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	<title>Théâtre &#8211; L&#039;Agenda</title>
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	<description>La culture romande sous tous les angles</description>
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		<title>ECHO &#8211; L&#8217;amitié à 10 ans, 18 ans, 35 ans, 80 ans</title>
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		<pubDate>Wed, 10 Jun 2026 06:56:08 +0000</pubDate>
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					<description><![CDATA[Dans le spectacle ECHO, deuxième création immersive de la Compagnie Dyade, le public réparti en quatre groupes parcourt le Forum [&#8230;]]]></description>
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									<p><strong>Dans le spectacle <em>ECHO</em>, deuxième création immersive de la Compagnie Dyade, le public réparti en quatre groupes parcourt le Forum de La Passerelle de Lavigny pour y découvrir – dans le désordre – les moments clés de la vie de deux amies, Justine et Violette, de leur rencontre à leurs vieux jours. L’Agenda est allé à la rencontre des metteurs en scène Nathan Pannatier et César Vallet, et des quatre générations de comédiennes qui interprètent Justine et Violette !</strong></p>
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<p>Texte&nbsp;et propos recueillis par Katia Meylan</p>								</div>
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									<p><strong>ECHO</strong><br />Du 18 au 28 juin 2026<br />Forum de La Passerelle, Lavigny<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://www.compagniedyade.com/" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.compagniedyade.com</a></span></p>								</div>
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<p>Faire jouer le même personnage à quatre comédiennes d’âges différents : l’idée nous a d’emblée parue magnifique. On a donc voulu aller vérifier par nous-mêmes en assistant à une répétition. Et cela n’a pas manqué&#8230; Voir ces huit femmes – dix, en réalité, car les plus jeunes joueront en alternance – travailler ensemble nous a beaucoup émue. D’autant plus que l’histoire qu’elles racontent est forte : À 10 ans, Justine et Violette décident d’archiver leurs souvenirs communs dans un carnet afin que Justine, qui souffre d’une pathologie de la mémoire, ne les oublie pas.</p>
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									<blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DZZOa5higgG/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DZZOa5higgG/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank" rel="nofollow noopener"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DZZOa5higgG/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank" rel="nofollow noopener">Une publication partagée par La Télé • Vaud &#8211; Fribourg (@latele.ch)</a></p></div></blockquote>
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									<p><em>Violette et Justine sont interprétées à la vieillesse par Yvette Théraulaz et Bérangère Mastrangelo, à l’âge adulte par Tania Zoppi et Florence Annoni, à l’adolescence par Elya Corso et Fanny Angèle Marchand et en enfance par Laura, Louise, Audine et Clara.</em></p>								</div>
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									<p>« Cette configuration est super car il y a tout un travail qui se fait avec les ados, les adultes et les petites pour trouver comment jouer le même personnage avec des années d’écart, et aussi avec des années d’expérience de théâtre différentes », nous dit Nathan Pannatier.</p>								</div>
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									<p style="text-align: right;"><em>Les dix comédiennes en répétition</em></p>								</div>
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									<p>C’est en proposant un exercice de théâtre à ses élèves que l’idée lui vient. « Je leur avais demandé d’imaginer comment se comporterait leur personnage enfant, puis avec 10 ans de plus, et ainsi de suite », raconte-t-il. « En y repensant, j’ai réalisé que c’était plutôt rare, au théâtre, d’avoir l’occasion de voir l’évolution d’un personnage sur toute une vie ». Ni une ni deux, il en parle à César Vallet, son ami et co-fondateur de la Compagnie Dyade, friand lui aussi de formats scéniques atypiques. Leur deuxième création, <em>ECHO</em>, prend donc ce point de départ narratif et développe autour un concept de mise en scène immersive.</p>
<p><strong>Perception</strong></p>
<p>Dès son arrivée au Forum de La Passerelle de l’institution de Lavigny, le public venu voir <em>ECHO</em> se verra répartir en quatre groupes. Au fil de sa progression dans le lieu et dans les quatre différentes salles principales, chaque groupe découvrira les quatre chapitres de l’histoire de Justine et Violette dans un ordre différent, et reconstituera ainsi leur histoire sous un autre angle.</p>
<p>Nathan nous glisse une info-coulisse : « Chaque chapitre dure 20 minutes et les scènes seront jouées simultanément, quatre fois de suite, par les comédiennes – ce qui est un vrai défi ! Il y aura quatre régies, une par salle, en communication les unes avec les autres, qui veilleront à ce que tous les timings concordent pour qu’entre chaque scène, le public passe d’une salle à l’autre sans se croiser. » </p>
<p>En parallèle à cet aspect temporel logistique, les deux metteurs en scène ont imaginé une jolie manière de faire ressentir la façon dont la perception du temps change que l’on soit enfant ou adulte. Ainsi, les vingt minutes d’une scène correspondent réellement à vingt minutes dans la vie de Violette et Justine lorsqu’elles sont petites filles, mais le temps s’accélère au fur et à mesure qu’elles grandissent : vingt minutes sont une soirée de leur vie d’ado, toute une semaine de leur vie d’adulte, et une année entière de leur vie de vieilles dames.</p>								</div>
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									<p style="text-align: right;"><em>Un élément de décor créé par les élèves de l&rsquo;institution</em></p>								</div>
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									<p><strong>Immersion </strong></p>
<p>César Vallet et Nathan Pannatier n’ont rien laissé au hasard, et chaque détail a été pensé pour permettre au public de mieux s’immerger dans l’histoire, profitant de l’aménagement existant des lieux : le café du Forum de La Passerelle sera le café où les deux amies se retrouvent à l’âge adulte, la salle de classe celle où elles se sont rencontrées petites, le caveau sera le squat de leurs soirées d’ado. Ils y ont ajouté tantôt une dimension poétique par des choix de mise en scène, tantôt des touches sensorielles réalistes. « Dans le squat, on aimerait laisser des mégots de cigarette froids sur le bar et rendre le sol un peu collant, pour rappeler les ambiances de fin de soirée. Dans le café, le public sera attablé et on mettra quelque chose à cuire au four pour que l’odeur enveloppe la pièce », dévoile Nathan Pannatier, les yeux brillants.</p>
<p><strong>Transmission</strong></p>
<p>Le projet comporte également une démarche socioculturelle menée avec le Forum de La Passerelle, un établissement de pédagogie spécialisée pour les enfants et les jeunes présentant des difficultés de développement, d’adaptation ou d’apprentissage. La Compagnie Dyade a ainsi invité les élèves à participer à différentes étapes de la création d’<em>ECHO</em>, que ce soit au travers d’échanges avec les artistes ou lors d’ateliers créatifs. Les jeunes ont notamment réalisé les dessins et les pages de journaux intimes qui orneront les murs des couloirs, ou même les graffitis sur la porte des toilettes du caveau !</p>
<p>***</p>
<p>Assister à une répétition nous a donné comme l’impression qu’<em>ECHO</em>, en plus de son originalité, promet d’être un moment fort, en partage et en émotion.</p>
<p><strong>ECHO</strong><br />Du 18 au 28 juin 2026<br />Forum de La Passerelle, Lavigny<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://www.compagniedyade.com/" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.compagniedyade.com</a></span></p>								</div>
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		<title>« Des milliers de Sankara » ou partir à la recherche de ses origines</title>
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		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Tue, 10 Mar 2026 08:56:00 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
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					<description><![CDATA[Aminata vient de perdre subitement sa mère, son seul lien avec sa terre natale. Elle décide alors de se rendre [&#8230;]]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph"><strong>Aminata vient de perdre subitement sa mère, son seul lien avec sa terre natale. Elle décide alors de se rendre au Burkina Faso pour tenter de comprendre ses origines et trouver les réponses à ses questions. Coproduction entre le Collectif Puck et la Commune de Plan-les-Ouates, la pièce <em>Des milliers de Sankara</em> entraîne le public dans un voyage entre Ouagadougou et Genève, entre 1987 et 2014, dans une scénographie immersive en cercle. À l’affiche jusqu’au 15 mars 2026 à La julienne, c’est l’occasion d’échanger avec le metteur en scène Alexis Bertin.</strong></p>

<p class="wp-block-paragraph">Interview : Eugénie Rousak</p>

<p class="wp-block-paragraph"><strong>Eugénie, pour L’Agenda : <em>Des milliers de Sankara</em> n’est pas votre première pièce sur la migration. Pourquoi continuer dans cette thématique ? </strong></p>
<p><strong>Alexis Bertin :</strong> Mon éducation m’a rapidement sensibilisé aux questions de migration, qu’elle soit subie ou choisie. Mes parents sont venus en aide à des personnes en déplacement durant mon enfance et adolescence et j’ai aussi noué des amitiés avec des personnes issues de contextes très différents du mien, dont les parcours m’ont énormément appris et ouvert à d’autres façons de voir le monde. Parallèlement, j’écoute de nombreux témoignages et m’intéresse aux manières dont les auteurs abordent cette thématique dans leurs œuvres. Le travail du dramaturge Wajdi Mouawad, lui-même immigré enfant du Liban, m’inspire tout particulièrement, par exemple.</p>
<p><strong>Pourquoi avez-vous décidé de consacrer cette nouvelle pièce à l’histoire du Burkina Faso, revenant sur des faits qui datent de pratiquement 40 ans ?</strong></p>
<p>Le projet autour de Thomas Sankara est né d’une rencontre avec un ami burkinabé, qui m’a énormément parlé de cette période historique. À l’époque, nous avions travaillé ensemble sur un petit documentaire, mais l’idée d’écrire une fiction en lien avec les événements de 1987 m’est restée en tête. Je ne voulais pas me précipiter dans ce travail, car les mots et actes de Thomas Sankara m’ont profondément marqué. Finalement, cette réflexion a duré pratiquement 10 ans !  Ce n’est qu’en 2022, encouragé par mon enseignante durant un CAS en dramaturgie, que je me suis véritablement plongé dans l’écriture du texte.</p>
<p><strong>Quelle est la part de la fiction dans cette pièce ?</strong></p>
<p>Initialement, je voulais centrer la pièce sur Mariam Sankara, ancienne première dame du Burkina Faso. Mais au fur et à mesure de ma réflexion, je me sentais de plus en plus mal à l’idée d’inventer la vie d’une personne réelle. J’ai donc choisi de partir des événements historiques, comme l’assassinat de Thomas Sankara, pour ensuite construire toute la partie fiction autour de ce fil rouge.</p>
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									<p style="text-align: right;"><em>Des milliers de Sankara. </em>Photos: <em>©</em> Anatholie</p>								</div>
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									<p><strong>La pièce se déroule avec une dualité entre 1987 et 2014, pourquoi ce choix ? </strong></p>
<p>Je voulais mettre en avant le contraste entre ces deux époques. En 1987, les livres et les témoignages parlent d’un peuple burkinabé stupéfait et désemparé, privé de tout espoir. En 2014, la situation est contraire, un souffle d’espoir émerge avec l’insurrection populaire. Il me semblait fondamental de marquer cette opposition, d’ancrer le personnage d’Aminata dans un contexte qui reflète ces changements et dynamiques sociales et humaines de l’époque.</p>								</div>
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									<p style="text-align: right;"><em>Des milliers de Sankara. </em>Photos: <em>©</em> Anatholie</p>								</div>
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									<p><strong>Vous vous êtes écarté d’une mise en scène à l’italienne, en plaçant le public en cercle, alors que les comédien∙ne∙s se déplacent dans la salle et entre les rangées. </strong><strong>Comment ce choix sert-il la dramaturgie et la narration</strong><strong> </strong><strong>?</strong></p>
<p>C’était une longue réflexion avec Manon Reith, assistante dramaturgie et mise en scène ! Nous avions la contrainte d’ancrer le récit dans deux époques, tout en intégrant le public à l’histoire. Comme la pièce s’appelle <em>Des milliers de Sankara,</em> chaque spectateur en fait partie, comme s’il appartenait lui-aussi à ce millier. Je trouve essentiel que chacun puisse se reconnaître dans les situations, pour se sentir proche des comédiens. La salle devient ainsi un espace vivant et mouvant. La scénographie en cercle reflète également l’instabilité des personnages. Chacun avance à tâtons sur un terrain instable, sans véritable point d’ancrage, cherchant ses propres repères. En parallèle, les spectateurs se regardent mutuellement, ce qui fait aussi partie de l’expérience. Ce n’est pas la première fois que j’expérimente avec la configuration de la salle, car les mises en scène plus traditionnelles créent souvent une distance, laissant le public dans le rôle de simple témoin de l’intrigue.</p>
<p><strong>Dans la pièce, le rôle de père tient une place importante, que cela soit à travers le besoin d’Aminata d’en savoir plus sur son père biologique, ses questions à son père adoptif ou ses propres interrogations sur le fait d’avoir des enfants. Pourquoi avoir intégré également cet axe dans l’histoire ?</strong></p>
<p>Le point de départ vient de ma vie personnelle, car je suis devenu père de famille il y a 4 ans. Je me projette dans les personnages, me demandant si, à leur place, j’aurais voulu avoir des enfants avec cette peur de leur transmettre mes propres blessures. Je n’ai pas vécu d’expériences comparables, mais je me suis servi de mes propres interrogations pour réfléchir à ce que signifie être un père honnête et intègre.</p>
<p><strong>La pièce vous a-t-elle aidé à répondre à vos propres questions ?</strong></p>
<p>Oui, je pense que ça fait son chemin.</p>
<p><strong>La pièce se termine, alors qu’Aminata n’a encore découvert ni ses origines, ni l’histoire de sa famille, alors que le public connaît déjà les réponses. Pourquoi cette dualité ?</strong></p>
<p>La question du dénouement a été longtemps discutée lors de l’écriture. Nous avons décidé de ne pas boucler la boucle de l’histoire personnelle d’Aminata, pour laisser cette ouverture sur l’avenir et les choses qu’il lui reste encore à accomplir.</p>
<p><strong>Des milliers de Sankara<br /></strong>Du 6 au 15 mars 2026 à La julienne, Plan-les-Ouates<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://www.saisonculturelleplo.ch/des-milliers-de-sankara" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.saisonculturelleplo.ch/des-milliers-de-sankara</a></span></p>								</div>
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		<title>« La Végétarienne » &#8211; La véritable folie n’est-elle pas la soumission aux normes ?</title>
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		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Fri, 30 Jan 2026 11:27:46 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
		<category><![CDATA[#critique]]></category>
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					<description><![CDATA[Le Théâtre de Vidy propose, jusqu’au dimanche 1er février, La Vegetariana (La Végétarienne), mise en scène par Daria Deflorian. Cette [&#8230;]]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[		<div data-elementor-type="wp-post" data-elementor-id="271625" class="elementor elementor-271625" data-elementor-settings="{&quot;ha_cmc_init_switcher&quot;:&quot;no&quot;}">
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<p class="wp-block-paragraph"><strong>Le Théâtre de Vidy propose, jusqu’au dimanche 1<sup>er</sup> février, <em>La Vegetariana (La Végétarienne)</em>, mise en scène par Daria Deflorian. Cette pièce de théâtre inspirée du roman du même nom de Han Kang, autrice majeure de la littérature coréenne et lauréate du prix Nobel de littérature en 2024, aborde avec finesse des thématiques telles que les normes sociétales, la folie et la soumission des femmes dans une société patriarcale.</strong></p>

<p class="wp-block-paragraph">Critique : Marie Butty</p>

<p class="wp-block-paragraph">La pièce s’ouvre sur un décor qui rappelle les représentations glauques de l’univers d’un hôpital psychiatrique – des murs gris, éclairés par un néon blanc. Il s’agit pourtant de l’appartement d’un couple, celui de Yōnghye et de son mari. Tout d’abord, sans la présence de Yōnghye sur scène, le mari (incarné par Gabriele Portoghese) narre cinq années de mariage d’une banalité déconcertante. L’homme décrit avoir choisi sa femme car elle est insignifiante, sans réels avis et ordinaire – en ce sens, il imagine qu’elle fera une bonne épouse, une bonne maîtresse de maison et se pliera à ses désirs sans broncher. Sa vision, profondément sexiste, rappelle les injonctions sociétales et patriarcales auxquelles doivent se plier les femmes pour ne pas bousculer l’ordre établi. Une fois le contexte brièvement planté, il évoque un évènement qui brisera cette routine confortable. C’est alors que Yōnghye (interprétée par Monica Piseddu) entre en scène : durant la nuit, la femme se relève et se met à jeter toute la viande de l’appartement sous l’œil abasourdi de son mari. Elle affirme qu’elle ne mangera désormais plus de viande en raison d’un songe qu’elle a fait cette nuit-même.</p>

<p class="wp-block-paragraph">Au fil de la pièce, nous comprenons que cette décision va bien au-delà d’un refus de se nourrir de viande, mais est l’incarnation d’un véritable acte d’émancipation des normes sociétales patriarcales qui attendent de la femme qu’elle soit d’abord sous le joug de son père, puis au service de son mari. Cette décision, de laquelle elle ne démordra pas, bouleverse en profondeur la structure patriarcale sur laquelle repose le couple, mais également plus largement toute la famille. Sans volonté de comprendre, ses proches tentent de la contraindre. Les hommes de la pièce vont être les plus acharnés à cette tâche – son père va tenter par la force de lui faire avaler la viande, son mari va l’obliger à se remettre à sa place d’épouse en usant du viol conjugal et son beau-frère, artiste-vidéaste, (incarné par Massimiliano Speziani) va sauter sur l’occasion pour en faire un objet d’art. En effet, ce dernier devient soudain excité, voire littéralement obsédé, par sa « tache mongolique » au bas du dos. La violence du beau-frère demande davantage de réflexion et ne saute pas yeux de prime abord mais elle réside dans la sexualisation complète de cette femme « libre » – il lui proposera d’ailleurs des relations sexuelles et se masturbera en se souvenant de son corps inconscient et ensanglanté lors d’une dispute avec le père – mais également de son usage en tant qu’objet sur lequel il peint des fleurs pour relancer sa carrière. Les hommes abusent ainsi avec violence de cette femme afin de la remettre sur les trames de la norme sociétale.</p>

<p class="wp-block-paragraph">Yōnghye va finalement être enfermée en hôpital psychiatrique puisqu’il ne subsiste en elle qu’une volonté de devenir végétal afin d’échapper à l’oppression sociétale. Ce refus d’appartenir au monde humain est vu comme de la folie par son entourage dès lors qu’il s’agit de l’étiquette la plus confortable pour ranger les personnes refusant la conformité à la norme. Toutefois, la pièce suggère que la folie présentée ici n’est pas celle de l’épouse mais bien celle de son entourage – le mari, le beau-frère et la sœur – qui se conforment à la norme sans se poser aucune question, tels de petits robots bien obéissants. La volonté de Yōnghye de devenir arbre n’est-elle finalement pas la plus raisonnable afin de se protéger de la brutalité humaine, de la normativité et de la soumission attendue des femmes ?</p>
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									<p style="text-align: right;">Photos: <em>La vegetariana</em> © Andrea Pizzalis</p>								</div>
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									<p><strong>La vegetariana (La Végétarienne)<br /></strong>Du 28 janvier au 1<sup>er</sup> février 2026<br />Théâtre de Vidy Lausanne <br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://www.vidy.ch/fr/evenement/daria-deflorian-la-vegetariana/" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.vidy.ch/fr/evenement/daria-deflorian-la-vegetariana/</a></span></p>
<p><!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph --></p>
<p><!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph --></p>
<p>En italien, surtitré en français et anglais</p>
<p><!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph --></p>
<p>Le 1<sup>er</sup> février, la garderie créative « Chouette » s&rsquo;occupe des enfants dès 4 ans, le temps de la représentation. Inscription en ligne</p>
<p><!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph --></p>
<p><strong>Autour du spectacle :<br /></strong>30 janvier à 18h: À la rencontre de l’œuvre de Han Kang avec Élisa Shua Dusapin</p>
<p><!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph --></p>
<p><!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph --></p>
<p><!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph --></p>
<p><!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph --></p>
<p> </p>								</div>
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		<title>“Tu comprendras quand tu seras grand”, ou quand le spectacle d&#8217;ombres devient jeu d&#8217;enfant</title>
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		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Thu, 15 Jan 2026 12:28:46 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Famille]]></category>
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					<description><![CDATA[Critique: Mélissa Henry Vous souvenez-vous de votre premier spectacle de marionnettes ? Pour ma part, le personnage principal que l’on [&#8230;]]]></description>
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									<p>Critique: Mélissa Henry</p>								</div>
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<p class="wp-block-paragraph">Vous souvenez-vous de votre premier spectacle de marionnettes ? Pour ma part, le personnage principal que l’on retrouve dans <em>Les aventures de Guignol, </em>cette marionnette lyonnaise à la langue bien pendue, a marqué mon enfance. Guignol est une marionnette à gaine, c’est-à-dire qu’elle habille un ou plusieurs membres &#8211; bien souvent la main &#8211; de la personne qui les manipule. Tantôt satire sociale, tantôt outil de pédagogie, mais toujours source de divertissement, les marionnettes attirent depuis longtemps petit·e·s et grand·e·s. Est-il utile de mentionner les célèbres Guignols de l’info de Canal+, qui ont accompagné l’actualité maussade de générations entières ?</p>

<p class="wp-block-paragraph">Le spectacle que j’ai découvert samedi 10 janvier au Théâtre des Marionnettes de Genève est d’un genre hybride qui ravit enfants et adultes accompagnant… Ou grands enfants ! <em>Tu comprendras quand tu seras grand</em> est à la fois pièce de théâtre et spectacle d’ombre. Loin de se cacher dans l&rsquo;obscurité, les marionnettistes font ici partie du décor et de l’histoire. Les acteur·ice·s dialoguent entre eux et avec les marionnettes, dans un spectacle atypique qui s’adresse aussi bien aux enfants qu’aux adultes. La musique tient aussi une place centrale, les membres de la troupe étant de toute évidence habiles de leurs mains.</p>

<p class="wp-block-paragraph">Quant à l’histoire (ra)contée, elle embarque le public dans une quête pédagogique, à la fois poétique et didactique. Isidore, enfant de cirque itinérant, se rend pour la première fois en classe. Pendant la récréation &#8211; dont il découvre la définition &#8211; il fait la rencontre d’Anaïs, une camarade de classe aux difficultés scolaires. Leur journée se transforme alors en une véritable aventure, cherchant constamment à comprendre « Pourquoi doit-on aller à l’école ? ». Entre remise en question de notre système d’éducation et trop-plein de précautions, en passant par les injonctions et les interdictions d’aujourd’hui qui étaient les punitions d’autrefois, ce spectacle met en lumière nos travers, avec dérision et lyrisme. Des thèmes chers au metteur en scène Steven Matthews, éducateur en crèche fasciné par l’ombre et la lumière, au point d’en faire carrière.</p>

<p>Si vous l’avez manqué, le spectacle <em>Tu comprendras quand tu seras grand</em> est à vivre jusqu’au 25 janvier au Théâtre des Marionnettes de Genève &#8211; qui programme pour la troisième fois cette création originale, jouée pour la première fois en 2019. Et pour ce qui est de la Compagnie Don’t Stop Me Now qui tient les ficelles, elle se donnera de nouveau en spectacle le <a href="https://www.l-agenda.ch/evenements/3-mecs-au-bol/" data-wplink-edit="true">21 février au Théâtre de la Madeleine</a> avec <em>3 mecs au bol</em>, et du 29 septembre au 4 octobre au Théâtre Pittoëff avec <em>La Princesse eSt le Chevalier</em>, leur premier spectacle d’ombres.</p>
<!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph {"align":"right"} --><!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph -->
<p><strong>Tu comprendras quand tu seras grand</strong></p>
<ul>
<li>Jusqu’au 25 janvier 2026<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="http://www.marionnettes.ch/spectacle/tu-comprendras-quand-tu-seras-grand" target="_blank" rel="noopener nofollow">Théâtre des Marionettes de Genève</a></span><br /><br /></li>
<li>Le 14 mars à 11h et 17h<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://www.theatre-rolle.ch/programme/tu-comprendras-quand-tu-seras-grand/" target="_blank" rel="noopener nofollow">Casino-Théâtre de Rolle</a></span><br /><br /></li>
</ul>
<!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph {"align":"right"} -->
<p class="has-text-align-right"><em>Photo de haut de page: ©Carole Parodi</em></p>
<!-- /wp:paragraph --><!-- wp:paragraph -->
<p> </p>
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		<title>Pour la nouvelle année, je vous prescris&#8230;</title>
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		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Wed, 17 Dec 2025 12:32:50 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
		<category><![CDATA[#comédie]]></category>
		<category><![CDATA[#KatiaMeylan]]></category>
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					<description><![CDATA[Au centre de la salle de répétition du Cercle Littéraire Yverdon trône un fauteuil, l’iconique fauteuil d’Argan, protagoniste du Malade [&#8230;]]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph"><strong>Au centre de la salle de répétition du Cercle Littéraire Yverdon trône un fauteuil, l’iconique fauteuil d’Argan, protagoniste du <em>Malade imaginaire</em>. Ici, la troupe répète entre quatre murs entièrement verts : la superstition n’est pas de mise, apparemment ! La plus célèbre pièce de Molière, s’il en faut, se jouera au Théâtre Benno Besson le 31 décembre et en tout début d’année 2026.</strong></p>

<p class="wp-block-paragraph">Texte et propos recueillis par Katia Meylan</p>

<p class="wp-block-paragraph">Ce fauteuil-là est un peu plus pimpant que l’original, exposé aujourd’hui à la Comédie Française. Vincent Jaccard, qui interprète Argan et met en scène la pièce, ne compte pas en faire usage plus que de raison. « Quand on lit la pièce en repensant aux circonstances dans lesquelles elle a été écrite, ça fait bizarre », admet-il, faisant référence à la condition de l&rsquo;auteur. En effet, lorsqu’il écrivait <em>Le Malade imaginaire</em>, Molière souffrait déjà de tuberculose et, quand les représentations débutèrent à Paris en 1673, il ne put tenir le rôle d’Argan que pendant quatre représentations avant de mourir. « On comprend dans le texte qu’il y avait des scènes entières où il n’était pas obligé de bouger. Il était même certainement assis la plupart du temps  », relève Vincent.</p>
<p>Ce choix de mise en scène statique – plus pragmatique qu’artistique, on s’en doute –, Vincent ne l’a pas retenu. Les problèmes de santé de son Argan sont bel et bien imaginaires, et ne lui enlèvent en rien le plaisir rageur de se lancer à la poursuite de sa servante Toinette, vexé lorsque celle-ci fait preuve de plus d’esprit que lui. Quelle jubilation de les voir courir autour du fameux fauteuil, se houspillant mutuellement !</p>
<p>Tout attachée qu’elle soit à ce patriarche, Toinette en est convaincue : « <em>Quand un maître ne songe pas à ce qu&rsquo;il fait, une servante bien sensée est en droit de le redresser </em>»<em>. </em>Et comme il se trouve qu’effectivement, il ne songe pas à ce qu’il fait (quelle idée, vouloir marier sa fille contre son gré à un jeune médecin pédant ! Et s’apprêter à signer un testament rédigé par un notaire douteux !), elle s’emploiera à le redresser, à coups de stratagèmes costumés.</p>
<p><em>Le Malade imaginaire, </em>c’est un mariage arrangé et des travestissements de classe, situations chères à Molière, mais aussi une critique de la médecine. Ou plutôt&#8230; d’une certaine façon de la pratiquer, note Vincent. « Molière ne critique pas la médecine elle-même, mais le charlatanisme, les personnes qui profitent de la crédulité ou de l’anxiété d’autrui, qui jettent de la poudre aux yeux et n&rsquo;ont pas la sagesse de garder une certaine humilité face à leur savoir ». Anecdote pour le moins intéressante : le metteur en scène attitré du CLY est médecin dans la vie ! Étonnant d’ailleurs qu’il ne se soit pas penché sur cette pièce si célèbre avant. « En fait, ça fait longtemps que j’ai envie de la jouer, répond-il. Je l’avais relue en pleine pandémie, mais j&rsquo;ai eu comme l&rsquo;intuition que ça n&rsquo;aurait pas été le bon moment. Il y avait tellement de conflits, de controverses… ça n’aurait servi qu’ajouter de l’eau au moulin des conspirationnistes.  Au contraire, ce texte a besoin d’être pris avec beaucoup de recul. »</p>
<p>Le moment est donc venu de s’attaquer à cette pépite du répertoire, que l’humour parcourt bras-dessus bras-dessous avec la critique : ici un bon mot, là du comique de situation, une haute dose d’auto-dérision, ou encore quelques ficelles de la comédie italienne.</p>
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									<p style="text-align: right;"><em>Le Médecin volant</em>, répétition<br />Photo de haut de page: <em>Le Malade imaginaire, </em>répétition<br />Photos: © Dwayne Toyloy</p>								</div>
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									<p>Pour mettre en relief toute la palette d’humour de Molière, le CLY jouera, en première partie, une autre pièce : <em>Le Médecin volant, </em>l&rsquo;une des premières écrites par l’auteur. Ce court texte aborde également les thématiques du mariage, de la fourberie et de l’identité usurpée, mais dans un tout autre style, celui de la Commedia dell’arte. L’occasion pour la troupe de faire un travail plus physique, sur le masque et le corps. En assistant à une répétition menée par la metteuse en scène Ophélie Steinmann (la Toinette de l’autre pièce), nous y avons découvert avec joie un Sganarelle à l’agilité ultra-vitaminée, un fier Valère à la diction claire et au visage expressif, deux bougres(ses) bourrues, impayables dans leurs manières engoncées d’interagir&#8230; ça promet !</p>
<p><strong>Le Malade imaginaire</strong><br />Du 31 décembre 2025 au 3 janvier 2026<br />Théâtre Benno Besson, Yverdon<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://www.cly.ch/" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.cly.ch</a></span></p>								</div>
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		<title>La grenade</title>
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		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Mon, 15 Dec 2025 12:55:43 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Classique et opéra]]></category>
		<category><![CDATA[Famille]]></category>
		<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
		<category><![CDATA[#famille]]></category>
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		<category><![CDATA[#opéra]]></category>
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					<description><![CDATA[À Genève, au sein de cette troupe unique qu’est Opéra-Théâtre Junior, les jeunes s’initient à l’opéra tout en s’ouvrant aux [&#8230;]]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[		<div data-elementor-type="wp-post" data-elementor-id="270045" class="elementor elementor-270045" data-elementor-settings="{&quot;ha_cmc_init_switcher&quot;:&quot;no&quot;}">
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<p class="wp-block-paragraph"><strong>À Genève, au sein de cette troupe unique qu’est Opéra-Théâtre Junior, les jeunes s’initient à l’opéra tout en s’ouvrant aux histoires d’autres enfants par le monde et les siècles. La prochaine création, <em>Nour</em>, raconte une histoire de la diaspora arménienne.</strong></p>

<p class="wp-block-paragraph">Texte et propos recueillis par Katia Meylan</p>

<p class="wp-block-paragraph">En 2001, la metteur en scène Michèle Cart créait Opéra-Théâtre Junior dans le but de faire découvrir aux enfants et adolescent∙e∙s l’opéra par la pratique, leur donnant la possibilité de chanter, danser et jouer sur scène aux côtés de professionnel∙le∙s du métier, dans des productions adaptées à leur âge.</p>
<p><strong>Des thématiques poignantes </strong></p>
<p>En plus de 20 ans, les volées de jeunes interprètes se sont succédées dans des œuvres aux styles variés mais toujours aux thématiques poignantes, telles que le harcèlement scolaire, les camps de concentration, le travail forcé ou encore la détention de mineurs considéré∙e∙s comme délinquant∙e∙s.</p>
								</div>
				</div>
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									<p style="text-align: right;"><em>Still tiré de la captation du spectacle « Les Enfants du Levant »,</em><br /><em>joué en 2022 par Opéra-Théâtre Junior sur le lac</em></p>								</div>
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									<p>Pour sa prochaine production, son choix s’est porté sur <em>Nour</em>, un opéra écrit en 2015 en commémoration du centenaire du génocide arménien. « Oui, on parle de génocide, mais ce qui est beau dans cet opéra c’est qu’il est plein d’espoir, tant dans la musique que dans le texte », affirme Michèle. « C’est une histoire de diaspora arménienne, qui ouvre sur d’autres histoires dans le monde, dans le passé ou encore aujourd’hui ». La narration s’entremêle, faisant se répondre plusieurs générations. Loucine, enfant d’aujourd’hui, questionne sa mère Nour (<em>grenade,</em> en arménien), sur l’histoire de leur famille. Nour se revoit alors petite fille, quand son grand-père Hovannès lui racontait l’incroyable périple qu’il avait vécu, alors que lui-même était encore petit garçon&#8230;</p>
<p><strong>Les interprètes</strong></p>
<p>Fil rouge de la pièce, la mémoire d’Hovannès est déroulée en chants par un chœur de jeunes chanteur∙euse∙s de la Maîtrise du Conservatoire populaire, dirigé par Fruzsina Szuromi. Sur une jolie idée scénique de Michèle Cart, les interprètes de Nour et Hovannès enfant ne sont pas uniquement comédien∙ne∙s, comme cela a pu se faire dans d’autres versions de l’opéra, mais font partie du chœur, se trouvant ainsi comme emporté∙e∙s dans les souvenirs du grand-père.</p>
<p>Pour incarner le rôle dudit grand-père, la metteur en scène a demandé à Armen Godel, l’un des piliers du théâtre genevois de rejoindre la troupe. « Le projet l’a touché car, sa mère étant arménienne, il raconte une partie de son histoire. Je suis heureuse qu’il ait accepté de jouer avec nous ! C’était important pour moi de travailler avec un comédien arménien ».</p>
<p><strong>L’esprit de troupe</strong></p>
<p>À Opéra-Théâtre Junior, on cultive les discussions et l’esprit de troupe. Les répétitions sont prévues généralement sur toute la journée, entrecoupée de pauses. Ainsi, on prend le temps de se connaître pour mieux travailler ensemble. Michèle Cart a également à cœur d’encourager des échanges autour des thèmes abordés et leurs corrélations avec ce qui se passe aujourd’hui dans le monde. En plus des discussions avec Michèle ou Armen Godel, les choristes pourront notamment rencontrer le compositeur Fabrice Lelong et la librettiste Nathalie Karibian – qui s’est inspirée de l’histoire de sa famille pour écrire l’histoire de Nour.</p>
<p>L’investissement est réel pour les jeunes interprètes, qui doivent être prêt∙e∙s à dédier une bonne partie de leurs week-ends et la moitié des vacances de Noël aux répétitions. Mais la motivation ne manque pas : « Certains sont tellement passionnés que les parents n’ont pas le choix ! » rit Michèle, prenant pour exemple l’une de ses jeunes interprètes qui a décidé de rester à Genève chez ses grands-parents plutôt que de partir en vacances avec ses parents, frères et sœurs.</p>
<p>Pour vivre, avec toute la troupe, cette magie inexplicable de la scène, ce moment suspendu à partager avec le public venu découvrir <em>Nour</em>.</p>
<p><strong>Nour<br /></strong>Du 13 au 25 janvier 2026<br />La Parfumerie, Genève</p>								</div>
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									<p>Parmi les événements organisés autour du spectacle, samedi 24 janvier, à l’issue de la représentation, Opéra-Théâtre convie le public à la réflexion lors d’une discussion animée par Romaine Jean autour de la thématique du génocide et de l’espoir, de la possibilité d’être heureux∙se malgré une expérience de vie traumatisante.</p>								</div>
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									<p>Plus d’infos sur <span style="text-decoration: underline;"><a href="http://www.opera-theatre.ch/nour_2026/" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.opera-theatre.ch/nour_2026</a></span></p>								</div>
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		<title>La Distance, de Tiago Rodrigues</title>
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		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Thu, 20 Nov 2025 16:21:00 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Chronique]]></category>
		<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
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					<description><![CDATA[En sortant du théâtre, je me suis surprise à penser, je n’ai pas envie d’être journaliste cette fois, je veux [&#8230;]]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph">En sortant du théâtre, je me suis surprise à penser, <em>je n’ai pas envie d’être journaliste cette fois, je veux être spectatrice !</em> Pour n’avoir qu’à sécher mes larmes et rentrer à pieds, le tournis en tête, le fado au cœur, l’espoir et le désespoir qui se battent au corps. Ne pas trop avoir à parler, pour laisser le moment intact. Et le lendemain, appeler mon père.</p>

<p class="wp-block-paragraph">C’était en sortant de la pièce <em>La Distance</em>, écrite et mise en scène par Tiago Rodrigues.</p>

<p class="wp-block-paragraph">Une dystopie. Je vous raconte, mais pas trop : c’est l’histoire d’une fille partie fonder une nouvelle humanité sur Mars, de son père resté sur Terre. De leurs espoirs si différents. De la longue longue longue longue longue distance qui les séparaient lorsqu’ils étaient dans la même pièce, et du lien qui se resserre alors qu’ils arrivent enfin à se parler, par messages interposés.</p>

<p class="wp-block-paragraph">C’est beau parce que ça fait rire et ça fait mal, parce le texte est incarné magnifiquement par Adama Diop et Alison Dechamps. Parce que le mouvement et la musique ne nous lâchent pas.</p>

<p class="wp-block-paragraph">Il ne faut pas trop en dire. Mais à y réfléchir, je suis contente d’être journaliste, sinon, comment j’aurais pu vous recommander d’aller voir cette pièce à Vidy ? À Grenoble, Dunkerke ou Madrid si jamais vous êtes sur le passage de la tournée, ou dans la région quand elle se rejouera probablement !</p>

<p class="has-text-align-right wp-block-paragraph">Katia Meylan</p>

<p class="wp-block-paragraph"><strong>La Distance<br /></strong>Jusqu’à dimanche 23 novembre 2025<br />Théâtre Vidy-Lausanne<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://www.vidy.ch/fr/evenement/tiago-rodrigues-la-distance" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.vidy.ch/fr/evenement/tiago-rodrigues-la-distance</a></span></p>

<p class="wp-block-paragraph"> </p>
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		<title>« 7-8 Jean-François » : le récit intérieur d’une revanche</title>
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		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Fri, 14 Nov 2025 08:42:23 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
		<category><![CDATA[#chêne-bourg]]></category>
		<category><![CDATA[#EugénieRousak]]></category>
		<category><![CDATA[#seul-en-scène]]></category>
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					<description><![CDATA[Rencontrer son pire ennemi de l’adolescence à 50 ans ? C’est ce qui arrive à Jean-François, faisant resurgir les souvenirs [&#8230;]]]></description>
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									<p></p>
<p class="wp-block-paragraph"><strong>Rencontrer son pire ennemi de l’adolescence à 50 ans ? C’est ce qui arrive à Jean-François, faisant resurgir les souvenirs douloureux et une compétitivité enfouie. Écrit par Alexandra Tiedemann, mis en scène par Céline Goormaghtigh et interprété par Olivier Gabus, ce dialogue intérieur à la fois drôle et lucide sera présenté du 11 au 30 novembre 2025 au Théâtricul de Chêne-Bourg, puis au théâtre l’Oriental à Vevey les 12, 13 et 14 décembre 2025.</strong></p>
<p></p>
<p class="wp-block-paragraph">Texte et propos recueillis par Eugénie Rousak</p>
<p>Premier texte de la comédienne Alexandra Tiedemann, ce voyage introspectif au réalisme cru est né d’un atelier d’écriture. Organisé et dirigé par Fabrice Melquiot en 2023, il invitait les participant∙e∙s à réfléchir durant une semaine sur le thème du monologue. « Dans un processus en va-et-vient entre le monde extérieur et l’intérieur, nous devions nous inspirer de différents types de situations dramatiques. L’une de celles que j&rsquo;avais retenue était d’aimer son meilleur ennemi. Des images du harcèlement qu&rsquo;un camarade de classe a subi me sont revenues à l&rsquo;esprit et les premières phrases du monologue se sont alignées » se souvient Alexandra Tiedemann.</p>
<p>De cette réflexion émerge l’histoire de Jean-François, un quinquagénaire célibataire, employé dans la maintenance. « Un anti-héros un peu paumé dans une vie sans objectif » précise la comédienne. Suivant la recommandation de son médecin de bouger, il s’inscrit à un cours de danse disco. Un soir, il tombe nez à nez avec Michaël, son pire ennemi d’adolescence dont il a été le souffre-douleur. Cette rencontre fait resurgir les souvenirs enfouis, réveillant une jalousie comparative et un esprit de compétition. C’est décidé : il veut prendre une revanche ! Comment ? En gagnant la Coupe de la Night !</p>
<p></p>								</div>
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									<p style="text-align: right;"><em>7-8- Jean-François. Photos: © <a href="https://www.caroleparodi.com/" target="_blank" rel="noopener nofollow">Carole Parodi</a></em></p>								</div>
				</div>
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									<p>Dès l’écriture, Alexandra Tiedemann savait qu’elle ne souhaitait pas assurer la mise en scène de cette histoire. « Si j’avais cumulé les deux rôles, j’aurais mis sur scène les choses que j’avais imaginées au départ. Ouvrir le texte à un travail collectif est plus stimulant et enrichissant. Céline Goormaghtigh, avec qui j’avais déjà collaboré sur d’autres projets, a apporté un regard diffèrent sur la pièce. Le comédien Olivier Gabus est ensuite arrivé avec son propre vécu et sa propre façon d’interpréter le texte. Puis, chaque membre de l’équipe a ajouté sa subjectivité sur l’histoire de Jean-François, enrichissant le spectacle » a expliqué la comédienne.</p>
<p>Ainsi, de ce travail collectif est née une pièce au message d’espoir. Mêlant l’humour, la danse et le dialogue intérieur, elle illustre la manière dont les fantômes du passé continuent de façonner le présent et un rien fait resurgir tous les souvenirs. Un peu bourru au début, le protagoniste gagne progressivement l’empathie du public, qui va l’accompagner pas à pas dans cette envie de revanche sur l’adolescence.</p>
<p><strong> 7-8 Jean-François</strong></p>
<ul>
<li>Du 11 au 30 novembre 2025<br />Théâtricul, Chêne-Bourg<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://theatricul.net" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.theatricul.net</a></span><br /><br /></li>
<li>Du 12 au 14 décembre 2025<br />L’Oriental, Vevey<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://www.orientalvevey.ch/index.php?s=7_8_jean_francois&amp;id=269" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.orientalvevey.ch</a></span></li>
</ul>								</div>
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		<title>« Dans une autre vie… » &#8211; Ce n’est pas la fin, mais le début d’une autre histoire</title>
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		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Mon, 03 Nov 2025 08:37:08 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Danse]]></category>
		<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
		<category><![CDATA[#cerceauaérien]]></category>
		<category><![CDATA[#danse]]></category>
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					<description><![CDATA[Transmettre des émotions profondes et apporter de la poésie et de la légèreté à des thèmes lourds, c’est l’une des [&#8230;]]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[		<div data-elementor-type="wp-post" data-elementor-id="267392" class="elementor elementor-267392" data-elementor-settings="{&quot;ha_cmc_init_switcher&quot;:&quot;no&quot;}">
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<p class="wp-block-paragraph"><strong>Transmettre des émotions profondes et apporter de la poésie et de la légèreté à des thèmes lourds, c’est l’une des approches de Moira Rosato et de sa compagnie Au-delà des mots… Pour son nouveau spectacle intitulé <em>Dans une autre vie…</em>, c’est la séparation qui sera explorée, comme deuil d’une vie et ouverture sur autre chose. Rencontre avec une artiste multidisciplinaire, sensible et engagée.</strong></p>

<p class="wp-block-paragraph">Texte et propos recueillis par Jeanne Moeschler</p>

<p class="wp-block-paragraph"><strong>La vie des autres… et la sienne</strong></p>
<p>Raconter la vie des gens qu’elle observait autour d’elle, voici ce qui remplaçait un habituel journal intime entre les mains de Moira Rosato. Elle écrivait depuis déjà des années sur des sujets divers et souvent sombres, tels que le suicide ou le viol, dont on ne parle pas ouvertement dans la société. Le passage du texte à la mise en scène s’est fait par son travail de maturité, en 2020, dans un premier spectacle intitulé <em>Au-delà des mots…</em>, afin de lier ses passions de la danse et de l’écriture dans un spectacle.<br />« Je souhaitais vraiment faire passer un message, et pour la première fois, mes textes ont été écoutés par un public. Quant à la danse, elle permet d’apporter une légèreté qui contrebalance les thématiques dures », explique l’autrice et danseuse.<br />Au fil des années, le projet s’est transformé en compagnie. À côté, Moira danse professionnellement et étudie à l’Université de Lausanne. Un emploi du temps chargé, qui s’additionne à celui de la quinzaine d’artistes avec qui elle travaille. Cela représente une grande part de travail, rendue plus légère par le soutien de sa famille et des artistes qui travaillent bénévolement avec elle. En riant, elle admet déléguer certaines tâches, mais en tant que « control freak », elle préfère jeter un œil sur tout : « comme ça si quelque chose se passe mal, je peux en vouloir qu’à moi-même ! »</p>
<p><strong>Des disciplines et des mots : une réconfortante légèreté</strong></p>
<p>Dans <em>Une autre vie…</em>, c’est le thème de la séparation qui est exploré – amoureuse, identitaire ou liée à la disparition d’un être cher. Un thème difficile, qu’elle souhaite aborder dans un espace bienveillant : « Ce genre de sujet peut faire peur, mais c’est un moment tellement beau. On se livre et le public se met en quelque sorte à nu aussi, car il est touché par ce qu’il ressent. »<br />Dans ce nouveau spectacle, Moira tente une approche encore plus personnelle : raconter un bout de son histoire, en transformant l’intime en universel. « Sur scène, j’ose plus, parce que je sais que ma place est là, et que les gens sont venus pour nous voir », confie Moira.<br />« Dans les deux premiers spectacles, j’avais écrit seulement sur la vie des autres. Ici, il y a des passages plus intimes, car c’est quelque chose que j’ai vécu, comme presque nous tous sous une certaine forme. »<br />Le spectacle se déploie entre un fil rouge et des tableaux déstructurés. « Dans la scène d’intro, on a glissé plein de petits détails, qui réapparaissent par clins d’œil, jusqu’au tableau final. » L’univers global oscille entre le hip-hop new style avec un brin de contemporain et de théâtre. Le cerceau, que Moira pratique depuis une quinzaine d’années, vient apporter apaisement et liberté, adoucissant la dureté des textes lus et teignant le sujet d’une certaine poésie : « À la place d’aller sous terre, je m’envole avec le cerceau pour représenter la mort », annonce Moira.</p>
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									<p style="text-align: right;"><em>Photo: Théo Collet</em></p>								</div>
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									<p><strong>Pas une fin en soi…</strong></p>
<p>Le titre <em>Dans une autre vie…</em> ouvre la séparation à un après, un au-delà. « On traite de sujets sombres, mais beaucoup de gens m’ont dit : <em>C’est fou, ça respire la vie même si vous parlez du deuil !</em>, explique l’artiste. C’est aussi le fait qu’on soit un groupe de jeunes qui donne de l’espoir : oui, on a vécu des choses dures, mais ensemble on peut les surmonter, et une séparation, ce n’est pas une fin en soi. »<br />Les points de suspension sont régulièrement utilisés par l’autrice pour donner l’idée qu’un après est toujours possible : « Que même si une histoire est terminée, elle continue de vivre en nous et à travers les souvenirs. Les trois petits points transmettent l’idée que dans une autre vie, une relation aurait pu se passer différemment, ou alors que notre séparation permet de découvrir autre chose et qu’on est mieux pas ensemble. Pour la séparation identitaire, ils montrent que pour certaines personnes trans, elles ont vraiment l’impression d’avoir deux vies séparées, l’une avant et l’autre après la transition. »</p>
<p>Le fait de parler de la disparition d’une personne permet d’en ranimer le souvenir.<br />« Moi, je trouve qu’on devrait toustes avoir une oreille attentive pour en parler, ça aide de discuter avec quelqu’un plutôt qu’avec un papier qui ne nous répond pas… Mais dans le deuil, il n’y a pas de mode d’emploi : des gens préfèrent vivre ça seuls, d’autres le raconter. Durant la préparation du spectacle, c’était pour beaucoup la première fois qu’ils pouvaient réévoquer des gens disparus, et ça a fait du bien. » Les souvenirs, c’est quelque chose que Moira aime matérialiser à travers des vidéos et des textes, afin de garder les personnes toujours quelque part.</p>
<p>Elle souhaite au public de venir avec un esprit critique et bienveillant, et de vivre pleinement ce moment :« Pour nous, c’est comme une thérapie d’être sur scène et, à la fin du spectacle, on aime parler avec les gens pour voir s’ils ont versé des larmes, ont aimé et se sentent en quelque sorte aussi allégés. »</p>
<p><strong>Dans une autre vie&#8230;<br /></strong>Samedi 8 novembre 2025 à 17h30 et 20h<br />Rubicube, Morges<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://eventfrog.ch/fr/p/groupes/dans-une-autre-vie-morges-7346969476208840344.html?fbclid=PAZXh0bgNhZW0CMTEAAafNdVcs-twfeNI-URyhdsFbh5izWi_hxF-FKiRFd_LpjSNQvZZr9tEcIoiJbw_aem_e5YSk8J_mbKlugN12E6yxA" target="_blank" rel="noopener nofollow">Lien billetterie</a></span></p>								</div>
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		<title>Faire troupeau – Un conte catastrophe plein d’amour au far° à Nyon</title>
		<link>https://www.l-agenda.ch/faire-troupeau-far-2025/</link>
		
		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Thu, 07 Aug 2025 11:57:34 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Festival]]></category>
		<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
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					<description><![CDATA[Ce soir, le festival far° à Nyon ouvre sa 41e édition. On pourra y découvrir notamment la pièce Faire troupeau, [&#8230;]]]></description>
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									<p><strong>Ce soir, le festival far° à Nyon ouvre sa 41<sup>e</sup> édition. On pourra y découvrir notamment la pièce <em>Faire troupeau</em>, écrite, mise en scène et jouée par Marion Thomas. Un spectacle à mi-chemin entre enquête scientifique, stand-up, film d’action raconté par un enfant, discours politique et speech motivationnel sur beauté de nos espèces humaines et animales.</strong></p>
<p><!-- /wp:paragraph --></p>
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<p>Texte de Katia Meylan</p>
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									<p>« Vous êtes là » ?, demande l’écran au public assis dans la pénombre. D’abord par texto et emojis interposés, puis en sortant timidement de derrière son buisson, Marion Thomas nous jauge, nous amadoue. Avec affection, elle s&rsquo;adresse au « troupeau » face à elle. Elle aspire à le rejoindre. Elle le questionne, l’enjoint à écouter son instinct social, ses élans de solidarité.</p>
<p>Dans sa propre peau, dans celle d’un mouton ou dans celle de Bruce Willis, la comédienne raconte. Des scénarios catastrophes à la <em>Armageddon</em>, des résultats d’enquêtes zoologiques et sociologiques, des histoires vraies de pouvoir et d’amour. Face à l’attaque d’une meute de loups, face à un tremblement de terre, à un ouragan, à la montée des eaux&#8230; Comment réagit l’individu ?</p>
<p>La pièce est immersive, presque participative&#8230; mais pour les moutons les plus craintifs, pas d’inquiétude à avoir : la participation se fait à l’intérieur. Très fortement, par les questions qu’elle soulève, par la conscience qu’à tout moment, elle nous fait prendre de nous-même en tant que public, en tant qu’animal, en temps qu’humain∙e, Marion Thomas nous rend partie intégrante de l’instant.</p>								</div>
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									<p style="text-align: right;"><em>Faire troupeau ©DR</em></p>								</div>
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									<p>Touchante comme une enfant sérieuse, cette claustrophobe au petit côté geek profite totalement du fait que des gens se soient assis là pour les prendre en otage durant une heure trente ! Et on se laisse bien volontiers embarquer dans ses passions et obsessions, ses recherches, ses questionnements et ses réflexions, livrées avec une bonne dose d’humour. On en ressort avec comme une fierté de faire partie du troupeau.</p>
<p><em>La pièce a pris sa source en 2023 grâce à une initiative du far°, dans le cadre de la toute première édition de <a href="https://far-nyon.ch/recits-du-futur-une-residence-de-recherche-et-creation/" target="_blank" rel="noopener nofollow"><span style="text-decoration: underline;">Récits du futur</span></a>, une résidence de recherche d’écriture et de création pour modifier nos imaginaires et réagir face aux crises environnementales. Elle a été coproduite par Le Grütli à Genève et La Grange à l’Université de Lausanne, ainsi que par plusieurs scènes françaises (de Nantes, Angers, Saint-Nazaire, Lyon et Paris).</em></p>
<p><strong>Faire troupeau</strong><br />Les 7 et 8 août 2025 à 21h<br />Festival far° &#8211; Usine à Gaz, Nyon<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://www.far-nyon.ch/spectacles/faire-troupeau/" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.far-nyon.ch/spectacles/faire-troupeau</a></span></p>
<p>Tout le programme du far°, du 7 au 16 août: <span style="text-decoration: underline;"><a href="https://far-nyon.ch/" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.far-nyon.ch</a></span></p>								</div>
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		<title>Les coupes budgétaires chantées en harmonie</title>
		<link>https://www.l-agenda.ch/la-grosse-deprime/</link>
		
		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Thu, 13 Mar 2025 14:05:39 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
		<category><![CDATA[#barbershop]]></category>
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		<category><![CDATA[#KatiaMeylan]]></category>
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					<description><![CDATA[Le Collectif moitié moitié moitié, dans sa pièce La Grosse déprime, s’attaque à un sujet d’angoisse pour nombre d’entre nous : [&#8230;]]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[		<div data-elementor-type="wp-post" data-elementor-id="254593" class="elementor elementor-254593" data-elementor-settings="{&quot;ha_cmc_init_switcher&quot;:&quot;no&quot;}">
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<p class="wp-block-paragraph"><strong>Le Collectif moitié moitié moitié, dans sa pièce <em>La Grosse déprime</em>, s’attaque à un sujet d’angoisse pour nombre d’entre nous : la dette publique. Pendant une heure trente, les quatre comédien∙ne∙s rient de leurs peurs en chantant les coupes budgétaires dans la santé et la culture sur du répertoire barbershop, dans une narration éclatée entre publique et intime. Conclusion : « La finance, c’est pas si chiant ».</strong></p>

<p class="wp-block-paragraph">Texte et propos recueillis par Katia Meylan</p>
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									<p>Personnellement, la dette publique, je n’y connais pas grand-chose, ça me fait un peu peur, et d’ailleurs, je me dis que même dans ce spectacle humoristique qui a pour but de vulgariser le sujet, il y a probablement des références que je n’ai pas saisies. Quelques jours après avoir vu la pièce au Casino Théâtre de Rolle, en rencontrant Matteo Prandi et Adrien Mani, deux des quatre membres du Collectif moitié moitié moitié, je leur demande : Est-ce qu’au départ, en choisissant de faire une pièce sur le thème des finances, vous aussi, vous avez été intimidé∙e∙s ? « Oui, et c’est précisément pour ça qu’on voulait faire ce spectacle », répond Matteo Prandi. </p>
<p>Après avoir abordé la montagne et le monde de l’entreprise dans ses deux premières pièces, le collectif formé de quatre comédien∙ne∙s diplômé∙e∙s de La Manufacture (Cécile Goussard, Adrien Mani, Matteo Prandi  et Marie Ripoll) prend le prétexte de son art pour se plonger dans la finance. Et c’est précisément ça aussi que raconte le spectacle : comment des gens normaux, en se renseignant, se débrouillent avec une matière dont on est parfois tenu∙e à l’écart par des discours technocratiques.</p>
<p><strong>Les guides</strong></p>
<p>Parmi les chaînes YouTube de vulgarisation, les ouvrages techniques, sociologiques ou littéraires potassés, le collectif choisit ses inspirations. « <em>Le ministère des contes publiques </em>de Sandra Lucbert, qui s’intéresse à ces questionnements du point de vue de la littérature, nous a conduit dans cette création », raconte Adrien Mani. « D’autres lectures nous ont influencé en termes de dramaturgie, par exemple <em>Grandeur et Décadence de </em>Liv Strömquist. Dans sa posture d’autrice de BD qui enquête sur des questions économiques, on a trouvé des correspondances avec ce qu’on avait envie de faire: une narration éclatée, qui glisse d’une situation à l’autre, d’un personnage à l’autre ». Et parmi ces personnages, le public croise souvent, ici ou là, les interprètes eux-mêmes.</p>
<p><strong>Chœur ouvert</strong></p>
<p>On témoigne notamment de leur penchant pour le chant, déjà adopté dans les créations précédentes. Si les deux premières empruntaient des morceaux existant, cette fois, les artistes se sont adressé∙e∙s au compositeur Lucien Rouiller et au chef de chœur François Renou, afin d’aborder un répertoire barbershop amusant et exigeant. « Chanter nous met dans une posture de fragilité, d’honnêteté constante avec le public : on peut pas tricher sur le fait que c’est pas notre métier de base », nous surprend Matteo. Rien ne nous l’aurait laissé deviner, et bien que l’on sente, en tant que spectatrice, un petit danger permanent qui guette le quatuor dans les harmonies serrées a cappella, l’écoute est très plaisante. Adrien confirme : « Moi, à chaque fois avant de commencer, je me dis « mais <em>pourquoi</em> est-ce qu’on chante dans ces spectacles ? Ça me stresse tellement ! Et en même temps, il y a un truc inexplicable qui se passe dans le fait de chanter à quatre, ça parle très fort de collaboration. Il faut s’écouter, se soutenir. C’est une mini-loupe sur notre manière collective de travailler. Et puis, c’est une manière de nous garder en jeu, ne jamais être supérieur à la pièce ».</p>								</div>
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									<p style="text-align: right;"><em>La Grosse déprime. Photos: ©Aurelia Thys</em></p>								</div>
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									<p>Un souhait d’honnêteté maximale, d’humilité, comme si les quatre artistes prenaient une sorte de malin plaisir au risque de pouvoir rater leur coup, tant dans le chant que dans leur travail d’artiste. Ils s’amusent d’une mauvaise réception imaginaire dans la presse, de leur situation à la fois précaire de comédien∙ne∙s, à la fois privilégiée de troupe soutenue par le système qu’elle remet en cause. « On ne peut pas – et on ne veut pas – s’extraire de la critique. On se prend comme partie du problème ».</p>
<p><strong>L’effet escompté</strong></p>
<p>Et quelle a été la tendance de ces réflexions politiques et économiques sur leur moral ? « En tout cas, ça n’a pas agravé notre déprime », sourit Adrien. « Cécile [<em>Goussard</em>] parle souvent du fait que oui, on est désespéré∙e∙s, mais dans le désespoir il y a de l’énergie ». Une énergie à la fois railleuse et joyeuse, mise au service de plusieurs francs moments de rigolade pour le public. « On espère que la pièce soit une sorte de gros shaker émotionnel. Pendant 1h30, on a une catharsis au sens premier du terme. On se moque, on rit de notre désespoir, et si à la fin, ça encourage certaines personnes à trouver légitime de s’intéresser à la vie publique comme ça nous a encouragé∙e∙s nous, ce sera gagné. »</p>
<p><strong>La Grosse déprime</strong><br />Par le Collectif moitié moitié moitié</p>
<p>Création au<a href="https://www.theatre-rolle.ch/programme/la-grosse-deprime/" target="_blank" rel="noopener nofollow"> Casino Théâtre de Rolle</a> du 26 février au 2 mars 2025</p>
<p>Tournée:</p>
<ul>
<li>Du 12 au 16 mars 2025<br /><a href="https://www.orientalvevey.ch/index.php?s=grosse_deprime&amp;id=257" target="_blank" rel="noopener nofollow">Théâtre Oriental-Vevey</a></li>
</ul>
<ul>
<li>Du 20 au 22 mars 2025<br /><a href="https://spot-sion.ch/spectacles/la-grosse-deprime/" target="_blank" rel="noopener nofollow">Le Spot, Sion</a></li>
</ul>
<ul>
<li>Du 27 au 31 mars 2025<br /><a href="https://clochardscelestes.com/project/la-grosse-deprime" target="_blank" rel="noopener nofollow">Les Clochards célestes, Lyon</a> (France)</li>
</ul>
<ul>
<li>Du 16 au 30 mai 2025<br /><a href="https://grutli.ch/spectacle/la-grosse-deprime" target="_blank" rel="noopener nofollow">Théâtre du Grütli, Genève</a></li>
</ul>
<ul>
<li>Du 16 au 21 septembre 2025<br /><a href="https://theatre221.ch/spectacle/648/la-grosse-d%C3%A9prime" target="_blank" rel="noopener nofollow">Théâtre 2.21</a>, Lausanne</li>
</ul>
<ul>
<li>Du 26 au 27 septembre 2025<br />ABC, La Chaux-de-Fonds</li>
<li>Le 3 octobre 2025<br /><a href="https://echandole.ch/spectacles/la-grosse-deprime/" target="_blank" rel="noopener nofollow">L&rsquo;Échandole</a>, Yverdon-les-Bains<br /><br /></li>
<li>Le 16 avril 2026<br />
<div class="div-block-8">
<div class="sous-titre"><a href="https://www.alambics.ch/evenements/la-grosse-deprime" target="_blank" rel="noopener nofollow">Les Alambics</a>, Martigny</div>
</div>
</li>
</ul>
<p>Site web du collectif : <a href="https://moitiemoitiemoitie.ch/" target="_blank" rel="noopener nofollow"><span style="text-decoration: underline;">moitiemoitiemoitie.ch</span></a></p>								</div>
				</div>
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					</div>
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			</item>
		<item>
		<title>« Le Dindon » genevois de Maryse Estier</title>
		<link>https://www.l-agenda.ch/le-dindon-maryse-estier/</link>
		
		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Tue, 18 Feb 2025 07:54:13 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
		<category><![CDATA[#carouge]]></category>
		<category><![CDATA[#comédie]]></category>
		<category><![CDATA[#EugénieRousak]]></category>
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					<description><![CDATA[Il la croise dans la rue et tombe éperdument amoureux, selon l’intrigue de Georges&#160;Feydeau. Durant huit jours, il la poursuit [&#8230;]]]></description>
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<p class="wp-block-paragraph"><strong>Il la croise dans la rue et tombe éperdument amoureux, selon l’intrigue de Georges&nbsp;Feydeau. Durant huit jours, il la poursuit jusqu’à s’introduire chez elle, se retrouvant nez à nez avec son vieil ami, Vatelin. Mais dans cette mise en scène, signée Maryse Estier, le séducteur Pontagnac arrive non pas dans le salon de Lucienne, mais dans sa salle de bain, à la Nicholson. S’ensuit une série de péripéties, tromperies, réconciliations, où réalité et rêve se confondent. Création faisant partie du cycle «&nbsp;Transmission&nbsp;», <em>Le Dindon</em> de George&nbsp;Feydeau est présenté au Théâtre de Carouge du 4 au 23 mars 2025. Elle est reprise ensuite sur la scène </strong><strong>du Théâtre Kléber-Méleau du 28 mars au 6 avril 2025.</strong><strong></strong></p>



<p class="wp-block-paragraph">Texte et propos recueillis par Eugénie Rousak</p>



<p class="wp-block-paragraph"></p>
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									<p>Comédienne à ses débuts dans le théâtre, Maryse Estier a progressivement glissé de l’autre côté du plateau, se spécialisant dans la mise en scène. Aujourd’hui, elle aborde les œuvres classiques, leur apposant un regard à la fois contemporain et onirique. Dans cette nouvelle création, elle resserre l’intrigue du <em>Dindon</em> de Georges Feydeau, en plaçant Lucienne, Vatelin et Pontagnac dans le paysage genevois. Échange avec Maryse Estier au Théâtre de Carouge.</p>								</div>
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									<p style="text-align: right;"><em>Maryse Estier, répétitions au Théâtre de Carouge. Photo: Marie Marcon</em></p>								</div>
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									<p><strong>L’Agenda : Dans vos dernières mises en scène, vous avez travaillé sur <em>Chaise </em>d’Edward Bond, <em>Marie Stuart</em> de Friedrich Schiller ou encore <em>La Dernière Nuit de Don Juan</em> d’Edmond Rostand. À présent vous abordez un classique de Georges Feydeau. Quel est le fil conducteur dans ces choix ? </strong></p>
<p><strong>Maryse Estier :</strong> Aussi inattendu que cela puisse paraître car les dramaturgies sont extrêmement différentes, je considère <em>Le Dindon </em>comme le troisième volet d’un cycle, qui a commencé en 2023 avec Friedrich Schiller et s’est poursuivi en 2024 avec Edmond Rostand. Bien que les époques et les genres de théâtre soient différents, ces œuvres s’articulent autour des rapports de possession, de séduction et de pouvoir, intimement entrelacés et mutuellement nourris. Dans le premier volet <em>Marie Stuart</em> il s’agissait de l’observation; dans le second, d’une déconstruction avec notamment un examen de conscience fait par Don Juan au terme de sa vie. Aujourd’hui, avec <em>Le Dindon</em> je vais au bout de cette recherche en poussant les situations jusqu’à l’invraisemblable, pour pouvoir enfin s’en libérer par le rire.</p>
<p><strong>Quelle est votre rapport avec</strong> <strong>George Feydeau ? </strong></p>
<p>Il est pour moi l’un des grands maîtres du rire. Les situations qu’il écrit sont en vérité terrifiantes et pourtant l’on rit ! C’est que c’est un rire qui fait du bien, un rire de soulagement, un rire qui fait se dégonfler tout ce qui nous faisait peur. Feydeau, avant de sombrer dans la maladie et la folie, avait découvert les premiers pas de Charlie Chaplin et il s’était mis en tête d’écrire pour lui. Comme Chaplin fait face aux bourreaux, Feydeau me permet d’affronter mes fantômes.</p>
<p><strong>Parmi l’ensemble des œuvres de Feydeau, pourquoi</strong> <strong>avez-vous décidé d’aborder </strong><strong><em>Le Dindon</em></strong><strong> précisément ?</strong></p>
<p>Cette pièce est épurée et actuelle. Dans mon travail d’adaptation, je n’ai gommé ou remplacé que quelques expressions un peu datées, laissant le texte de Feydeau pratiquement intact. C’est une grande œuvre avec une dimension résolument universelle qui nous met en rapport à notre humanité et parle à tout public. L’intrigue n’est pas socialement désuète et se prête aisément à une lecture en dehors de son époque. Si la société suit un modèle comportemental, le personnage de Pontagnac en est complètement en dehors. Par sa simple présence, il provoque un écaillement du vernis qui couvre ce cadre construit et mesuré, faisant ainsi ressortir les passions cachées, les pulsions contenues, les désirs refoulés, mais aussi les frustrations, les mensonges, les espoirs et les fantasmes. Tout.</p>								</div>
				</div>
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									<p><em>Répétitions au Théâtre de Carouge. Photo: Marie Marcon</em></p>								</div>
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									<p><strong>Vous avez mentionné n’avoir apporté que quelques modifications dans le texte, mais comment avez-vous abordé le reste de l’adaptation ?</strong></p>
<p>Une partie de l’adaptation a consisté à resserrer l’intrigue pour une question de durée, la version originale du spectacle durant près de trois heures. Ce travail ne se résume pas à s’emparer d’un texte classique pour raconter sa propre histoire, mais il consiste à se mettre en rapport avec l’écriture de l’auteur et faire des choix de mise en scène. Concrètement, en décidant de supprimer certains personnages ou de couper quelques scènes, d’autres gagnent en valeur et en importance. L’autre grande modification était la transposition de l’histoire à Genève. Feydeau a écrit <em>Le Dindon</em> à Paris, s’inspirant fortement des choses qu’il observait et des personnes qu’il fréquentait. Ainsi, nous avons par exemple modifié les noms des rues avec des références genevoise, ou encore transformé les sonorités marseillaises de Soldignac en un accent jurassien. En ce qui concerne la scénographie, je ne voulais pas faire une représentation historique ou ancrer la pièce dans une autre époque, mais plutôt travailler avec des anachronismes et des références, comme celle à <em>Shining</em>, par exemple. Au début, la pièce s’ouvre sur un espace épuré et très concret, qui tend, acte après acte, vers une abstraction. Cette évolution donne justement la sensation de plonger de plus en plus dans un rêve ou dans un cauchemar et pousse, au fur à mesure de la représentation, d’admettre des choses invraisemblables</p>
<p><strong>Pour l’adaptation, vous avez l’habitude de travailler avec</strong><strong> la comédienne </strong><strong>Clémence Longy et cette pièce ne fait pas exception. Comment cette collaboration se passe-t-elle ?</strong></p>
<p>Nous nous sommes rencontrées à l’ENSATT, l’École Nationale Supérieure des Arts et Techniques du Théâtre à Lyon, et nous avons directement eu un coup de foudre artistique. Depuis, Clémence a joué dans quasiment tous mes spectacles. Nous avons pris l’habitude de lire les textes ensemble et d’échanger autour des adaptations, nos visions se complétant parfaitement. Depuis que je me suis dirigée vers la mise en scène, j’ai pris du recul pour poser un regard dramaturgique sur l’ensemble du plateau, alors qu’elle, en tant que comédienne, reste physiquement sur la scène et vit les choses depuis l’intérieur. Ensemble, nous avons donc une perspective complète des deux côtés !</p>
<p><strong>En parlant du plateau. Initialement comédienne, vous ne jouez plus. Est-ce une décision temporaire ou un nouveau chapitre ?</strong></p>
<p>Je pense avoir trouvé ma place dans le théâtre et un rôle qui correspond à mes qualités. La question de la scène ne s’est donc plus posée pour moi. Quand j’ai découvert le théâtre en le lisant, je savais que j’allais en faire mon métier, mais à l’époque la seule option que j’imaginais en pensant à ce milieu était d’être comédienne. Ce n’est qu’en quittant le Conservatoire de Genève que j’ai commencé à faire des assistanats à la mise en scène. J’ai tout de suite trouvé fascinant de vivre les répétitions de l’intérieur, sans être sur scène. C’est comme rentrer dans la cuisine d’un grand chef, observer les associations des saveurs et les techniques de préparation. Et depuis ce moment, je n’ai plus du tout eu envie de jouer.</p>
<p><strong>Informations pratiques:</strong></p>
<p><strong>Le Dindon</strong></p>
<ul>
<li>Du 4 au 23 mars 2025 <br />Théâtre de Carouge<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://theatredecarouge.ch/spectacle/le-dindon/" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.theatredecarouge.ch</a></span></li>
<li>Du 28 mars au 6 avril 2025<br />Théâtre Kléber-Méleau, Renens<br /><a href="https://www.tkm.ch/representation/le-dindon/" target="_blank" rel="noopener nofollow"><span style="text-decoration: underline;">www.tkm.ch</span></a></li>
<li>Les 11 et 12 avril 2025<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="https://www.theatre-du-jura.ch/f/programme/detail/456-le-dindon" target="_blank" rel="noopener nofollow">Théâtre du Jura</a></span>, Delémont</li>
</ul>								</div>
				</div>
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					</div>
		</div>
					</div>
		</section>
				</div>
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			</item>
		<item>
		<title>Rencontre un peu timbrée avec un mini personnage de Shakespeare</title>
		<link>https://www.l-agenda.ch/moi-fleur-des-pois/</link>
		
		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Wed, 29 Jan 2025 13:20:40 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
		<category><![CDATA[#famille]]></category>
		<category><![CDATA[#gland]]></category>
		<category><![CDATA[#KatiaMeylan]]></category>
		<category><![CDATA[#lausanne]]></category>
		<category><![CDATA[#rencontre]]></category>
		<category><![CDATA[#seul-en-scène]]></category>
		<category><![CDATA[#shakespeare]]></category>
		<category><![CDATA[#théâtre]]></category>
		<guid isPermaLink="false">https://www.l-agenda.ch/?p=250884</guid>

					<description><![CDATA[Parmi les cotillons et les bouteilles à moitié vides, vestiges de trois mariages tout juste célébrés, surgit une fée. On [&#8230;]]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[		<div data-elementor-type="wp-post" data-elementor-id="250884" class="elementor elementor-250884" data-elementor-settings="{&quot;ha_cmc_init_switcher&quot;:&quot;no&quot;}">
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<p class="wp-block-paragraph"><strong>Parmi les cotillons et les bouteilles à moitié vides, vestiges de trois mariages tout juste célébrés, surgit une fée. On la regarde, elle nous regarde&#8230; Petit temps de latence qui, comme chez les enfants faussement timides, ne dure pas longtemps&nbsp;: l’heure qui suit est un tourbillon survolté entre rêve et réalité, entre frustration et joie intense partagées avec Fleur des Pois, ce petit personnage shakespearien oublié qui prend enfin sa revanche.</strong></p>



<p class="wp-block-paragraph">Texte et propos recueillis par Katia Meylan</p>
								</div>
				</div>
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									<p><em>Moi, Fleur des pois</em> est l’un des monologues d’une série de cinq spin-off théâtraux dans lesquels l’auteur britannique Tim Crouch donne la parole à cinq personnages secondaires de l’œuvre de Shakespeare. La jeune compagnie lausannoise <a href="https://labetehirsute.ch/" target="_blank" rel="noopener nofollow">La Bête Hirsute</a> s’est emparée du texte. Elle a présenté sa création sur les planches de la <a href="https://www.m-q-c.ch/" target="_blank" rel="noopener nofollow">Maison de Quartier de Chailly</a> la semaine dernière, et jouera ce vendredi 31 janvier et samedi 1<sup>er</sup> février au <a href="https://www.grand-champ.ch/" target="_blank" rel="noopener nofollow">Théâtre de Grand-Champ</a>. Nous avons eu l’occasion de rencontrer Alexandra Gentile, qui porte le projet et interprète le rôle de Fleur des pois, et Marie Brugière, qui l’a épaulée à la mise en scène.</p>
<p><strong>Petite, mais&#8230;</strong></p>
<p>Cela faisait depuis qu’elles avaient joué ensemble au Théâtre du Galpon en 2019 qu’Alexandra et Marie souhaitaient collaborer à nouveau. Gardant contact, elles s’échangeaient depuis des idées de texte, dont le recueil <em>Moi, Shakespeare</em>, que Marie avait découvert l’ENSATT de Lyon grâce à sa professeur Catherine Hargreaves, la traductrice des monologues en français. Elles décident alors de monter<em> Moi, Fleurs des pois</em>, qui avait tapé dans l’œil Alexandra. « J’ai tout de suite eu l&rsquo;image du personnage tout en bas de l’échelle, totalement invisibilisé, qui traverse plein de choses différentes par rapport à l’amour, à l’impuissance. J’ai senti que le personnage pouvait être une figure clownesque&#8230; et avoir une sacrée couche de connerie, aussi! ». Des ingrédients propices à l’expression de la comédienne, formée au théâtre à l’Accademia Teatro Dimitri.</p>
<p>Fleur des pois est certes petite, impuissante et totalement barrée mais, portée par la densité d’incarnation de l’interprète, elle rayonne d’un magnétisme fou. Elle profite d’avoir du public pour lui raconter – avec sa logique toute particulière – l’histoire du <em>Songe d’une nuit d’été,</em> lui faisant même jouer quelques-uns de ses collègues de personnages shakespeariens.</p>
<p>Ce qu’on a trouvé magnifique, ce sont les émotions pendues à un fil, toujours prêtes à basculer : ce que vit Fleur des pois est tragique, frustrant&#8230; pourtant, d’un instant à l’autre, elle troque allègrement le désespoir de ses mésaventures contre la satisfaction d’avoir un public à qui les raconter. « Jus de fleurs! Jus de fleurs!<em> &#8211; (Cette fois c’est moi qui fait!) </em>», jubile-t-elle de sa trouvaille théâtrale, qui consiste à lancer du papier crépon en guise de jus sur la spectatrice-Titania-Reine-des-fées – alors que ce jus est justement la cause ses malheurs. Oui&#8230; il faut suivre!</p>
<p><strong>Solo partagé</strong></p>
<p>Le public est intégré au spectacle de façon virtuose : parfois une réplique à dire, parfois une petite action à faire sur scène avant de retourner à sa place, un peu transformé·e. Alexandra-Fleur des pois leur offre un rôle qui ne peut pas rater, rigolo, qui met chacun·e en valeur un instant. Une célébration du théâtre propre à l’œuvre de Tim Crouch, que la compagnie a pris à bras-le-corps, nous explique Marie. « On a eu envie d’axer à fond sur l&rsquo;interaction, et que cette interaction ne soit pas anecdotique mais une vraie rencontre entre Fleur des pois et le public », ajoute Alexandra. « On veut en faire un partenaire de jeu, lui donner de la place, pas juste lui faire lire des répliques mais le coacher un peu dans l’interprétation. Le prendre au jeu du théâtre, en fait, qu’il puisse vivre ce que nous on vit en tant qu’interprète ! ».</p>
<p><strong>Un beau défi</strong></p>
<p>Le rôle est un sacré tour de force. « J’avais envie d’un gros challenge de jeu, et <em>Fleur des pois</em> est une partition hyper exigeante&#8230; qui me faisait un peu peur! », rit Alexandra. « La pièce mêle beaucoup de défis et de niveaux différents : un solo, un texte exigeant inspiré de Shakespeare avec des répliques lyriques et d’autres très décontractées, une partie physique, de l’impro, de l’adresse directe au public, la liberté de faire avec mes fulgurances de jeu et le nécessité d’être dans le présent ». Heureusement, la comédienne est entournée d’une équipe de choc, Marie Brugière à la co-mise en scène et Laurent Baier à la collaboration artistique, qui la coachent dans les différents registres et les ruptures.</p>
<p><strong>Pas de devoirs pour vendredi</strong></p>
<p>Faut-il lire <em>Le Songe d’une nuit d’été</em> avant de venir voir la pièce à Grand-Champ? Marie répond par une belle métaphore : « Le lien avec la pièce de Shakespeare est du même ordre que le lien qu’ont nos rêves avec la réalité. Le matin, en se réveillant, on essaie de retracer la raison pour laquelle on a rêvé de telle ou telle chose&#8230; Là, c’est pareil : si on connait <em>Le Songe</em>, on prendra plaisir à faire des liens, mais ce n’est pas nécessaire. Parfois, il n’y a pas de logique, mais on aura vécu le rêve avec la même intensité ».</p>
<p>L’intensité, de toute part, c’est ce qu’on retient de cette pièce. Ça, et le pouvoir de rébellion des petit·e·s, qui, quand on les laisse s’exprimer, nous emmènent un peu ailleurs.</p>
<p><strong>Moi, Fleur des pois</strong><br />De Tim Crouch<br />Tout public dès 8 ans (conseillé dès 10 ans)<br />Vendredi 31 janvier et samedi 1<sup>er</sup> février 2025 à 18h <br /><a href="https://www.grand-champ.ch/events/moi-fleur-des-pois/" target="_blank" rel="noopener nofollow">Théâtre de Grand-Champ</a>, Gland</p>
<p>Par la Cie La Bête Hirsute : <span style="text-decoration: underline;"><a href="http://www.labetehirsute.ch" rel="nofollow noopener" target="_blank">www.labetehirsute.ch</a></span></p>								</div>
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					<h5 class="elementor-heading-title elementor-size-default">Petit questionnaire de Proust</h5>				</div>
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									<p><strong>Qu’y a-t-il dans votre tête juste avant que le spectacle commence?</strong><br /><strong>Alexandra :</strong> Wow&#8230; J’ai envie de rire et pleurer en même temps, j’ai une sorte de joie et d’impatience de voir les gens, et j’ai hyper peur. Je suis comme ça : « hihi ! haha ! arghh! »<br /><strong>Marie :</strong> Moi je suis à la régie son, et quand le public arrive, j’essaie de sentir la salle. J’observe s’il y a beaucoup de monde, peu, s’il y a des enfants, des personnes âgées, s’ils se placent plutôt devant ou derrière, car je sais que ça va être important&#8230; Et au bout d’un moment, j’essaie de sentir quand ils sont prêts et quand je peux lancer le spectacle.</p>
<p><strong>Quelle est votre réplique préférée?</strong><br /><strong>Alexandra : </strong>«<em> Un sommeil aux jambes de plomb et aux ailes de chauve-souris s’empare du monde.</em> » C’est celle qui me&#8230; [<em>sourire ravi, sans finir sa phrase</em>].<br /><strong>Marie : </strong>J’aime bien quand Fleur des pois demande à quelqu’un dans le public « T’es dans mon rêve, toi ? ». Je trouve génial d’avoir la liberté d’écrire ça !</p>
<p><strong>Qui vous a le plus inspiré pour cette pièce?</strong><br /><strong>Alexandra : </strong>Olaf ?<br /><strong>Marie : </strong>Ah ouais, grave, Olaf. <br /><strong>Alexandra : </strong>Olaf, dans <em>La Reine des Neiges 2</em>, qui raconte <em>La Reine des Neiges 1. </em>Il est complètement barge.</p>								</div>
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		<title>Délier &#8211; Un voyage entre parole documentaire et poétique</title>
		<link>https://www.l-agenda.ch/delier-wave-bonardi/</link>
		
		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Thu, 16 Jan 2025 14:31:55 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
		<category><![CDATA[#documentaire]]></category>
		<category><![CDATA[#genève]]></category>
		<category><![CDATA[#interview]]></category>
		<category><![CDATA[#MarieButty]]></category>
		<category><![CDATA[#rencontre]]></category>
		<category><![CDATA[#théâtre]]></category>
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					<description><![CDATA[Déjouer le silence, c’est ce que nous propose Wave Bonardi dans son projet théâtral Délier porté par la compagnie La [&#8230;]]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[		<div data-elementor-type="wp-post" data-elementor-id="247377" class="elementor elementor-247377" data-elementor-settings="{&quot;ha_cmc_init_switcher&quot;:&quot;no&quot;}">
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<p class="wp-block-paragraph"><strong>Déjouer le silence, c’est ce que nous propose <a href="https://wavebonardi.ch/" target="_blank" rel="noopener nofollow">Wave Bonardi</a> dans son projet théâtral <em>Délier</em> porté par la compagnie La Houle. La pièce, qui se jouera du 5 au 8 février à l’<a href="https://mqj.ch/etincelle/" target="_blank" rel="noopener nofollow">Étincelle</a> à Genève, est basée sur des entretiens effectués auprès d’adultes survivant·e·s d’abus sexuels dans leur enfance. Elle se focalise sur « l&rsquo;après » et les impacts de tels vécus à travers une pluralité anonyme de témoignages afin d’en faire ressortir une perspective sociétale et politique. La parole est au cœur de la proposition artistique dans un ensemble qui se veut documentaire et poétique. Sortie de l’école Serge Martin en 2020, la comédienne, à qui l’on doit notamment <em>Signé Betty</em> en 2024 ou encore <em>L’embarras du choix</em> en 2023, met en lumière ici une thématique trop souvent passée sous silence avec douceur et bienveillance.</strong></p>

<p class="wp-block-paragraph">Texte et propos recueillis par Marie Butty</p>
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									<p><strong>Marie Butty : Qu’est-ce qui vous a fait choisir cette thématique?</strong></p>
<p><strong>Wave Bonardi :</strong> Le sujet des agressions sexuelles, et des agressions sexuelles sur mineurs m’intéresse et me touche depuis longtemps. Il y a quelques années, j’ai commencé à lire des études sur le sujet et prendre conscience de l’ampleur des chiffres qui sont réellement terrifiants ! En Occident nous parlons d’un enfant sur cinq, c’est-à-dire qu’autour de moi, dans ma rue ou potentiellement dans mon immeuble, il y a au moins un ou plusieurs enfants qui subissent cela. C’est un sujet qui commence à être visibilisé mais en comparaison de l’ampleur du phénomène, ça ne l’est pas du tout encore assez. Il s’agit vraiment d’une question de santé publique. Il y a les victimes directes, et les conséquences sur elles,  et il y également les victimes secondaires – l’entourage. Par exemple, une sœur qui sait que l’autre enfant est victime va intégrer une part de culpabilisation. Cela touche donc encore davantage de personnes que l’on croit. Ainsi, en 2021, j’ai commencé le projet en me plongeant dans la littérature scientifique et je me suis rendue compte que, outre les impacts sur la santé mentale qui semblent évidents, il y a également des impacts énormes sur la santé physique. Par exemple les maladies cardiovasculaires ou endocriniennes sont plus élevés chez les personnes survivantes que dans le reste de la population &#8211; sans parler du taux de suicide. Vient s’ajouter à cela la problématique juridique qui pose une grande question d’éthique. Comment faire justice d’un crime qui est l’un des plus graves, puisque l’impact sur la personne est énorme, mais qui ne laisse pas de preuve ? C’est extrêmement compliqué parce que la justice a besoin de preuves et qu’il n’y en a pratiquement jamais. Néanmoins, ce crime est sans preuve mais pas sans traces et c’est précisément cela qui m’intéresse. C’est par cette porte que je me suis enfilée dans le sujet.</p>
<p><strong>Pour monter la pièce, vous vous êtes basée sur des entretiens, donc directement sur la parole des victimes, pourquoi ce choix?</strong></p>
<p>Tout d’abord, je ne voulais pas me concentrer sur un seul témoignage puisque j’avais l’impression que, dans tout ce que je lisais, le témoignage d’une seule personne était systématiquement réduit à un récit individuel. Ce phénomène a pour effet de ne pas l’intégrer dans une question sociétale, de ne pas « dézoomer ». Aborder les conséquences à long terme et non les abus sexuels en eux même prend place dans une optique de mettre en lumière le vécu de ces survivant·e·s et ce qu’induisent ces crimes. De plus, je me suis dit que si je ne parlais pas des abus mais de leurs portées sur la vie, cela permettrait aussi aux spectateur·ice·s la rétention de ces récits. Il y a de la distance, c’est de la violence moins graphique et cela permet de ne pas court-circuiter le cerveau face à de la violence pure et beaucoup trop forte.</p>
<p><strong>Comment se sont passés les entretiens?</strong></p>
<p>Pour pouvoir recueillir cette parole documentaire, j’ai élaboré un questionnaire dans lequel je me suis concentrée sur les troubles du sommeil, le rapport à soi et aux autres, la vie affective et sexuelle, le rapport à la justice et finalement la santé physique. J’ai mis en place ce questionnaire avec une psychothérapeute FSP et ai ensuite fait un appel à témoins. Je l’ai déposé dans des associations destinées aux survivant·e·s d’agressions sexuelles, mais aussi dans les toilettes de bistrots et l’ai fait tourner par bouche-à-oreille. Cela a bien marché, sept personnes ont accepté de témoigner. Ce n’est pas rien, car rencontrer quelqu’un que l’on ne connaît pas pour parler de quelque chose de si intime et traumatique est extrêmement difficile. Puisqu’il s’agit de matière très chargée, j’envoyais le questionnaire deux semaines avant notre rendez-vous afin que les personnes ne soient pas prises de court et puissent choisir si elles avaient envie de répondre à telle ou telle questions. Ensuite je menais l’entretien au cabinet de la psychothérapeute. Elle était présente sur les lieux mais n’assistait pas directement à l’entretien. Elle se tenait à disposition à n’importe quel moment pendant et également dans les semaines qui suivaient notre entretien afin d’accompagner au mieux les personnes qui m’avaient fait confiance.</p>
<p><strong>Suite à cela, comment avez-vous fait pour sélectionner les parties que vous alliez intégrer à la pièce?</strong></p>
<p>Une fois les entretiens terminés, j’avais douze heures d’enregistrement. Choisir a été un long travail puisque j’avais envie de tout garder, tout est important! Cela a été difficile éthiquement de se dire qu’effectivement je devais sélectionner. Faire un montage de ces extraits constitue déjà une manipulation du récit. Pour moi c’était important d’être fidèle à leur parole et donner à entendre ce que ces personnes disent de leur parcours et non ce qu’on a envie de leur faire dire. Entre le silence au moment des faits et les mécanismes de silenciation qui prennent place ensuite, la parole à une place à part. Nommer c’est faire exister, c’est pourquoi la parole est au cœur de la proposition. J’avais également envie d’ajouter une deuxième parole – poétique cette fois – afin qu’il y ait une transcendance, une transformation par la parole également. J’ai donc écrit, sur la base des témoignages et de la documentation, cette partie poétique. Au départ, je me disais que ces deux paroles – documentaire et poétique – allaient se mêler, se mélanger. C’est ce que j’ai tenté de faire pendant la sortie de résidence au Centre Culturel des Grottes (GE), en janvier 2023. En reprenant cela quelques mois plus tard, j’ai eu le sentiment qu’en les mélangeant elles se diluaient : la parole documentaire perdait en force et la parole poétique de même. Il fallait ainsi trouver une autre façon de les mêler. J’ai donc décidé de faire deux parties : la parole documentaire en premier qui provoque et débouche sur la parole transformée.</p>								</div>
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									<p style="text-align: right;">Photo ci-dessus et photo de haut de page: <em>Délier </em>© Diana M Photography</p>								</div>
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									<p><strong>Était-ce difficile de créer quelque chose de beau à partir de cette matière traumatique ?</strong></p>
<p>Je ne sais pas si l’objectif en écrivant était de faire du beau mais effectivement, dans la démarche générale, il y avait la question de la manière avec laquelle les personnes se sont construites avec ce vécu, il y a donc un aspect de guérison et de résilience. Dans ce vécu il y a des choses qui peuvent être difficiles à entendre mais la beauté est déjà là-dedans. Il y avait également là une balance à faire, car oui, j’avais envie de parler d’espoir et de guérison, mais en même temps si je donne trop d’importance à cela, c’est comme si je disais: « Ah oui ben en fait tout le monde est guéri ! ». La transcendance et la force de raconter ces parcours-là est belle. Aussi parce que ce sont justement des récits de survie et de résilience qui peuvent parler à tout le monde. La lutte de ces personnes pour se réapproprier leurs corps et les parties d’elles-mêmes, c’est quelque chose qui peut toucher de manière générale car on n’a pas besoin d’avoir vécu une agression sexuelle pour avoir un rapport au corps compliqué. Avoir la souveraineté de soi-même est une chose qui parle à chacun∙e de nous. Je n’avais pas la beauté à proprement parler en tête, mais j’avais globalement envie de douceur avec ces récits et avec le public.</p>
<p><strong>Délier</strong><br />Du 5 au 8 février à 19h30<br />Théâtre de l’Étincelle, Maison du Quartier de la Jonction, Genève<br /><span style="text-decoration: underline;"><a href="http://www.lahoule.ch" target="_blank" rel="noopener nofollow">www.lahoule.ch</a></span> <br /><br /><br /></p>								</div>
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		<title>La Crise &#8211; Un vent de légèreté au Théâtre de Carouge </title>
		<link>https://www.l-agenda.ch/la-crise-theatre-de-carouge-tkm/</link>
		
		<dc:creator><![CDATA[blogcom]]></dc:creator>
		<pubDate>Sat, 14 Dec 2024 09:35:36 +0000</pubDate>
				<category><![CDATA[Humour]]></category>
		<category><![CDATA[Théâtre]]></category>
		<category><![CDATA[#carouge]]></category>
		<category><![CDATA[#Frida]]></category>
		<category><![CDATA[#humour]]></category>
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					<description><![CDATA[Adaptée du film de Coline Serreau datant de 1992 et mise en scène par Jean Liermier, La Crise nous fait [&#8230;]]]></description>
										<content:encoded><![CDATA[		<div data-elementor-type="wp-post" data-elementor-id="243197" class="elementor elementor-243197" data-elementor-settings="{&quot;ha_cmc_init_switcher&quot;:&quot;no&quot;}">
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<p class="wp-block-paragraph"><strong>Adaptée du film de Coline Serreau datant de 1992 et mise en scène par Jean Liermier, </strong><strong><em>La Crise</em></strong><strong> nous fait rire du début à la fin et trouve un écho en chacun∙e de nous.&nbsp;</strong>&nbsp;</p>



<p class="wp-block-paragraph">Texte de Frida&nbsp;</p>
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									<p><span data-contrast="auto">Un matin, Victor (Simon Romang) se réveille sans sa femme à ses côtés. Un mot laissé sur la table lui apprend que celle-ci l’a quitté. En arrivant au travail, son supérieur lui signifie son licenciement. Ces deux bouleversements, dont il ne comprend pas la cause, l’amènent progressivement à poser un regard plus lucide sur lui-même et le guident vers de subtils changements dans son comportement. Il sort de sa trajectoire égoïste pour s’ouvrir à celles et ceux qui l’entourent.</span><span data-ccp-props="{&quot;201341983&quot;:0,&quot;335551550&quot;:6,&quot;335551620&quot;:6,&quot;335559739&quot;:0,&quot;335559740&quot;:276}"> </span></p>
<p><span data-contrast="auto">Cette évolution n’est pas simpliste, elle s’opère grâce à des situations concrètes. La rencontre avec Michou (Romain Daroles), un individu perdu, gentil à l’excès, touchant et drôle à la fois, joue un rôle décisif dans sa transformation. Le développement de leur relation aide tant Victor à devenir plus sensible aux vicissitudes affectant ses proches, que Michou à s’ancrer et à construire davantage son futur. Les paradoxes et les défauts des protagonistes  sont certes mis en exergue dans cette pièce, mais sans jamais les condamner. Jean Liermier a choisi une pièce qui mêle profondeur et légèreté, et qui fait assurément du bien. Nous rions de situations de crise, de situations courantes et de personnages humains et faillibles. Nous nous reconnaissons dans ces protagonistes rempli∙e∙s de contradictions. </span><span data-ccp-props="{&quot;201341983&quot;:0,&quot;335551550&quot;:6,&quot;335551620&quot;:6,&quot;335559739&quot;:0,&quot;335559740&quot;:276}"> </span></p>								</div>
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									<p style="text-align: right;"><em>Photos: Carole Parodi</em></p>								</div>
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									<p><span data-contrast="auto">Huit comédien∙ne∙s interprètent une galerie de personnages – jusqu’à huit rôles différents, pour Baptiste Gilliéron ! – et jonglent avec les émotions. Les métamorphoses, appuyées visuellement par les perruques, les styles vestimentaires variés et la posture corporelle propre à chaque protagoniste, s’enchaînent sans un faux-pas. Le choix des acteur∙ice∙s est parfait, leur jeu étant extrêmement juste. Les nombreuses scènes se succèdent de manière fluide. La mise en scène insuffle dès le début un rythme à la pièce qui n’est jamais rompu. </span><span data-ccp-props="{&quot;201341983&quot;:0,&quot;335551550&quot;:6,&quot;335551620&quot;:6,&quot;335559739&quot;:0,&quot;335559740&quot;:276}"> </span></p>
<p><span data-contrast="auto">L’écriture de Coline Serreau reste d’actualité, évoquant des sujets tels que l’émancipation d’une mère, l’hypocrisie de certains hommes politiques ou l’écologie. Cependant, ce n’est jamais réalisé de manière dogmatique. L’autrice dépeint une société ébranlée mais qui ne se limite pas à cela. Les personnages, dans leurs incohérences et peut-être grâce à celles-ci, cherchent à dépasser leur état pour trouver davantage de sens. Et si nous pouvons éclater de rire à la vue de nos travers et de ceux de nos contemporain∙e∙s c’est que l’espoir n’est pas si loin.</span><span data-ccp-props="{&quot;201341983&quot;:0,&quot;335551550&quot;:6,&quot;335551620&quot;:6,&quot;335559739&quot;:0,&quot;335559740&quot;:276}"> </span></p>
<p><span data-contrast="auto">Les réactions du public montrent l’engouement que suscite cette pièce. Les applaudissements viennent ponctuer les délicieux échanges entre les comédien∙ne∙s. Nous pouvons notamment mentionner l’impeccable tirade de la sœur de Victor (Camille Figuereo) sur son choix d’habiter seule ou les performances téléphoniques de Michou qui tente de substituer, à sa diction brouillonne, un accent snob. À la fin de la représentation, nous n’avons pas vu passer les deux heures. Les commentaires fusent et autour de nous, le qualificatif « excellent » revient à maintes reprises. Plusieurs spectateur∙ice∙s ayant vu le film n’hésitent d’ailleurs pas à affirmer que l’adaptation de </span><i><span data-contrast="auto">La Crise</span></i><span data-contrast="auto"> réussit un pari difficile, celui de nous faire oublier les acteur∙ice∙s du long-métrage, qui incarnaient déjà magnifiquement les personnages. Ce sera sans doute l’une des meilleures pièces de théâtre de 2025 sur la scène romande. </span><span data-ccp-props="{&quot;201341983&quot;:0,&quot;335551550&quot;:6,&quot;335551620&quot;:6,&quot;335559739&quot;:0,&quot;335559740&quot;:276}"> </span></p>
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