aux univers très différents, c’est que l’ensemble fonctionne. Cela ne donne pas du tout une impression de patchwork, ce qui, honnêtement, n’était pas gagné. Malgré la diversité des pratiques et des œuvres, une cohérence se dégage et crée un véritable dialogue.

Bien sûr, certaines œuvres m’ont davantage touchée que d’autres, mais tous les artistes m’ont surprise. Chacun développe un univers qui lui est propre, avec une présence forte et une véritable maîtrise de son médium. Je ne peux que vous conseiller de découvrir cette exposition et cet espace et surtout n’hésitez pas à parler avec son fondateur.

Chronique et photos: Emilie Thomas

Common Ground
JAGAL Maison d’Art, Chêne-Bougeries (GE)
Du 5 novembre 2025 au 16 janvier 2026
Du mercredi au dimanche de 14h30 à 18h00
https://jagal.swiss

LILY EN VISITE – Laurent Marthaler Contemporary, Montreux

blogcom — Wed, 17 Dec 2025 09:30:13 +0000

The Memory of Light, Daniel Orson Ybarra
Laurent Marthaler Contemporary, Montreux
Du 15 novembre 2025 au 24 décembre 2025

On entend parfois des critiques à l’égard des galeries d’art : certain∙e∙s artistes estiment qu’elles ne les accompagnent pas suffisamment, tandis que certain∙e∙s acheteur∙euse∙s pensent qu’il est parfois préférable d’acheter directement auprès des créateur∙ice∙s, sans intermédiaire. Je peux comprendre les raisons de ces critiques, mais il serait réducteur de les appliquer à l’ensemble des galeries. Certaines, et bien plus que vous ne le pensez, s’engagent sincèrement aux côtés de leurs artistes et de leurs collectionneur∙euse∙s, et dépassent les questions transactionnelles. Si j’évoque cela aujourd’hui, c’est parce que la galerie dont je souhaite parler fait partie de celles qui accompagnent leurs artistes, et l’exposition que je vous présente en est la preuve concrète.

Avec The Memory of Light, la galerie Laurent Marthaler Contemporary rend hommage à Daniel Orson Ybarra (1957-2025), un artiste né à Montevideo dont la vie et le travail se sont développés entre Genève, l’Espagne et l’Amérique du Sud. Cet artiste, que la galerie exposait depuis plusieurs années, a disparu en début d’année, après une longue maladie et de nombreux séjours à l’hôpital.

Accompagner et soutenir un artiste va bien au-delà de l’exposition ou de la vente de ses œuvres : c’est être présent, connaître sa famille, partager des moments, soutenir ses projets. Un grand écran installé au cœur de l’exposition présente une série de photographies : des moments heureux lors de foires d’art, des instants plus intimes, mais aussi des images profondément émouvantes de l’artiste peignant depuis son lit d’hôpital. J’avoue avoir été très touchée par ces fragments de vie que Laurent Marthaler partage avec les visiteur∙euse∙s, souvenirs qui témoignent de la relation étroite unissant l’artiste et son galeriste.

Constellations, quadriptyque, 200 x 240cm, encre sur toile

L’exposition présente quelques grands formats de l’artiste, dont l’œuvre monumentale Constellations, composée de quatre toiles de 240 × 200 cm réalisées à l’encre sur toile. Les aplats d’encre noire laissent apparaître des zones blanches qui se détachent de la surface et attirent immédiatement le regard. En s’en approchant, on distingue des formes géométriques et des nuances plus ou moins appuyées de noir qui créent une impression de profondeur. Face à cette œuvre, j’ai eu le sentiment d’être devant une galaxie, impossible d’en saisir l’ensemble. Le regard circule, se perd, et une impression d’infini s’impose naturellement. Une voie lactée abstraite, où chaque point semble à la fois immobile et pris dans une dynamique invisible. Cette œuvre n’est pas une image fixe, on se rapproche d’une expérience immersive dans laquelle le temps et l’espace semblent suspendus.

Vues d’oeuvres de la série Mille et une nuits

Cette œuvre, composée de milliers de points presque lumineux, fait écho à la majeure partie de l’exposition qui est consacrée au dernier projet de Daniel Orson Ybarra. Comme me l’a expliqué Laurent Marthaler, ce projet est né d’un besoin fondamental : celui de continuer à créer malgré la maladie, y compris depuis sa chambre d’hôpital. De cette nécessité est née une série considérable de plusieurs centaines de petits formats regroupés sous le titre Les mille et une nuits. Ces œuvres, qui n’ont jamais été dévoilées au public, ont été créées pendant les deux dernières années de sa vie. Certaines ont été réalisées sur papier pour des questions de logistique et en raison des contraintes liées aux soins que l’artiste recevait. Son souhait était que, après sa disparition, ces œuvres puissent être exposées et accessibles à un large public. Lorsqu’on les découvre, on réalise qu’elles font écho aux différentes séries que l’artiste a créées tout au long de sa vie, telles qu’Acqua, Epiphany ou encore Seedlings. Pour certaines, il a utilisé un pigment précieux et rare qu’il se procurait auprès d’un fournisseur exclusif de Barcelone, et qui, comme le mentionne Laurent Marthaler, est un élément signature de sa pratique picturale. Sa particularité est qu’avec ce pigment, l’œuvre interagit directement avec la lumière naturelle.

Epiphany, 200 x 240 cm, 2023

Toutes ces œuvres révèlent les recherches artistiques que l’artiste a menées au long de sa vie, au cœur desquelles la lumière et l’observation de la nature occupent une place fondamentale, non pas comme un simple effet visuel, mais comme un type de pensée et de composition. Il observait attentivement les feuillages, les racines, les reflets de l’eau, les textures des différents végétaux, mais également les processus de croissance et d’inflorescence. Son but n’était pas de livrer une image fidèle. Il déconstruisait la perception du réel, fragmentait ses éléments et les réorganisait pour faire émerger un langage pictural autonome et abstrait, qu’il réalisait à l’aide de diverses techniques artistiques. Dans une interview filmée et publiée par Artvie en 2017, Daniel Orson Ybarra explique comment, à partir de certains moments de sa vie et de ses observations, pouvaient naître des séries d’œuvres. Il y raconte qu’il avait dû se rendre dans une clinique pour y suivre un traitement. C’était en hiver et tout était blanc. Dans sa chambre, la seule touche de couleur et de vie provenait d’une petite rose rouge. Il avait alors commencé à l’observer, à en retirer les pétales, attiré par cette teinte qu’il décrit comme presque feutrée.

Après avoir réalisé des photographies et des esquisses, une fois sorti de la clinique, il s’était mis à travailler autour de cette couleur, créant des œuvres d’un rouge intense, sur lesquelles apparaissent d’autres touches de couleur donnant l’impression de pétales. Mais ce qui l’intéressait avant tout c’était l’immensité du rouge : en quelque sorte, l’œuvre tout entière devenait le pétale. C’est ce que nous fait découvrir un autre grand format présenté dans cette exposition. Créé en 2015, il s’intitule elle aussi Constellations, et en l’observant, j’ai moi aussi été frappée par l’intensité de ce rouge.

Vue de l’exposition The Memory of Ligh, Daniel Orson Ybarra. Constellations, technique mixte sur toile, 200 x 200 cm, 2015 et quelques oeuvres de la série des 1001 nuits

Lorsque j’ai posé la question : A-t-il pu achever ce projet titanesque des mille et une œuvres ? « Bien sûr que non », m’a répondu Laurent. Une phrase d’une sincérité désarmante où l’on percevait toute la tristesse d’une évidence qui pèse lourd.

Il ne l’a pas achevé, et ce n’était sans doute pas l’essentiel. Ce qui comptait, c’était que ce projet le porte, le maintienne vivant, et que son galeriste soit là pour le soutenir dans ce qui le faisait tenir debout.

Cette exposition est à la fois un hommage au talent de Daniel Orson Ybarra, elle révèle sa volonté de transmettre son héritage artistique, mais elle est également un témoignage des liens noués pendant toutes ces années, du respect et de l’affection profonde que Laurent Marthaler portait à cet artiste. J’avais déjà acquis une édition d’art de Daniel Orson Ybara auprès de cette galerie il y a quelques années, et en apprenant sa disparition, il m’a semblé essentiel de venir découvrir cet hommage. Je suis encore très touchée par cette exposition, et je remercie Laurent Marthaler, directeur de la galerie ainsi que son collaborateur Alexandre Kaspar, pour cette très belle exposition. Et vous vous en doutez, et si vous avez bien fait attention à la photo de présentation pour cette nouvelle chronique, je n’ai pas pu m’empêcher d’acquérir l’une de ses petites toiles pour conserver une part de la lumière de cet artiste.

Emilie Thomas

Né en 1957 en Uruguay, Daniel Orson Ybarra est issu d’une famille aux origines internationales, de Moscou à Odessa et de Bilbao à Saint-Jean-de-Luz. Après ses études, il décide de voyager et cette découverte, qui ne devait durer qu’un ou deux ans, s’est finalement prolongée pendant plusieurs années, le menant de l’Amérique du Sud aux États-Unis puis à l’Europe et au Moyen-Orient. Ces déplacements ont nourri ses recherches picturales.

Il finit par s’installer à Genève dans les années 1980 et il a partagé sa vie entre cette ville et Barcelone, où il possédait également un atelier. Artiste reconnu internationalement, ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions, au sein de galeries, de foires d’art et de musées, et font aujourd’hui partie de grandes collections.

The Memory of Light, Daniel Orson Ybarra
Laurent Marthaler Contemporary, Monteux
Du 15 novembre 2025 au 24 décembre 2025
La galerie se visite sur rendez-vous : +41 79 212 15 07 ou info@laurentmarthaler.com

www.laurentmarthaler.com

LILY EN VISITE – Galerie Xippas, Genève

blogcom — Wed, 03 Dec 2025 16:27:34 +0000

José Gamarra : Murmures dans la forêt
Galerie Xippas, Genève
Du 5 novembre 2025 au 20 décembre 2025

Pendant la Nuit des Bains, une seconde exposition a suscité mon intérêt. Je marchais vite, pour ne pas dire que je courais, étant en retard de plus d’une heure à mon rendez-vous. Je n’avais donc pas le temps de m’attarder.

Mais après être passée devant une galerie sans même réaliser qu’il s’agissait de la galerie Xippas, je me suis arrêtée net et suis revenue sur mes pas. En général, cela signifie que quelque chose a réellement éveillé ma curiosité.

Cette fois, j’avais aperçu ce que j’avais pris pour de l’art ancien, impression renforcée par la présentation de certaines œuvres dans des cadres en bois doré. Cela m’avait intriguée, car j’aime l’art ancien, mais pendant la Nuit des Bains on ne s’attend pas à en croiser. Quelques mètres plus loin j’ai réalisé que des éléments me paraissaient incohérents. Quelque chose ne collait pas et j’ai fait demi-tour. Et là, stupeur : ce que j’avais pris pour des œuvres anciennes étaient en réalité des créations de l’artiste contemporain d’origine uruguayenne José Gamarra.

José Gamarra , vue de l’exposition
Terra nostra, 2025, Persecution, 2025 et Selva misteriosa, 2025

Présentée par la galerie Xippas, l’exposition Murmure dans la forêt rassemble plus d’une trentaine d’œuvres. Manuel Neves, le commissaire de l’exposition, a fait un choix intéressant en présentant des œuvres créées entre 1967 et 2025. Cela permet de suivre l’évolution artistique de cet artiste.

Comme cela m’est arrivé, on peut se laisser tromper lorsque l’on découvre son travail pour la première fois et croire qu’il s’agit de peintures anciennes. Certaines œuvres présentent notamment des tonalités qui rappellent celles d’un vernis jauni par le temps, à l’image des toiles des siècles passés. De plus, les paysages qu’il peint, avec leurs jungles denses et luxuriantes, sont rendus avec beaucoup de minutie et sa façon de traiter les paysages s’inscrit dans l’histoire de la peinture de paysage des XVIIe et XIXe siècles, comme le relève le critique d’art Philippe Dagen. José Gamarra lui-même explique s’être particulièrement intéressé aux peintres paysagistes européens tels que Claude Gellée (1600-1682) dit le Lorrain ou encore Frans Post (1612-1680) qui s’était d’ailleurs rendu au Brésil (voir la bio de l’artiste plus bas).

La beauté de ses paysages et sa manière de travailler la lumière m’ont immédiatement attirée. Mais c’est en découvrant les détails incongrus dans ses œuvres que j’ai véritablement été fascinée par son travail. Ce qui est déroutant, c’est que ces éléments sont parfaitement visibles : ils se trouvent au centre, et pourtant ils se fondent si bien dans l’ensemble qu’il faut parfois un certain temps pour comprendre ce que l’on regarde.

Dans Asedio, une huile sur toile réalisée en 1970, quatre hélicoptères sont représentés, survolant un paysage calme et romantique. J’ai eu le sentiment d’un anachronisme, comme si j’assistais à une collision entre deux temporalités. J’ai réalisé ensuite que ces hélicoptères n’avaient pas de patins d’atterrissage, mais des structures qui me faisaient penser à des pattes. Ces silhouettes hybrides, m’ont fait penser à des créatures mécaniques. De ces étranges machines jaillissent des faisceaux lumineux en direction de la nature. En regardant l’œuvre, j’ai ressenti une forme d’agression, une attaque en cours, impression confirmée par le titre qui peut se traduire par « siège » ou « assaut ». Ici, la jungle n’a pas l’opulence que l’on retrouve dans d’autres peintures de Gamarra ; elle est réduite à l’essentiel, comme si elle encaissait le choc.

Seuls deux arbres, dans le coin inférieur gauche, sont rendus avec davantage de précision, et la lumière vient directement les éclairer. Juste devant eux, un cheval blanc avance tranquillement. Sa présence semble étrange, presque hors-sujet, jusqu’à ce que l’on se souvienne que cet animal est souvent associé à la liberté. Comme une petite résistance silencieuse, presque insignifiante face aux machines, mais qui ne parait pas être atteinte par leurs assauts car le cheval ne fuit pas, il avance et avec lui la liberté.

José Gamarra, Asedio, 1970, huile sur toile, 32×41,4cm (encadrée)

Une seconde œuvre, Persecution, peinte en 2025, présente un paysage de jungle minutieusement travaillé, baigné d’une lumière paisible qui, comme généralement chez Gamarra, dissimule tout autre chose. Une pirogue glisse silencieusement sur le fleuve, mais le drapeau blanc frappé d’une croix rouge sur le devant de l’embarcation, rappelle immédiatement les étendards des conquistadors. Cette impression est renforcée par les coiffes des personnages embarqués. La pirogue et ceux qu’elle transporte deviennent l’emblème d’un pouvoir intrusif et rappelle la violence de la conquête.

À l’avant-plan, une figure accroupie, le corps recouvert de motifs évoquant ceux des peuples autochtones, observe la scène. Il ne s’agit pas d’un portrait ethnographique mais d’une figure symbolique qui observe : celle de l’habitant premier, celui qui voit l’intrusion avant qu’elle ne devienne un événement irréversible. Le paysage calme quant à lui semble déjà savoir ce qui s’annonce.

Le titre de l’œuvre vient renforcer cette lecture : cette scène en apparence paisible n’est en réalité que le prélude d’une attaque, la mise en place silencieuse d’un rapport de force déjà écrit.

José Gamarra, Persecution, 2025, huile sur toile, 57,3×72,2cm (encadrée)

Dans A Amazonia e Seus Misterios (1973), la forêt amazonienne n’apparaît plus comme un refuge luxuriant intact, mais comme un territoire déjà dégradé par l’activité humaine. Derrières les palmiers on découvre des installations industrielles avec des tuyaux et des structures d’extraction, tandis que les panneaux d’interdiction au premier plan signalent qu’on ne peut plus circuler librement dans cette forêt. D’ailleurs toute intrusion est empêchée par des avions militaires qui survolent la zone avec à leur commande des singes, Cette scène évoque ainsi la militarisation excessive de la région et l’absurdité d’un pouvoir qui protège avant tout des intérêts économiques au détriment des peuples présents et de la nature. Au centre flotte un drapeau américain, symbolisant de façon explicite les forces géopolitiques et financières américaines mais également internationales qui pèsent sur l’Amazonie.

Sous une apparence naïve avec ces motifs qui pourraient presque faire sourire, l’œuvre dénonce en réalité la destruction de la forêt, la surexploitation des ressources et l’ingérence des puissances étrangères. Quant au mot « Misterios », il ne renvoie pas à la magie mystérieuse de la jungle, mais à ce qui s’y trame, des activités opaques et des enjeux cachés qui menacent en permanence ce territoire.

José Gamarra, vue de l’exposition
A Amazonia e Seus Misterios, 1973 et L’objectif, 1975

Même lorsqu’elle s’appuie sur des évènements passés, l’œuvre de José Gamarra demeure extrêmement actuelle. Les régimes autoritaires n’ont pas disparu, les manipulations et les jeux de pouvoir continuent, et l’Amazonie est toujours menacée par des logiques d’exploitation identiques à celles que José Gamarra dénonçait il y a plusieurs décennies. Cette exposition offre une occasion unique de découvrir l’univers singulier de José Gamarra et je ne peux que vous encourager à aller voir ses œuvres car elles révèlent bien plus que ce que l’on croit voir au premier regard.

Emilie Thomas

José Gamarra est né en 1934 à Tacuarembó, en Uruguay. Très tôt, il se forme à la peinture et à la gravure aux Beaux-Arts de Montevideo, avant d’obtenir en 1959 une bourse qui le conduit au Brésil, où il enseignera quelque temps. En 1963, il s’installe en France, à Arcueil, où il vit et travaille encore aujourd’hui. Son œuvre, nourrie à la fois des paysages et des mythologies de l’Amérique latine, de la critique des régimes autoritaires et d’une réflexion sur les violences faites à la nature, a intégré de nombreuses collections internationales prestigieuses : le Museum of Modern Art, le Metropolitan Museum of Art ou la Rockefeller Foundation à New York, le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, le Museo de Arte Moderno de Buenos Aires ou le Museu de Arte Moderna de Rio de Janeiro. Il est aujourd’hui considéré comme l’un des artistes d’origine uruguayenne les plus importants de sa génération.

José Gamarra : Murmures dans la forêt
Galerie Xippas, Genève
Du 5 novembre 2025 au 20 décembre 2025
Du jeudi au samedi de 11h à 19h
www.xippas.com

LILY EN VISITE – Taste Contemporary, Genève

blogcom — Wed, 19 Nov 2025 11:36:03 +0000

Altered States : Anne Marie Laureys & Costanza Gastaldi
Taste Contemporary, Genève
Du 13 novembre 2025 au 14 janvier 2026

Nuit des Bains oblige, je me suis rendue à Genève jeudi dernier. Je savais déjà que je souhaitais découvrir la nouvelle exposition Altered States présentée par la galerie Taste Contemporary. Pourquoi cette exposition plutôt qu’une autre ? Pour les deux artistes proposées, Costanza Gastaldi et Anne Marie Laureys, cette dernière travaillant la céramique, un médium pour lequel vous savez déjà que j’ai un faible, mais également pour la galerie elle-même. Ou, plus exactement, pour le regard de sa fondatrice, Monique Deul.

Car une galerie, finalement, c’est avant tout un œil, une sensibilité, une manière de faire dialoguer les œuvres, de les laisser respirer ou, au contraire, de les confronter, de révéler ce qu’elles portent en elles. Certaines personnes savent créer ces rencontres qui transforment une simple exposition d’œuvres en véritable expérience. Monique Deul fait partie de ces galeristes capables de mettre en lumière des œuvres sans jamais les écraser, de créer un espace où elles se répondent naturellement.

Je n’ai jamais été déçue par les expositions qu’elle propose, tant il y a dans ses choix une cohérence, une justesse curatoriale et cette nouvelle exposition ne fait que confirmer mon impression.

Quand je suis entrée, j’ai été attirée par les sculptures d’Anne Marie Laureys, artiste belge née en 1962. Dans ses œuvres, la terre se transforme en une matière veloutée, moirée, qui capte la lumière de façon étonnante. J’ai tellement été surprise par la transition des couleurs et de ces ombres qui glissaient sur les plis que j’ai regardé vers les spots pour vérifier si l’effet était dû à l’éclairage. Mais ce n’était pas le cas. Cette impression de surface lumineuse qui vibrait venait des œuvres elles-mêmes. Les formes paraissent nées d’un souffle ; elles sont fluides, instables, et en perpétuelles métamorphoses. Anne Marie Laureys commence par réaliser des pots sur un tour et tant que l’argile est encore souple, elle la travaille, la replie, la creuse et l’étire. La forme d’origine, traditionnellement fonctionnelle, s’efface pour laisser émerger un volume nouveau qui devient sculpture dans laquelle la mémoire du geste demeure visible.

Anne Marie Laureys, Boneless Desire, argile belge, 2019

Anne Marie Laureys, Boneless Desire opus#1, Céramique, 2025

La couleur ne sert pas à recouvrir la pièce : elle en prolonge les reliefs, elle révèle la sculpture. Elle utilise l’aérographe pour appliquer de fines couches de couleur créant ainsi des dégradés qui donnent des transitions presque atmosphériques. Ses sculptures m’ont donné l’impression d’œuvres issues des profondeurs, comme des vestiges qui auraient longtemps appartenu à un monde immergé.

Vue de l’exposition
Costanza Gastaldi, Bess et Escaramouche, héliogravure, 2025
Anne Marie Laureys, A piece of Sky on earth opus#1, céramique, 2025

Cette impression a certainement été amplifiée par les œuvres inspirées du monde aquatique de Costanza Gastaldi. Ses méduses ne sont pas de simples motifs mais des corps flottants, suspendus dans le temps, oscillant entre présence et disparition, comme si elles hésitaient encore à rejoindre le visible.

Chez elle, l’argentique et l’héliogravure ne sont pas seulement des techniques : ce sont des manières pour l’image de naître depuis la matière. Dans ses tirages argentiques, la lumière remonte à la surface du papier, à l’instar d’une forme enfouie qui chercherait à apparaître.

L’héliogravure au grain qu’elle utilise également est un procédé ancien du 19ᵉ siècle. À partir d’une plaque de cuivre gravée, préparée avec une gélatine photosensible, l’image acquiert une densité et une profondeur de tons captivantes. Cette plaque qui retient la lumière avant de la restituer devient le véritable lieu d’origine de l’œuvre.

Costanza Gastaldi, Nature Fractale II, Héliogravure et peinture, 2023

Dans les tirages de Gastaldi, l’image n’est jamais fixe : elle apparaît comme un souvenir qui affleure, un organisme qui possède une vibration intérieure. La réalité de ses sujets s’efface pour céder la place à une vision plus floue. Les contours de ses méduses deviennent presque abstraits, comme si la photographie captait non pas ce qu’elles sont, mais ce qu’elles laissent derrière elles : une trace, une énergie, un mouvement suspendu.

Face à ces organismes marins qui semblent parfois émerger du papier ou parfois s’y fondre, et aux céramiques ondoyantes d’Anne Marie Laureys, j’ai eu l’impression d’être la spectatrice d’une danse silencieuse. Et je ne peux que vous conseiller de découvrir cette exposition qui fascine autant qu’elle apaise.

Emilie Thomas

Anne Marie Laureys, née en 1962 en Belgique, a étudié à la LUCA School of Arts de Gand. Ses œuvres font partie de grandes collections muséales telles que le Metropolitan Museum of Art de New York (Collection Robert A. Ellison), le Westerwald Museum en Allemagne, le Taipei County Yingge Ceramics Museum à Taïwan, et le Musée Ariana à Genève, en Suisse.

Costanza Gastaldi est née en Italie en 1993. Diplômée de l’école GOBELINS et de l’Université de la Sorbonne, elle vit et travaille à Paris. Ses œuvres ont été exposées à travers l’Europe et l’Asie. Elle a participé à de grandes foires d’art internationales, telles que PhotoFairs Shanghai, Fine Art Asia, Ink Asia, Haute Photographie Rotterdam et Art Paris.

Altered States : Anne Marie Laureys & Costanza Gastaldi
Taste Contemporary, Genève
Du 13 novembre 2025 au 14 janvier 2026
Du mercredi au vendredi de 11h à 18h30⁠
Samedi de 12h à 17h
www.tastecontemporary.com

LILY EN VISITE – Galerie Oblique, Saint-Maurice

blogcom — Wed, 05 Nov 2025 13:43:23 +0000

Respire – Ivo Vonlanthen
Galerie Oblique, Saint-Maurice
Du 25 octobre au 28 novembre 2025

Rencontrer des galeries dans de grandes villes ou dans des stations alpines semble assez logique ; ce qui l’est moins, c’est d’en découvrir dans des cités plus modestes. Cette fois, je me suis rendue à Saint-Maurice. Malgré sa taille, la ville possède un patrimoine culturel important : son abbaye, son château, et la Grotte aux Fées, la première grotte touristique ouverte en Suisse. Ce n’est pas pour ces lieux que je suis venue – je les connaissais déjà – mais pour la Galerie d’art Oblique et l’exposition Respire de l’artiste fribourgeois Ivo Vonlanthen.

Habituellement, je vous parle des œuvres, mais cette fois, le lieu m’a tout autant séduite. Son histoire, que m’a racontée Christian Bidaud, actuel responsable de la galerie et ancien animateur de l’atelier, m’a semblé importante à mentionner. Et cette histoire, vous le verrez, fait écho à celle de l’artiste actuellement présenté.

Installée au rez-de-chaussée des anciennes Maisons Duc, la Galerie Oblique occupe un ensemble rénové par le bureau d’architecture GayMenzel distingué par le prix suisse d’architecture Arc Award 2018 et la Distinction romande d’architecture 2023. Le projet associe béton, bois et pierre, réemployant des des fragments historiques et inscrivant les traces de l’ancien dans le neuf : embrasures en béton, empreinte d’une porte ancienne et grande ouverture vitrée donnant sur une petite place, en clin d’œil à l’entrée d’origine et aux bâtiments abbatiaux. L’espace garde les marques de l’histoire, tout en affirmant une présence résolument contemporaine. La galerie se déploie sur sept salles de dimensions et de formes variées, formant un parcours fluide et singulier.

À l’étage, un atelier FOVAHM (Fondation valaisanne en faveur des personnes avec une déficience intellectuelle) accueille huit artistes. Inspiré du CREAHM – son pendant fribourgeois, fondé par Ivo Vonlanthen en 1998 – il prolonge l’esprit d’ouverture et de création qui anime l’ensemble du lieu.

Vous percevez maintenant le clin d’œil ?

Revenons à présent à l’exposition Respire, qui dresse un riche panorama du travail d’Ivo Vonlanthen, révélant la continuité de sa recherche artistique à travers la diversité des formes et des techniques. Elle va du végétal esquissé, réduit à une simple trace dans ses compositions épurées, jusqu’à la vibration colorée de ses abstractions, où la nature n’est plus représentée mais ressentie.

Ivo Vonlanthen, Rythme, huile sur carton. 2025

Une première salle présente des huiles sur carton issues de la série Rythme et des huiles sur bois de la série Ossature. Dans ces deux ensembles, l’artiste va à l’essentiel : il ne retient du végétal que son mouvement, sa structure. La feuille n’est plus figurée, seules en subsistent les lignes, les nervures, l’ossature même. Tout se concentre sur le geste, sur la ligne qui prolonge la respiration et le rythme de la forme initiale qui persiste dans la matière.

Ivo Vonlanthen, Chant de la terre, huile sur toile. 2025

La seconde salle présente la série Chant de la terre, composée majoritairement de peintures à l’huile sur toile, dans laquelle Ivo Vonlanthen abandonne toute figuration végétale, même légère, pour se tourner vers l’abstraction. Cette orientation est née à la fin des années 2000 et s’est progressivement intégrée à l’ensemble de son œuvre sans toutefois faire disparaitre sa pratique plus figurative. L’artiste se concentre sur la couleur, la matière, le rythme et la vibration de la surface de ses œuvres. Il ne représente pas la nature, mais traduit ce qu’il en a ressenti, sa résonance et sa présence.

Ivo Vonlanthen, Résonances, acrylique sur papier. 2025

Une autre salle réunit des œuvres de la série Résonances, réalisées à l’acrylique sur papier. Dans cette même veine abstraite, elles m’ont donné le sentiment d’un geste plus libre, d’un rythme plus marqué, où l’énergie du trait et la fluidité du médium apportent une dimension plus spontanée à la composition. Ces œuvres rappellent notamment les peintures murales intitulées Entre ciel et terre, qu’il a réalisées pour la Haute École de Santé-Social de Fribourg.

La série Forêt d’été renoue avec une certaine figuration. Réalisée à l’aquarelle et au crayon sur papier de riz, elle privilégie la ligne, dont les petites touches de couleur accentuent le rythme. Le trait, parfois presque calligraphique, structure l’espace tout en laissant place à des formes proches du végétal. Ces œuvres se situent entre abstraction et trace du réel.

Ivo Vonlanthen, Pour la pluie et le vent, huile sur bois. 2024

Ivo Vonlanthen, Forêt d’été, aquarelle et crayon sur papier de riz

Une salle enfin présente trois grands formats intitulés Pour la pluie et le vent, réalisés à la peinture à l’huile sur bois, où l’artiste retrouve une matière épaisse et un travail de grattage qui fait apparaître la couleur du fond. La ligne réapparaît, épurée, ne gardant que l’essentiel, comme la trace persistante du végétal, une empreinte dans son rythme plutôt que dans sa forme.

Cette exposition permet de découvrir ou de redécouvrir les œuvres d’un artiste qui ne cherche pas à représenter la nature, mais à en faire ressentir la présence autrement. Et si vous souhaitez échanger directement avec lui, même si les artistes sont parfois les plus discrets sur leurs œuvres, vous pourrez le rencontrer à la galerie le 8 novembre dès 14h30.

Emilie Thomas

Né en 1959, Ivo Vonlanthen est diplômé de l’École des beaux-arts de Lucerne. Il a participé à de nombreux concours visant à intégrer l’art dans l’architecture, réalisant notamment des peintures murales pour des écoles et des vitraux pour plusieurs chapelles, telles que celles de Niedermuhren et de Wünnewil. Plusieurs de ses œuvres font partie des collections du Musée d’art et d’histoire de Fribourg.

Respire – Ivo Vonlanthen
Galerie Oblique, Saint-Maurice
Du 25 octobre au 28 novembre 2025
Du mercredi au dimanche de 14h30 à 18h00
www.galerieoblique.ch

LILY EN VISITE – Galerie Fabienne Levy, Genève

blogcom — Wed, 22 Oct 2025 07:54:48 +0000

Finding Words, Fighting Words
Galerie Fabienne Levy, Genève
Du 11 septembre au 15 novembre 2025

Retour à Genève pour une nouvelle visite : cette fois, j’ai poussé la porte de la galerie Fabienne Levy.
La galerie est présente dans trois villes, Lausanne, Genève et Zurich, et ses deux espaces en Suisse romande présentent des expositions communes.

Actuellement, c’est Anjesa Dellova, artiste suisse née en 1994 au Kosovo, qui est mise à l’honneur avec son exposition Finding Words, Fighting Words, visible jusqu’au 15 novembre.

J’avais déjà repéré quelques images de l’exposition sur les réseaux, mais c’est en découvrant la première toile que j’ai su que j’allais vouloir en parler ici. Je crois que ce qui m’a réellement frappée dans cette œuvre c’est l’étrange sensation qu’elle provoque. La scène représente une mère et ses deux enfants, dont un nouveau-né. Les deux figures principales nous fixent du regard, mais je suis incapable de dire si j’y perçois de la tristesse, ou si elles expriment une forme de dureté et de résilience. Elles regardent droit devant elles, sans que je sache si elles s’adressent aux spectateur·rices ou si elles voient au-delà. Le bébé quant à lui est presque effacé, il semble dormir, apaisé. Et là, les questions surgissent : qu’ont-ils vécu ? qu’ont-ils vu ? Je me demande ce qu’ils disent ou, plus exactement, j’essaie de comprendre ce qu’ils éveillent en moi, sans jamais parvenir à mettre des mots sur ce sentiment étrange.

Anjesa Dellova, Famille. 2025, huile sur toile

Cette œuvre, c’est Famille. Avec sa palette monochrome de gris violets, aux tonalités sourdes et feutrées, presque froides, elle dégage une atmosphère à la fois intime et silencieuse. La pratique picturale d’Anjesa Dellova se distingue par une technique qu’elle nomme frottage : une application à sec de peinture à l’huile sur une toile préalablement enduite d’un apprêt texturé. La solennité des visages figés et des corps hiératiques confère à l’œuvre une certaine gravité. Les grands yeux arrondis, récurrents dans ses peintures, adoucissent la scène et lui donnent une apparence faussement naïve. C’est A Family from the Mountains of Kolonja, du photographe albanais Dhimitër Vangjeli (1872-1957), actif dans la première moitié du 20ᵉ siècle, qui a inspiré l’artiste. À travers ses images, il témoignait de la vie rurale et des traditions des montagnes du sud de l’Albanie : cérémonies, portraits de famille et scènes ordinaires du quotidien.

Une seconde œuvre m’interpelle, d’abord par sa tridimensionnalité. On peut certes en faire le tour, mais comme un tableau, son dos ne révèle que la structure. L’artiste elle-même évoque une forme entre peinture et objet ; peut-être pourrait-on alors parler d’un tableau-sculpture.

Passé cette première interrogation, on retrouve dans Ange, Pli ou Chose les caractéristiques récurrentes du travail de l’artiste : les grands yeux et le traitement monochrome, qui cette fois se décline dans des tons rouges.

Anjesa Dellova, Ange, Pli ou Chose, huile sur toile, plâtre, bois, béton.
Série des Lamentations

Néanmoins, dans cette œuvre, les figures disparaissent. Ne demeurent que des yeux multiples et des mains, ouvrant une nouvelle interrogation : quelle en est l’inspiration ?
Antoine Bony, le nouveau directeur de la galerie de Genève, lève le voile. Ange, Pli ou Chose fait partie de la série des Lamentations. Cette œuvre est inspirée d’une vidéo documentant un rite funéraire albanais, un moment consacré aux hommes pour exprimer leur chagrin. L’artiste a été intriguée par le contraste, dans une société traditionnellement machiste, qu’offre l’existence d’un espace où les hommes peuvent pleurer et se montrer vulnérables, alors que ces manifestations de douleur sont le plus souvent associées aux femmes. La courbure de l’œuvre évoque un geste de repli sur soi, une introspection silencieuse semblable à celle que l’on éprouve dans les instants de fragilité. Cette nouvelle série a été présentée par l’artiste aux Swiss Art Awards 2025, pendant Art Basel, l’un des rendez-vous majeurs de la scène artistique internationale.

Anjesa Dellova est diplômée de la HEAD à Genève et de l’ECAL à Lausanne. La qualité de ses œuvres est déjà reconnue car elle a été lauréate des bourses Alice Bailly et Leenaards. Je dois avouer que j’ai été particulièrement touchée par ses œuvres en les découvrant en vrai. Les photos ne laissaient pas deviner cette présence, cette intensité discrète qu’elles dégagent une fois face à elles. Je n’ai pas encore vu la seconde partie de l’exposition, présentée à Lausanne, visible quant à elle jusqu’au 8 novembre mais je compte bien la découvrir très bientôt.

Emilie Thomas

Finding Words, Fighting Words
Galerie Fabienne Levy, Genève
Du 11 septembre au 15 novembre 2025
Du mardi au vendredi de 10h à 18h30
Samedi de 11h à 17h30

www.fabiennelevy.com

LILY EN VISITE – Malévoz Quartier Culturel, Monthey

blogcom — Wed, 10 Sep 2025 05:45:30 +0000

Pousser la porte des galeries d'art avec Emilie Thomas

Exposition « Singulier/pluriel »
Galerie du Laurier et bâtiment du Torrent
Malévoz Quartier Culturel, Monthey
Du 22 juin au 22 septembre 2025

Quand l’art vous entraîne dans un endroit inattendu : le Quartier Culturel de Malévoz, pour une visite tout aussi surprenante. Situé au cœur du jardin de l’hôpital psychiatrique de Monthey en Valais, ce lieu singulier réunit résidence d’artistes, théâtre, jardin culturel et galerie. C’est là que se tient l’exposition Singulier//Pluriel, qui présente les œuvres d’André Crettaz et de Michel Terrapon. Ce sont les créations de ce dernier qui m’ont interpellée.

Au début, je l’avoue, j’étais un peu sur la réserve, avec une impression de déjà-vu. Mais peu à peu, au fil de ma visite, ses œuvres m’ont surprise. Une atmosphère presque théâtrale, que l’on retrouve dans un grand nombre de ses créations, a fini par me séduire.

J’ai découvert un artiste dont l’univers s’inscrit dans une démarche proche de l’art singulier, marqué par la liberté du trait. Que ce soit dans ses visages expressifs ou dans ses carnets où les dessins se mêlent à des mots percutants et pleins d’humour, lui qui a toujours aimé non seulement dessiner mais aussi écrire. Ses œuvres naissent dans la spontanéité, loin de toute conformité académique. Elles s’inspirent de son riche parcours de vie, notamment de ses nombreuses heures en forêt avec ces plumes de geai qui se détachent sur un fond blanc, dans une composition aérée et épurée, qui contraste un peu avec le reste de ses créations.

Ses boîtes ou coffrets ne relèvent pas du ready-made au sens strict, mais d’un art de la transformation et du détournement. Ces objets fabriqués ou récupérés, parfois offerts par des connaissances, deviennent supports artistiques, porteurs de nouvelles histoires. Ses cubes, empilés, déplacés ou tournés, changent de visage. Il revendique l’interaction, il veut que l’on touche ou plus exactement que l’on joue avec ses cubes ou que l’on ouvre ses boîtes.

Et puis, il y a sa « Courdesmiracles », un univers peuplé de personnages en papier mâché. Certains sont suspendus dans des cadres, d’autres intégrés à des installations, formant une foule surprenante, joyeuse, attachante, parfois un peu inquiétante. On les retrouve aussi dans ses « Boîteux », dissimulés dans des coffrets et accompagnés de mots drôles et poétiques. Ces œuvres naissent de la récupération d’objets insolites, chinés ou récupérés, perruques, tissus, journaux, souvenirs de voyages, et laissent au public la liberté d’imaginer leur histoire.

Coffrets. Photo: Emilie Thomas

Je suis ressortie avec l’impression d’avoir croisé une œuvre habitée par la vie même : celle d’un artiste qui a beaucoup voyagé dans sa jeunesse, vécu en Asie et travaillé dans divers domaines. Fromager de montagne, entrepreneur forestier, aujourd’hui, il est même cuisinier pour sa table d’hôtes à Rueyres-Treyfayes, en Gruyère. Son parcours de vie est riche à l’instar de ses créations. Ses œuvres font sourire, elles intriguent, elles invitent à regarder autrement.

Et comme vous vous en doutez peut-être après la visite de l’exposition je me suis empressée de découvrir sa table d’hôtes.

Emilie Thomas

Exposition « Singulier/pluriel »
Galerie du Laurier et bâtiment du Torrent, Malévoz Quartier Culturel
Route de Morgins 10, 1870 Monthey
Du 22 juin au 22 septembre 2025
Ouverture les mercredi et dimanche de 14h à 16h

www.malevozculturel.ch/agenda/exposition-singulier-pluriel

ATFU X SPIELACT : enchères de troc durant l’exposition du festival

blogcom — Tue, 27 May 2025 14:08:24 +0000

Pour cette 7^e édition, le festival Spielact a transformé son exposition en véritable salle aux enchères, où les œuvres ne sont pas à vendre, mais à échanger contre un service. Si l’artiste accepte une proposition, l’auteur de l’offre repart avec l’œuvre d’art; sinon, les enchères continuent.

Compte-rendu : Eugénie Rousak

Ce concept de troc d’art a été lancé par Atfu (pour « À toutes fins utiles »), une plateforme en ligne qui propose de swiper les œuvres et soumettre ses offres. Lancée il y a 3 ans pour favoriser le troc entre artistes, elle s’est ouverte au grand public au mois de novembre 2024. Aujourd’hui, il y a plus de 11 000 œuvres et 18 000 offres en attente sur le site, alors que 4 000 pièces ont déjà été échangées, ont confirmé les fondatrices lors de la conférence organisée à Spielact. Mais quelles idées de troc ? Finalement il y a vraiment de tout : « voyage tout frais payé à la foire d’Abu Dhabi pour rencontrer les collectionneurs, tours de magie à domicile, carte « sortie de prison » par une avocate pénaliste, relecture du portefeuille, accompagnement administratif ou juridique, offres de résidence ou même du temps… pour aider dans l’atelier par exemple » précise la cofondatrice Clémentine Dupont Tissot.

Exposition du festival avec les œuvres disponibles au troc © Eugénie Rousak
Photo de haut de page: Ophélie Baribaud, Clara Citron, et Clémentine Dupont Tissot © Eugénie Rousak

Dans le cadre de Spielact, le concept a quitté l’online pour proposer le troc directement dans la salle d’exposition. La quarantaine d’œuvres affichées dans Le Commun, à Genève, était donc accompagnée d’un QR code permettant au public de faire son offre directement sur place. « Ce concept permet aussi d’inverser les tendances sur le marché de l’art. Dans une galerie, la première personne qui met le prix emporte la pièce. ATFU, au contraire, donne à l’artiste le pouvoir de choisir selon ses besoins du moment. Cela dit, il faut encore un changement de mentalités pour comprendre qu’un service peut avoir autant de valeur qu’une œuvre » a expliqué Clara Citron, cofondatrice.

Bref, une nouvelle façon de voir le marché de l’art, où finalement chacun a quelque chose à offrir : collectionner devient donc accessible !

Spielact en bref

Le festival Spielact, dont la 7^e édition a eu lieu du 13 au 25 mai 2025 à Genève, propose des expositions, des performances, des actions de médiation et des tables rondes, visant à échanger autour des enjeux du secteur culturel, des coulisses et des réalités des métiers concernés, ainsi qu’à s’interroger sur les représentations que nous nous faisons de l’art.

www.spielact.ch

Wunderkammer – Jardin

blogcom — Mon, 15 Jul 2024 13:01:06 +0000

Le collectif Wunderkammer (WUKA) réunit des architectes, des artistes, des historien·ne·s des arts et des acteur·trice·s du monde culturel. Il interroge la métamorphose urbaine et explore, par des internventions artistiques, le potentiel de lieux voués à être transformés.

Le troisième chapitre de la Plateforme Clochetons (installée au chemin des Clochetons 31 à Lausanne), intitulé « Jardin », présente une installation de l’artiste Sebastián Davilá, qui viendra rejoindre les interventions imaginées lors des chapitres précédents par les duos Sophie Balmer & Tarik Hayward et Margot Sparkes & Guillaume Baeriswyl. Des performances de Jacopo Belloni, du duo Poncili Creación ainsi que des DJ sets de House of Perreo accompagneront cet événement festif qui aura lieu de l’après-midi à la tombée de la nuit.

Informations pratiques:
Vernissage samedi 20 juillet dès 16h
Exposition du 20 juillet à mi-août
Chemin des Clochetons 31, Lausanne
www.wuka.ch

Balades autour du graffiti

L'Agenda — Tue, 09 Jul 2024 14:33:30 +0000

Les Garden-Parties débutent leurs cinq week-end de propositions pluridisciplinaires, dans cinq parc lausannois différents. De nombreux collectifs contribuent à l’événement, dont le Syndicat du Graffiti, qui propose des balades autour du graffiti décontractée d’environ 2h30, lors de laquelle des acteur·ice· et spécialistes de l’art urbain partagent connaissances et anecdotes sur l’histoire et la diversité de cet art vivant présent dans l’espace publique depuis plus de 40 ans.

Informations pratiques:
– 12 juillet à 16h30, Mon Repos
– 20 juillet à 16h30, l’Hermitage
– 27 juillet à 16h30, Parc archéologique du Musée romain de Lausanne-Vidy
– 3 août à 16h30, parc du Loup
– 10 août à 16h30, parc Olympique
Gratuit
www.gardenpartieslausanne.ch