Festival – L'Agenda

Menuhin, un guide – Gstaad, un ancrage

blogcom — Thu, 11 Jun 2026 11:16:02 +0000

La 70^e édition du Menuhin Festival Gstaad, qui aura lieu du 16 juillet au 5 septembre 2026, accueille un nouveau directeur artistique : Daniel Hope. Le violoniste britannico-sud-africain basé à Berlin ne sera pas dépaysé, car depuis tout jeune, ce n’est qu’à Gstaad qu’il peut se permettre de poser ses valises pour quelques semaines, chaque année.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan

Lors de la présentation de saison romande du Menuhin Festival Gstaad, où nous rencontrons chaque année une petite délégation de l’équipe du festival, les charmantes intonations suisse-alémaniques de l’ancien directeur Christoph Müller ont laissé place au non moins charmant accent britannique – teinté de berlinois – du nouvel intendant, Daniel Hope.

Après vingt-quatre ans à la direction du festival, Christoph Müller confie à Daniel Hope cette véritable institution estivale, qui compte non seulement une septantaine de concerts donnés par de grandes stars et des jeunes étoiles montantes, mais aussi un orchestre formé pour l’occasion et des académies destinées aux futur∙e∙s pros et aux amateur∙ice∙s. Le cycle thématique précédent, consacré au changement, s’étant terminé l’année dernière, Daniel Hope a eu carte blanche pour sa première programmation. « Ça a été à la fois une chance immense et une grande responsabilité… il y a eu beaucoup de travail ! », admet ce dernier. « Je ne vais pas réinventer le festival, mais faire en sorte que le monde en retombe amoureux ».

Ce qui perdure, ce qui change

Les plus attentif·ves auront remarqué que le nom du festival a légèrement changé, pour faire reprendre à Menuhin sa place d’honneur. « Je suis conscient qu’aujourd’hui les jeunes générations ne savent plus vraiment qui était Yehudi Menuhin. J’ai envie de prolonger sa mémoire, de rappeler qu’il était plus qu’un grand musicien », affirme avec affection Daniel Hope, dont la famille était très proche du fondateur du festival.

En effet, sa mère s’était vue confier un poste de secrétaire auprès de Menuhin, et le petit Daniel avait donc 3 ans lors de ses premiers souvenirs musicaux à l’Eglise de Saanen.

« Je ne vais pas réinventer le festival, mais faire en sorte que le monde en retombe amoureux ».

Daniel Hope à l’Église de Saanen. Photo: Raphael Faux
Photo de haut de page: Bailey Davidson

Parmi les nouveautés que Daniel Hope a souhaité intégrer à la programmation, un cycle de films. Se remémorant ses années de jeune cinéphile qui fréquentait le Ciné Théâtre de Gstaad, il a tenu à rendre hommage au lieu en y présentant une sélection de films musicaux et de documentaires en lien avec Menuhin.

Une autre nouveauté sera le forum The Summit, qui se tiendra du 24 au 26 juillet au Chalet Balthus. « Yehudi Menuhin me parlait dans les dernières années de sa vie d’un lieu où celles et ceux qui font la culture pourraient discuter de son avenir », se rappelle Daniel Hope. Cette première édition, qui affiche déjà les noms de Setsuko Klossowska de Rola, peintre et présidente d’honneur de la Fondation Balthus, ou de Clemens Trautmann, président de Deutsche Grammophon, réunira des acteurs et actrices de premier plan dans les domaines de la musique, du management culturel, des médias, de la technologie, de l’économie et des arts. « Les sujets seront variés, on traitera de musique mais aussi d’intelligence artificielle, de responsabilité culturelle, de dialogues entre les cultures et de nouvelles formes de transmission ». Daniel Hope promet des discussions chaleureuses, ouvertes au public, dans ce lieu qui avait hébergé, dès les années 70, le peintre Balthus et ses invité∙e∙s – notamment Yehudi Menuhin.

Prendre le temps – le nouveau luxe

À chaque édition du Menuhin Gstaad Festival ses grands noms et celle-ci ne déroge pas à la règle : Khatia Buniatishvili, Sir András Schiff, David Garret ou encore Vasily Petrenko figurent ainsi au programme, et le nouveau directeur est ravi d’accueillir ces artistes d’exception. Mais plus que d’élaborer LE programme idéal sur papier, ce qui intéresse surtout Daniel Hope, ce sont les envies exprimées, les idées et ce qui peut en découler de beau. « It’s all about being visceral artistic director », résume-t-il spontanément en anglais.

Et ce que lui souffle son intuition aujourd’hui, c’est que le monde change. Le luxe est partout, les moments se consomment rapidement. Lassé de ce rythme effréné, il confie : « Depuis tout jeune, Gstaad est le seul endroit du monde où je passe plusieurs semaines consécutives ! J’ai l’impression qu’ici, le rythme intérieur ralentit, on regarde autrement. Ce qui m’intéresse, c’est l’âme du lieu où l’on se trouve, les expériences artistiques et humaines, les liens que l’on crée ». En tant qu’artiste international voué à énormément se déplacer, il confie trouver sa Heimat, son sentiment d’appartenance, auprès de sa famille et dans la musique.

Family Matters

Dans cette optique, Daniel Hope a chaleureusement baptisé son édition inaugurale Family Matters, qui en français peut se traduire à la fois par « histoires de familles » et « la famille, ça compte ». La famille au sens large, donc, sera mise à l’honneur. Littéralement, comme dans le concert du 30 juillet, qui verra jouer le pianiste Simon Crawford-Phillips, son épouse la violoniste Malin Broman et leurs deux enfants Maya et Fabian Broman, ou dans des programmes comme celui du 22 juillet qui affiche des œuvres de Fanny et Félix Mendelssohn, et celui du 28 août qui fera entendre Gustav et Alma Mahler. Les styles, les sonorités et les instruments auront droit eux-aussi à leurs réunions de familles, notamment lors du concert caritatif du Del Gesù Club, dont les membres feront entendre leurs instruments ouvragés par le luthier Guarneri del Gesù.

David Garrett et son Del Gesù

Les envies tout à fait arbitraires de L’Agenda

Comment choisir parmi les 75 concerts du festival ? Peut-être en étant « viscéral » et en choisissant au coup de cœur, comme son directeur ! Le concert d’ouverture, lors duquel Daniel Hope dirigera « son » Orchestre de Chambre de Zürich avec le violoniste et altiste Pinchas Zukerman – qu’il connait depuis l’âge de 10 ans – nous attire par son côté affectif. Le concert Swing & Electro du 6 août au sommet de l’Eggli * parle à la danseuse qui est en nous, surtout pour se retrouver dans ce cadre à couper le souffle !

Le concert du 8 août, parce qu’on aime l’idée d’avoir instauré un label Ladies First, qui réunira ici la violoniste Bomsori Kim et la violoncelliste Jing Zhao avec l’orchestre du festival, le Gstaad Festival Orchestra. Le concert familial Pierre et le Loup le 30 août, aussi, pour notre âme d’enfant… et tant d’autres !

Gstaad Menuhin Festival
Du 16 juillet au 5 septembre 2026
Grande tente du festival et églises de la région
www.menuhin.ch/fr

Il était une fois… une fille, des ogres et des livres

blogcom — Fri, 29 May 2026 13:14:41 +0000

Pour sa 22^e édition, le festival de dessin PictoBello réunit des artistes autour du thème Il était une fois… L’occasion de revisiter le conte où les monstres ne sont pas ceux que l’on croit. Rencontre avec l’autrice et conteuse invitée Céline Cerny et l’artiste Max Jeann.

Texte et propos recueillis par Géraldine Desarzens
Illustration de haut de page: Max Jeann

Du 30 mai au 14 juin 2026, les 21 artistes s’inspireront du texte de Céline Cerny, une fiction aux allures de conte écrite pour l’occasion, afin d’aborder des problématiques actuelles. En collaboration avec le Festival de Littérature Jeunesse pour la première fois, PictoBello prend le pari de réinvestir le répertoire de contes traditionnels. Max Jeann est l’une des artistes invitées à participer cette année au festival de dessin. Entre satire et engagement, les univers des deux femmes se croiseront et donneront une nouvelle interprétation de notre imaginaire collectif.

Inclure et rassembler

Les sorcières, les monstres et les magiciens : tels sont les archétypes des contes traditionnels revisités cette année par PictoBello. La formulette il était une fois permet de s’adresser au grand public, aux jeunes générations comme aux plus âgés. L’autrice invitée Céline Cerny tient à cette dimension inclusive, qu’elle cherche à intégrer dans son activité de médiation à la Fondation Bibliomedia, qui œuvre pour la promotion de la lecture et le développement des bibliothèques de lecture publique : « il y a des publics qu’on ne voit jamais ou qui ne se sentent pas légitimes [dans les bibliothèques] », souligne-t-elle. « Il existe autant de barrages symboliques que réels, comme la mobilité réduite ou la difficulté avec la lecture. Mon métier de médiatrice consiste à accueillir tous ces publics ». Une inclusivité qui est l’essence-même de PictoBello, où les publics sont invités chaque année à découvrir des illustrations grand format dans les rues de Vevey. « J’adore l’idée du dispositif ouvert au grand public, de faire intervenir l’art dans la rue et de rassembler les artistes », se réjouit Céline Cerny.

Céline Cerny à Bibliomedia

La dimension de rassemblement réjouit également Max Jeann, l’une des 21 artistes invité∙e∙s cette année. C’est surtout « se sentir appartenir » qu’elle met en avant. Venant des arts visuels, l’artiste s’est distancée des galeries pour intégrer le milieu de la bande dessinée alternative, qu’elle décrit comme « plus convivial ». Un sentiment qu’elle va retrouver le samedi 30 mai, lorsqu’elle va participer à la journée dessin de PictoBello avec d’autres artistes.

Max Jeann

Des monstres pas comme les autres

Le conte est une manière de s’échapper de la réalité. Il est « un moyen de garder un peu d’enfance dans nos vies d’adultes », selon Max Jeann. Le rêve et l’imaginaire sont les sources de son univers graphique, peuplé de créatures fantasques et de situations étranges. Toutefois, le monde des contes est également rempli de monstres. Le thème est-il adéquat pour les jeunes publics ? Céline Cerny nuance : « les enfants ne sont pas dupes ». Elle affirme encore que la formulette il était une fois est « une manière poétique et rythmée de créer de la distance et devient la manière d’entrer dans le monde de l’imaginaire ».

Le travail de conteur∙euse revient à se réapproprier le conte traditionnel. Pour PictoBello, Céline Cerny va encore plus loin en se lançant le défi de l’inverser. Les ogres et les ogresses habitent son texte, mais ils sont dans les maisons et certains dirigent la ville. Tandis que ces monstres sont traditionnellement dans les forêts et représentent une menace extérieure, ils envahissent dorénavant les espaces intérieurs. Une référence subtile aux violences faites aux enfants : « parfois les ogres vivent dans nos maisons ». Un sujet tabou, mais de plus en plus discuté et médiatisé. La forêt et le monde sauvage deviennent alors le monde rêvé. La conteuse glisse également un clin d’œil à nos manières de consommer, lorsque les ogres dirigeants mangent des enfants « préparés », dont ils ne connaissent plus la provenance. Le sens critique est également recherché par Max Jeann, lorsqu’elle dit que son univers « est une quête existentielle ouvertement critique de nos sociétés ». Mais « avec poésie », ajoute-t-elle, « car je n’ai pas envie d’être trop sombre ».

Des femmes et des livres

Un autre point commun entre les deux femmes est la protagoniste féminine. La petite fille à la cage thoracique ouverte du conte créé par Céline Cerny et Pétrole, l’héroïne du premier roman graphique quasi-autobiographique de Max Jeann. L’univers de la seconde est peuplé de femmes fortes et dominantes, où l’homme est souvent effacé : est-ce là un souhait engagé ? « Plutôt la conséquence d’avoir grandi dans une famille de cinq sœurs », répond-elle le sourire en coin. Du côté de Céline Cerny, le système binaire n’est pas essentiel, bien que le personnage féminin conserve son importance. La conteuse se sent légitime à parler d’expériences de femmes : « j’aurais plus de difficulté à me mettre à la place d’un homme ». La femme est aussi centrale dans le dessin grand format qu’a créé Max Jeann pour la vitrine de la librairie La Fontaine à Vevey. L’artiste a imaginé deux héroïnes, qui portent des capes, et deux créatures à leurs côtés : les quatre sauvent les livres qui parsèment le dessin. Un moyen pour Max Jeann de faire honneur au livre, car « c’est l’objet qui va nous sauver ».

Planche tirée de la bande dessinée « Pétrole, pour une tranche de tarte » de Max Jeann

Illustration créée par Max Jeann pour la librairie de La Fontaine à Vevey

L’objet livre réunit les deux femmes, qu’il s’agisse de créer ou lire son contenu. Leurs univers seront à découvrir à PictoBello, du 30 mai au 14 juin 2026, où les contenus, fidèles aux contes traditionnels, seront positifs malgré les monstres. « Tant que le conte finit bien », conclut Céline Cerny.

PictoBello

Journée de dessins : samedi 30 mai 2026

De 10h à 18h : artistes à l’œuvre sur les panneaux de Vevey
18h : lecture et discussion avec Céline Cerny sous la Grenette
18h30 : vernissage public sous la Grenette

Du 30 mai au 14 juin 2026
Exposition en plein air des illustrations réalisées

Du 23 mai au 31 juillet 2026
Œuvre de Max Jeann dans la vitrine de la librairie La Fontaine dans le cadre des PictoExpos dans les commerces de Vevey

www.pictobello.ch/edition-2026/

Pictobello 2025 © Celine Michel

Une journée au festival Lavaux Classic

blogcom — Tue, 26 May 2026 17:06:34 +0000

Du 19 au 28 juin 2026, le festival Lavaux Classic s’immisce dans les paysages classés du Lavaux pour dessiner une constellation de lieux musicaux où se croisent les talents locaux, internationaux, émergents et confirmés. Entre concerts IN et rendez-vous OFF, le public se laissera charmer et surprendre au rythme d’une programmation exigeante, accessible et audacieuse. Directeur artistique depuis 2019, Guillaume Hersperger a imaginé chaque journée comme une immersion musicale complète.

Texte et propos recueillis par Marie-Sophie Péclard
Photo: Anne-Laure Lechat

Pour sa 26^e édition, le festival Lavaux Classic réunit à Cully plus de quatre-vingts artistes. Prenons par exemple la journée du 20 juin, qui propose huit rendez-vous musicaux répartis dans six lieux d’exception. Dès 10h30 et jusqu’au cœur de la nuit, les instruments se succèdent et les genres se répondent : balades musicales et récitals, cordes et claviers, œuvres classiques et folkloriques, rythmes populaires et improvisations composent une programmation aussi foisonnante qu’éclectique. Vous suivez le guide ?

Le IN, une traversée musicale

Le Quatuor Trapèze ouvre cette journée à 10h30 en accompagnant les balades musicales au cœur des vignobles d’œuvres classiques, folkloriques et populaires. Le festival propose trois itinéraires classés par niveau de difficulté et encadrés par des guides certifiés, pour découvrir toute la richesse de ces terrasses viticoles. Promeneur∙euse∙s et musicien∙ne∙s se retrouvent ensuite au Temple de Cully pour un dernier moment de partage musical.

C’est dans cette même église que se produira le jeune violoncelliste Lyam Chenaux. Pendant une heure (dès 13h30), le public pourra écouter et échanger avec le virtuose de 16 ans, révélé par l’émission « Prodiges ». Il sera succédé, à 18h, par le duo alto et piano formé pour l’occasion par Sarah Strohm et Lidija Bizjak. De Schubert à Chostakovitch en passant par Bach et Stravinski, les deux musiciennes offrent un véritable éventail d’émotions. La même exigence expressive guide le pianiste et improvisateur Jean-Baptiste Doulcet qui clôture le volet IN à 20h dans la salle Davel.

Jean-Baptiste Doulcet, improviser l’instant

Artiste multifacettes, le pianiste Jean-Baptiste Doulcet propose une parenthèse singulière et réjouissante dans laquelle le répertoire rencontre l’improvisation. Il nous explique la genèse du projet :

Jean-Baptiste Doulcet : J’ai rencontré Guillaume Hersperger lors d’un de mes concerts et il m’a proposé très vite de venir cette année. Ensuite, on a eu plusieurs échanges au téléphone. Il était très intéressé par cette fusion entre improvisation et répertoire, et c’est aussi ce que j’aime le plus. Cela permet de montrer au public deux facettes de ce que je fais et de proposer une expérience unique, dans le sens où elle n’est pas reproductible. Les gens sont très sensibles à cela. Il tenait à ce qu’il y ait de l’improvisation, mais pour le répertoire il était assez ouvert. Pour l’instant, je ne sais pas encore exactement comment je vais structurer le concert. Je le saurai probablement le jour même : est-ce que je fais d’abord du répertoire puis de l’improvisation ? Est-ce que je demande des idées au public ? Est-ce que j’improvise entre les œuvres ? J’aime bien cette idée de connivence avec le public, de le faire participer. Cela engage tout le monde dans l’écoute.

L’Agenda : Quand vous recevez des idées du public, qu’est-ce qui se passe concrètement dans votre esprit ?

Ça va très vite. Si quelqu’un me donne quelque chose d’abstrait, qui n’est pas musical, par exemple « le rouge », je vais essayer d’aller chercher ce que cela signifie pour moi. C’est forcément très subjectif. Mais même lorsqu’une idée n’a pas de représentation musicale tangible, chacun va projeter quelque chose dans la musique. Il y a des stéréotypes, des imaginaires personnels… L’idée, c’est de trouver un équilibre entre quelque chose de reconnaissable et ce que cela évoque en moi. Et je pense que les gens sont très attentifs à cela : comment l’artiste perçoit lui-même le thème proposé.

Il y a aussi une part de surprise…

Oui, exactement. Aller parfois à rebours des idées reçues. J’essaie surtout de ne pas me demander comment les gens perçoivent le rouge, mais plutôt comment, moi, je peux mettre de la musique sur cette idée.

Le concert s’organise autour du Carnaval de Vienne de Schumann et de la Ballade op. 24 de Grieg. Comment avez-vous choisi ces œuvres ?

Ce sont surtout des œuvres que j’aime beaucoup et que j’ai beaucoup jouées récemment. J’ai remarqué que Grieg, et plus largement la musique nordique, ont un impact énorme sur le public. Les gens y sont très sensibles. Et puis la Ballade n’est pas une œuvre qu’on entend si souvent, donc j’aime aussi cette idée de faire découvrir certaines pièces. C’est une musique très évocatrice, qui traverse tout un spectre d’émotions. Le Carnaval de Vienne, lui, est peut-être plus populaire, plus enjoué aussi. C’est une œuvre pleine de vitalité.

Donc si tout se passe bien… ce sera un moment joyeux.

Si tout se passe bien… oui !

Retrouvez ici l’entretien complet de Jean-Baptiste Doulcet

Le OFF en mouvement

Le Quatuor Trapèze, que l’on aura déjà rencontré dans le IN, est également au rendez-vous du OFF, avec une proposition de concerts itinérants dans le village du Cully, entre le Temple (12h), le bord du lac (16h) et l’ancien pressoir de la Maison Jaune (19h). Ne vous éloignez pas trop du lac où se succéderont entre 13h et 16h les lauréat∙e∙s du concours de piano Lavaux Classic. Le Léman se fait alors le théâtre d’une véritable Odyssée de piano, menée par une dizaine de pianistes de tous âges.

Le OFF vous invite ensuite à passer côté jardin, dans le décor poétique du Domaine Potterat. À 16h30, les jardins deviennent un lieu de passage où le Duo Transfiguration, se fait passeur du monde classique à la musique populaire d’Amérique Latine. Cette dernière trouve toute son expressivité dans le dernier concert de la journée, à 21h30. La chanteuse Dominique Hunziker présente son premier album Regresar, accompagnée de l’altiste Jacinta Balbontin Odi.

Duo Transfiguration, le voyage émotionnel

Pour le festival, la soprano Valentina Merlo et le pianiste Jean Hiron vous invitent à découvrir leur univers tissé de mélodies et de chants populaires sud-américains. L’occasion d’aller à la rencontre de ce duo formé en 2023.

L’Agenda : Qu’entendez-vous par « Transfiguration » ?

Jean Hiron : Il y a le voyage intérieur : permettre au public d’être traversé par des émotions que l’on propose musicalement, et que chacun reçoit différemment. Mais il y aussi le partage extérieur, on est souvent amené à faire chanter les gens ensemble. On apporte parfois des musiques qu’ils ne connaissent pas, mais aussi des morceaux familiers, parce qu’on trouve important de créer cette connexion. L’idée, c’est surtout de se mettre au service des gens.

Valentina Merlo : Pour moi, cela fonctionne beaucoup de manière instinctive. Bien sûr, quand on prépare un concert, il y a un répertoire, une idée principale, une histoire que l’on veut raconter. Mais ensuite, beaucoup de choses se passent dans l’intuition. Je me déplace beaucoup dans la salle, je vais vers les gens et peux ressentir l’état du public : est-ce que je peux les inviter à chanter avec moi, à applaudir, à faire des rythmes, parfois même à danser ? Ou est-ce qu’au contraire c’est un public plus calme, plus dans l’écoute ? Il y a toujours une ligne générale, mais il peut aussi se passer des choses magnifiques et spontanées.

J.H. : Après, cela dépend aussi du cadre. Pour le concert que nous jouerons au Lavaux Classic, il y a un programme établi. Mais pour d’autres concerts, notamment ceux du Cœur [ndrl : les Concerts du Cœur sont donnés notamment en EMS, en prison ou en hôpitaux pour des personnes ayant difficilement accès aux salles de concerts], on peut modifier le déroulé, ajouter une chanson plus entraînante que les gens connaissent afin de les reconnecter… C’est un équilibre qui dépend vraiment du public.

V.M. : C’était aussi l’une des idées de notre duo. Souvent, dans nos autres projets, nous acceptons un répertoire déjà défini. Ici, il s’agit vraiment de créer notre propre univers et de le partager avec les autres. C’est pour cela qu’on a choisi beaucoup de répertoire argentin, de musique latino-américaine, mais aussi des chansons françaises. Le duo nous offre l’opportunité de créer nos propres spectacles, ainsi qu’une grande liberté.

Pour ce concert au Lavaux Classic, vous avez choisi de puiser dans le répertoire populaire argentin, pour quelles raisons ?

Jean Hiron : Ce sont des cycles que nous avions déjà travaillés, notamment dans le cadre de mon master en accompagnement. J’ai ensuite reçu un prix de la Fondation Leenaards qui nous a permis d’enregistrer un disque qui devrait sortir à la fin de l’année. Ce concert reprend le programme du CD, dans son ordre original. Le cycle Edad del Asombro de Guastavino est à l’origine écrit pour chœur d’enfants, Valentina le chantait déjà quand elle était petite. C’est presque un classique des chœurs d’enfants là-bas. L’idée était donc d’en proposer un nouvel enregistrement, différent de ce qui existe déjà, et surtout de défendre cette musique que nous trouvons extrêmement poétique et magnifique.

Valentina Merlo : Ce que je trouve très beau chez Carlos Guastavino, c’est la simplicité de sa musique, et surtout la poésie de ces pièces. Elles parlent de la vie d’un enfant, de sa découverte du monde, et je trouve cela profondément beau. Même ici, les gens réagissent très bien à ce répertoire. Même sans comprendre l’espagnol, il y a une simplicité dans la musique qui fait que tout le monde peut y entrer. Après tout, nous avons tous été enfants. Cela nous amène aussi à nous demander comment retrouver cette innocence dans notre quotidien.

J.H. : Oui, retrouver cette innocence, cela rejoint complètement l’idée de transfiguration. Et ce qui est intéressant, c’est que ces textes sont d’une très grande simplicité dans leur expression artistique, mais en même temps l’écriture est remarquable. Il y a vraiment plusieurs niveaux de lecture, et c’est ce qu’on aime dans ces pièces : elles parlent à des publics très différents. C’est aussi le cas chez Ginastera : ce sont des chansons populaires, donc on garde cette dimension très accessible. Mais son écriture reste extrêmement reconnaissable. Ceux qui veulent aller dans l’analyse musicale peuvent le faire, mais ceux qui veulent simplement se laisser porter peuvent aussi profiter pleinement de la musique.

V.M.: Je crois que la musique latino-américaine a une force particulière. Comme la musique andalouse ou espagnole, que j’aime aussi beaucoup interpréter, elle a quelque chose de très terrestre, de très incarné. Elle invite à se laisser porter par les émotions.

J.H. : Et puis, dans le cadre de cette journée complète du 20 juin, le fait de terminer avec des chansons populaires permet aussi de faire le lien avec la suite du OFF, qui sera également autour d’un projet sud-américain. C’était l’idée de Martin Jollet : commencer avec un concert plus classique et aller progressivement vers quelque chose de plus populaire dans la soirée. Tout cela a vraiment été pensé comme un ensemble.

Retrouvez ici l’entretien complet du Duo Transfiguration

Que vous le parcouriez en marathonien∙ne ou en flâneur∙euse, le festival saura embrasser votre rythme et, au détour d’une balade ou d’un concert, vous initiez à ceux des nombreux∙ses artistes invité∙e∙s. Retrouvez la programmation complète sur le site du Lavaux Classic.

Lavaux Classic – 23^e édition
Du 19 au 28 juin 2026
Cully et alentours
www.lavauxclassic.ch

Festival EXPLORE DEMAIN – Du smartphone au fishbowl : quand le débat sort de scène

blogcom — Fri, 08 May 2026 11:08:05 +0000

Explore Demain
2-9 mai 2026
Genève
exploregeneve.ch

Vous avez dit « sobriété » ? Numérique, alimentaire, énergétique, alcool : ce sobre mot ouvre dans votre imaginaire un éventail de possibilités. Mardi, le festival Explore Demain abordait la question de la sobriété alimentaire lors d’une table ronde « Vivre mieux avec moins. Oui, mais comment ? ». L’occasion de rendre explicites les liens entre sobriété, bien-être et justice sociale, et réfléchir à ses propres modes de consommation. Une discussion modérée par le journaliste Jonas Schneiter, avec Patricia Bidaux, présidente d’AgriGenève, Sophie Buchs, directrice de Caritas, Thierry Gaudreau, directeur d’Energie et Écologie industrielle SIG, Virginie Keller, responsable du programme 1h par m2 et Nicolas Walder, conseiller d’État. L’échange était précédé d’un fishbowl sur la précarité alimentaire, avec Thierry Apothéloz, Maud Bonnet et Aïda Ostermann. Un format participatif où chacun·e peut prendre part à la discussion et agir concrètement sur ses pratiques de consommation.

La soirée s’est poursuivie avec une rencontre entre Camille Etienne et Thibaud Mabut. Le public était invité à participer tout au long de la rencontre via son smartphone : le panel recevait alors les questions et réponses aux sondages en direct. Le public a par exemple pu choisir les sujets de discussion, parmi les PFAS, le cadmium, la protection des fonds marins, ou encore l’extrême droite. Les fonds marins étaient particulièrement prisés. Camille Etienne a d’ailleurs insisté sur le rôle crucial de la Suisse dans la lutte contre l’exploitation des fonds marins. L’entreprise fribourgeoise Allseas, active dans les projets d’exploitation minière sous-marine, a notamment été pointée du doigt. En Suisse aussi, nos choix sont déterminants pour l’avenir de la biodiversité et la protection des océans.

À Explore Demain, le débat ne reste pas sur scène : il circule dans la salle, dans les téléphones, dans les échanges. Ateliers et tables rondes invitent à réfléchir ensemble aux actions à mettre en place à l’échelle individuelle, comme collective. Entre inquiétudes écologiques et envie d’agir, le festival continue de faire de la participation son moteur. Maintenant, place à la fête !

Deux soirées DJ set et concerts ont lieu ce week-end. L’occasion de découvrir les expositions « Parenthèses Arctiques », « Écoute Demain », et « Ma Suisse », si vous n’en avez pas encore eu l’occasion. Tous les événements sont gratuits et sans inscription.

Plus d’informations sur exploregeneve.ch

Explore Demain
2-9 mai 2026
Genève
https://exploregeneve.ch

La bande dessinée queer investit les marges

blogcom — Tue, 14 Apr 2026 08:13:54 +0000

Cette année, le festival BDFIL accueille Quel.le.x.s Combles !, une exposition dédiée à la bande dessinée queer underground, qui explore l’histoire entremêlée de la bande dessinée microéditée et des luttes LGBT. Entretien avec son curateur Joachim Guex.

Texte et propos recueillis par Géraldine Desarzens, le lundi 6 avril 2026

Parmi les 16 expositions à l’affiche de sa 20^e édition, le festival lausannois de bande dessinée invite les publics à la découverte de la bande dessinée queer… dans les attiques, un espace sous les toits et sans murs… À quoi va ressembler l’exposition Quel.le.x.s Combles ! qui aura lieu dans les combles de Pyxis ? Toute la réflexion est là : visibiliser les auteur·trice·s queer contemporain·e·s tout en imaginant des formats allant delà du cadre ou de la planche originale. Un travail qui reflète bien l’histoire de la queerness.

Une marginalité symbolique

L’installation de l’exposition dans les combles peut apparaître comme une métaphore évidente de l’ascension de la bande dessinée queer, qui passe de l’underground à une forme de reconnaissance institutionnelle. Une lecture que nuance toutefois Joachim Guex : « Les combles ne sont pas un espace neutre, mais marginal ». Pour lui, cette marginalité renvoie à une tolérance plus ambivalente de la société envers les personnes LGBT, qui s’est souvent accompagnée d’une assimilation aux normes hétérosexuelles. « On sort de l’underground mais on reste cantonné à un espace marginal, là où les objets prennent la poussière », observe-t-il. Quel comble, en effet !

L’héritage collectif des microéditions

Le projet d’un cycle d’expositions, qui commençait à Bruxelles en 2024 et se poursuivra en Allemagne en 2027, trouve son origine dans les recherches de Joachim Guex sur les revues de bandes dessinées underground queer des années 1980 aux États-Unis. Il y découvre une forte dimension collective : des auteur·trice·s qui se rassemblent, s’autoéditent et diffusent leurs œuvres engagées sous la forme de fanzines. « Le but premier de l’exposition était de réactiver cette expérience collective », souligne-t-il. L’objectif est double : « prolonger l’histoire de l’édition underground et inscrire les auteur·trice·s contemporain·e·s dans l’histoire de la bande dessinée ». Une manière aussi de rendre hommage aux pratiques de microédition et au militantisme queer.

Une esthétique avant un manifeste

« La légitimité de la queerness n’existe pas seulement à travers son oppression » insiste Joachim Guex. Si la queerness semble indissociable des luttes pour les droits LGBT, l’exposition choisit de ne pas défendre un agenda partisan précis. « Ma pratique curatoriale consiste à mélanger la bande dessinée et l’art contemporain », poursuit-il. Historiquement, l’art a constitué un espace d’expression essentiel pour les communautés queer. Faisant écho aux éditions underground, qui sortaient des sentiers battus et permettaient une plus grande liberté des formes et des propos, la queerness s’est développée artistiquement sous la forme d’une esthétique allant au-delà des normes. « La queerness a depuis longtemps utilisé l’art comme vecteur de parole, car c’était le seul moyen de se faire entendre », précise Joachim Guex. « Historiquement, le mot queer veut dire étrange. Les œuvres sélectionnées pour l’exposition sont queer dans leur manière d’appréhender le médium bande dessinée, autant dans leur propos que dans leur forme », revendique-t-il.

Maurane Mazars, Tanz !
Le Lombard, 2020

Nino Bulling, Firebugs
Edition Moderne & Colorama Print, 2022

Jill Pastore, Special Friendship
2024

Jano, Les Garçonnes
huile sur toile, 2023

Melek Zertal, Together
Colorama Print, 2020

Claudio Näf, I’m Your Buoy
2025

Œuvre de haut de page: Arthur Sevestre,The Waltz
animation, 2024

Des formes et des récits pluriels

Le public pourra ainsi découvrir les univers poétiques et discours hors-normes de dix auteur·trice·s suisses et de l’international : des courtepointes explorant la transition de genre et la crise climatique de Nino Bulling à une peinture grand format reprenant La Dragonne de Jano mettant en scène la sororité lesbienne, en passant par les animations à l’esthétique « camp » d’Arthur Sevestre et l’installation immersive de Maeva Rubli.

S’y ajoutent des planches originales de Claudio Näf, consacrées au deuil et des prints politiques de l’auteur libanais Joseph Kai qui évoquent à la fois le quotidien des personnes queer libanaises et les troubles géopolitiques. Michel Esselbrügge mobilisera un univers dystopique et futuriste à travers une installation immersive liée à sa bande dessinée numérique.

L’espace sous les toits inclura aussi des planches originales grand format des bandes dessinées Tanz ! de Maurane Mazars et Together de Melek Zertal, centrées sur des histoires d’amour homosexuel. Enfin, l’artiste Jill Pastore nous emmènera découvrir les chauves-souris, animal fondamentalement queer car marginalisé mais profondément lié à une communauté.

Autant d’artistes que d’œuvres intermédiales, qui traduisent bien la queerness et l’underground : la mise en lumière d’une scène éditoriale plurielle, qui revendique l’étrangeté comme moteur de création et entend bousculer les normes.

Quel.le.x.s Combles ! De l’underground à l’attic : la bd queer contemporaine
Du 27 avril au 10 mai 2026
Pyxis, Lausanne

Vernissage : 2 mai 2026 dès 11h

Visites guidées de l’exposition par le curateur : le 2 mai à 13h30 et le 9 mai à 11h

Pour en savoir plus : www.bdfil.ch

11 ans de magie pour le festival Histoire et Cité

blogcom — Wed, 18 Mar 2026 14:08:11 +0000

Lors de sa première mouture, le festival Histoire et Cité avait pour thématique « Construire la paix ». Alors que le monde s’embrase, ce premier thème garde hélas un caractère très actuel. L’accroche de 2026, « Comme par magie », nous emmène dans des univers moins géopolitiques mais tout aussi inspirants.

Texte et propos recueillis par Marc Duret

En un peu plus d’une décennie, le festival Histoire et Cité a connu une croissance continue. Bien du chemin a été accompli depuis l’édition de 2015, programmée en plein weekend de l’Ascension et dotée d’une affiche design mais fort peu lisible. Le festival s’est étendu d’année en année vers de nombreux sites en Suisse romande. Lancé par la Maison de l’Histoire de l’Université de Genève et d’abord sous-titré « Les rencontres de Genève », le voici présent à Lausanne, Fribourg, La Chaux-de-Fonds, Neuchâtel, Nyon, Prangins et en Valais. L’événement s’ouvre à de nouveaux horizons culturels chaque année. Les premiers thèmes très philosophiques (Construire la paix, Croire et faire croire, Être libre) ont peu à peu fait place à des intitulés plus ouverts : Histoire d’eaux, La peur, Voyages, Dans la rue, etc. Cette variété thématique a assurément contribué à sa renommée. Elle permet également d’inviter une plus grande diversité d’acteurs et d’actrices de la recherche et du monde culturel et, ainsi, d’attirer un public plus nombreux. Dans le même esprit, un programme (ou une journée) pédagogique à destination des élèves précède le festival dans certains lieux.

Claire-Lise Debluë, coordinatrice du volet lausannois du festival et du Laboratoire Histoire et Cité, a gentiment interrompu ses préparatifs pour nous parler de l’édition 2026 et de l’expansion du festival. Elle explique que la thématique de la magie était dans les esprits des organisateurs depuis quelques années : « La magie parle de manière directe à de nombreux publics et peut être interrogée de manière variée, loin de la seule question de l’illusionnisme. Le contexte contemporain est aussi marqué par des résurgences de plusieurs formes de magie ». Elle souligne également la grande importance du volet communication dans le travail des organisateurs, aidés par des spécialistes du domaine. Il s’agit de multiplier les angles et les canaux, d’autant plus dans le cadre de l’expansion géographique du festival. Celle-ci représente un défi stimulant et nécessaire selon Claire-Lise Debluë : « Le développement du festival à l’échelle romande lui donne un poids encore plus important dans le paysage culturel ».

Photo de haut de page et photo ci-dessus:
Histoire et Cité, édition 2025. © Noemi Renevey, Lyketil

De Raspoutine à la magie de la télévision, en passant par le Magicien d’Oz, les philtres d’amour et même la magie de la… finance, le programme 2026 est évidemment très riche. Les sorciers et sorcières, qui connaissent depuis quelques années un grand regain d’intérêt voire une forme de réhabilitation, seront bien sûr évoqué·e·s, qu’ils soient associés à la Renaissance, à des temps médiévaux ou à des époques plus reculées encore. Une fois n’est pas coutume, l’Antiquité se fait d’ailleurs une jolie place dans le menu. Tablettes de malédiction en plomb, « sorcières » célèbres telles que Circé ou encore gemmes et amulettes magiques composent, parmi d’autres, le paysage magique antique. Souvent mal vue, parfois interdite, la magie faisait également partie de la vie quotidienne d’une partie de la population d’il y a 2000 ans.

Cette forte présence de l’Antiquité ravit l’auteur de ces lignes, archéologue de son état, qui a eu plusieurs fois l’occasion d’apporter quelques petites pierres antiques à l’édifice Histoire et Cité.

Marc Duret guide le « Speed dating » avec une œuvre lors des afterworks du MAH (dans le cadre du festival), en 2023 sur le thème du garum, visible dans une fiole au premier plan (« Gare au garum »)

Les contributions personnelles ont débuté en 2018, avec une exposition sur l’eau dans l’Antiquité, avant de se poursuivre en mettant à l’honneur les arts de la table et la gastronomie des Romains (souvent avec l’association Nunc est Bibendum). Capture des autruches dans les régions reculées de l’Empire, pouvoirs gustatifs du fameux garum (une sauce de poisson), archéologie des lits ou, cette année encore, mystères des aliments magiques… La diversité des sujets abordés est grande. L’esprit Histoire et Cité encourage cette diversité et invite celles et ceux qui aiment transmettre leur passion au public (et pas uniquement dialoguer entre initié·e·s) à monter sur scène et à proposer des sujets originaux. Il faut relever l’importance de tels contextes, plutôt rares par ailleurs.

…et en 2024 sur une balance romaine (« Balance ton… quoi ? »)

Enfin, terminons en demandant à Claire-Lise Debluë si elle a un coup de cœur dans la programmation lausannoise : « Plusieurs, même ! Je citerai sans doute Stéphanie Peel, qui lie spiritisme et féminisme, ou Béatrice Delaurenti, qui viendra parler mauvais œil. Mais aussi Stéphane François, spécialiste de l’extrême droite culturelle, qui se penche sur le goût de celle-ci pour l’ésotérisme et la contre-culture. Un autre élément méritant d’être mis en avant : les nombreuses présentations d’étudiant·e·s au programme cette année. Enfin, rappelons que toute l’offre est gratuite ! »

Que vous soyez des fidèles ou que vous n’ayez encore jamais poussé les portes des lieux accueillant le festival, l’édition 2026 devrait sans doute vous donner de bonnes raisons de le faire. Abracadabra ?

Festival Histoire et Cité
Divers lieux en Suisse romande
Du 21 au 29 mars 2026
www.histoire-cite.ch/programme

Du corps à la toile, le Festival Artistink dévoile l’art sous toutes ses couleurs

blogcom — Sat, 14 Feb 2026 15:47:24 +0000

Art ancestral, souvenir, déclaration d’amour, affirmation de soi ou encore décoration corporelle, le tatouage se présente comme une œuvre d’art à part entière. C’est justement pour célébrer les formes artistiques en tous genres, dont le tatouage, que le festival Artistink investit Palexpo du 13 au 15 février. Pas moins de 250 artistes s’y produisent, du milieu de la peinture à celui de la sculpture, de la photographie aux décorations murales, des make-up artists aux tatoueur·se·s. Le tout dans une ambiance musicale et circassienne, entre DJ sets et shows acrobatiques.

Texte : Mélissa Henry

Concours Best of Art fusion, vendredi, sur la scène Artistink

Le tatouage, art corporel

En déambulant au milieu des stands répartis sur les 106’000 m² de la halle Palexpo, on capte immédiatement l’effervescence suscitée par la créativité artistique, qui se produit en live de toutes parts. Grosse pièce tatouée sur le dos prévue de longue date, tattoo “flash” (de petits tatouages) ou pièce moyenne demandée à l’improviste à son tatoueur ou sa tatoueuse favori·te, le festival ne manque pas de propositions. On peut même, en ce week-end de Saint Valentin, se faire tatouer un tatouage « matchy » – entendez, « assorti » – avec l’être aimé, amoureux·se ou meilleur·e ami·e.

Venu·e·s de Suisse, de Polynésie et même du Japon, les exposant·e·s de Palexpo transforment les stands en une multitude de salons de tatouage. Ces artistes renommé·e·s viennent avant tout partager un moment de convivialité inspirant, le temps d’un week-end. Car comme le souligne Luve Tattoo, « si c’est pour enchaîner les rendez-vous déjà fixés, autant rester dans son salon. Ce qui compte ici, ce sont les échanges, les partages ». Et la créativité de l’instant présent, transformant une envie, une idée, en une œuvre d’art indélébile.

Chaque stand se transforme en salon de tatouage

Cabinets de curiosités

D’autres artistes montrent leur talent en temps réel, maquillant le visage d’une passante, peignant un portrait, sculptant une œuvre à base de crânes stylisés, ou une bouche en papier mâché. Verre, acrylique, papier, acier, toutes les matières sont travaillées en des objets toujours atypiques, souvent inattendus. En témoigne le stand de Ruby Handmade Goods, artiste d’entomologie, qui donne vie à ces êtres de l’éphémère, des papillons aux coléoptères. C’est en héritant de sa grand-mère d’un cadre de spécimens de papillons que Ruby en a fait sa passion. Une façon pour elle de faire chatoyer les couleurs fascinantes de ces trésors qu’elle récupère d’anciennes collections ou d’actions de régulations. Ses créations uniques la font voyager et sont l’occasion de sensibiliser à la beauté et à la singularité de ces êtres minuscules.

Le stand de Ruby Handmade Goods

Une scène artistique éclectique

De l’infiniment petit au grandiose, de la terre aux mouvements aériens, il n’y a qu’un pas. Des shows rythment le temps du festival, de la pole dance au tissu aérien, en passant par la mère dragon et la danse en bulle géante, ou sur des échasses.

Des shows d’arts de la scène se tiennent tout au long du week-end

Et pour couronner le tout, des concours sur scène récompensent les meilleures pièces artistiques de la journée, sans distinction de genre. Avec Artistink, Sami El Ashram, lui-même artiste-tatoueur, réalise son rêve de toujours d’organiser, à Palexpo, un événement qui mette tous les secteurs d’arts au centre de la scène. Une occasion aussi de présenter « l’art de la scène comme une forme artistique à part entière », souligne l’organisateur de l’événement.

Dès sa première édition, le festival Artistink mêle et rassemble les artistes de tous styles, et promet de faire couler beaucoup d’encre dans les milieux créatifs.

Artisink
Du 13 au 15 février 2026
Palexpo, Genève
www.genevaartistink.com/programme/

Les Écotopiales 2025, rencontre entre le scientifique et le créatif

blogcom — Mon, 27 Oct 2025 08:25:11 +0000

Festival interdisciplinaire alliant science et créativité, Les Écotopiales est un événement ouvert à tous·tes qui met en avant l’imaginaire écologique et ses traces dans nos esprits et dans notre monde. Pendant deux jours, les 31 octobre et 1er novembre, le campus universitaire et la ville de Lausanne accueilleront de nombreux ateliers créatifs, projections de films et conférences scientifiques.

Texte et propos recueillis par Lucy Desarzens

Le festival propose des matinées scientifiques et des ateliers créatifs qui mettent en avant différents domaines artistiques tels que le cinéma, le dessin, le théâtre et l’Artivisme. Ces événements sont animés par des artistes et des scientifiques qui travaillent ensemble pour créer un espace accueillant et captivant permettant d’aborder l’écologie sous un angle nouveau.

Nous avons eu la chance de discuter avec Colin Pahlisch, chercheur à la Faculté des lettres et membre du Centre de Compétence en Durabilité (CDD). Il est le coordinateur général du festival les Écotopiales depuis sa première édition en 2024.

Nous lui avons posé quelques questions par rapport au festival, à l’importance des imaginaires écologiques ou encore sur la collaboration entre les scientifiques et les artistes.

Illustrations: Louis Loup Collet – Écotopiales 2024

Lucy Desarzens, pour L’Agenda : Comment est née l’idée de créer un événement qui renforce le lien entre la science et le créatif au sein de l’UNIL » ?

Colin Pahlisch : L’événement fondamental a été la création du Centre de la Durabilité en 2019. La même année, une centaine de chercheurs et de chercheuses se sont rassemblé∙e∙s dans une grande salle pour identifier quels étaient les champs à travailler prioritaires. Et le champ qui est sorti sur l’ensemble de ces chercheur∙euse∙s était celui des imaginaires. C’est à partir de là que la question des imaginaires a commencé à devenir insistante du côté du Centre de la Durabilité. L’idée des Écotopiales est de démocratiser cette question, pour encourager le plus grand nombre à se l’approprier et à créer collectivement. C’est pour cela que nous proposons des conférences scientifiques le matin et des ateliers de créations collaboratives l’après-midi. Ces ateliers s’appuient sur différents médiums artistiques pour créer de nouveaux univers imaginaires. L’idée est de passer un après-midi à semer les graines de nouveaux types d’histoires, qui pourront ensuite être cultivées à plus grande échelle. C’est ça la signature du festival.

Comment se construit concrètement une collaboration entre un∙e chercheur∙euse et un∙e artiste ?

Ce que je constate aujourd’hui c’est qu’il y a une sensibilité des chercheur∙euse∙s à l’égard des enjeux de la création, et des créateur∙ice∙s à l’égard des enjeux de la recherche. C’est un festival qui est vraiment coconstruit par les chercheur∙euse∙s de l’UNIL, le CCD et le SCMS (Service Culture et Médiation Scientifique). En fait le CCD s’occupe de la coordination générale, mais tous les événements de recherche-création sont coconçus par les chercheurs et les chercheuses. Dans le cas de l’atelier « L’Art Vivant Carnavalesque » sur l’Artivisme, par exemple, nous avons approché Monika Salzbrunn, Léonore Vuissoz et Raphaela von Weichs, pour construire avec elles un événement qui fasse sens dans leur projet de recherche, et dans la thématique du festival. C’est ensuite d’elles-mêmes qu’elles ont pris l’initiative d’inviter le comédien et artiste drag LEON LOVER.

L’idée est de tisser des collaborations au long cours, non seulement avec les services de médiation scientifique de l’UNIL, mais aussi avec la communauté de recherche de l’UNIL au sens large !

Illustrations: Louis Loup Collet – Écotopiales 2024 (2)

Quel est le rôle de l’imaginaire dans la transformation écologique — est-ce un outil, une forme de résistance, une manière plus attractive d’aborder le sujet ?

Un peu les trois, j’ai l’impression que ce sont un peu les trois. Une forme de résistance, ça c’est sûr. Je crois beaucoup à l’intuition de Castoriadis, un philosophe grec des années 70. Son livre L’institution Imaginaire de la Société montre à quel point les imaginaires sont incarnés par les personnes et les institutions, et peuvent constituer une force de changement. À condition qu’on laisse la place à ces imaginaires, mais surtout aux gens qui les cultivent. Qu’iels puissent découvrir d’autres formes possibles d’avenir écologique que celles que nous vendent actuellement le néolibéralisme et le capitalisme. Ensuite, les imaginaires sont un outil. On vit tous avec et par les imaginaires. Peut-être qu’un festival ayant pour but de mettre en lumière leur rôle aurait aussi pour fonction de nous conscientiser quant à la puissance de nos propres imaginaires et la place que ceux-ci occupent dans nos comportements.

Et est-ce que les imaginaires sont une manière plus facile d’accéder à la question écologique ? Oui, je pense. Mais évidemment, si on en reste aux imaginaires, on risque de ne pas pouvoir aller très loin. D’un côté, on a le pur imaginaire comme élan vers autre chose, et de l’autre côté l’exploitation des imaginaires comme maintien du statu quo. Les imaginaires sont un levier et une ressource, mais ils ne se suffisent pas à eux-mêmes. Je suis assez partisan de cette phrase de la sociologue Alice Canabate qui dit : « Pour transformer la société, il faut déjà être capable de l’imaginer ».

Que souhaitez-vous que les gens emportent avec eux après avoir participé à une journée du festival ou à un atelier ?

Des images, des expériences communes et peut-être l’étincelle d’un désir de changer le monde.

***

Pour finir, nous avons demandé à Colin Pahlisch ce qu’il conseillerait comme activités offertes lors du festival. Lors de la journée du vendredi, il recommande l’atelier d’écriture « L’allure des bêtes » ou l’atelier jeu de rôle « Rêver le vivant » qui ont eu des retours particulièrement positifs et transformateurs lors de la première édition. Le samedi, il attire l’attention des fans de bande-dessinées et d’arts graphiques sur l’atelier « Redessiner nos relations au vivant », offert par le dessinateur genevois Pierre Wazem, qui aura lieu à Plateforme 10.

La vingtaine de propositions qu’offrent les Écotopiales sur ces deux jours de festival seront autant d’espaces de créations et de réflexions collectives, nous ouvrant la porte vers un nouvel imaginaire écologique.

Les Écotopiales
Les 31 octobre et 1^er novembre 2025
Campus universitaire et Ville de Lausanne
https://wp.unil.ch/ecotopiales/

La bande dessinée indépendante, l’alien des éditions

blogcom — Thu, 23 Oct 2025 14:52:23 +0000

Pour sa deuxième édition, l’événement COMET, de son nom complet Comic Market, rassemble plus de 30 artistes indépendant.es suisses et internationaux∙ales au cœur de Lausanne le samedi 18 octobre 2025. Un événement annuel qui célèbre un pan de l’édition encore trop peu connu.

Texte et propos recueillis par Géraldine Desarzens

Des visiteurs∙e∙s enthousiastes sont regroupé∙e∙s devant l’entrée de la Maison Pyxis à Lausanne, qui accueille la deuxième édition de l’événement COMET. Autant dire que ce dernier a du succès : sa première édition en 2024 accueillait déjà près de 400 personnes. Événement créé par le collectif Le Château Turbulent, COMET est dédié à l’auto et à la microédition des œuvres de bande dessinée. Des artistes qui sortent des sentiers battus et créent une alternative à l’édition « classique ».

Marché local et inclusivité

Le collectif du Château Turbulent a été créé en 2020 et œuvre depuis à la promotion des artistes indépendant∙e∙s. « On est tous fans de bande dessinée et COMET était l’occasion de mettre en avant les artistes indépendants et les faire connaître auprès du public », décrit Julie Baechtold, membre du collectif. Être indépendant, c’est prendre en charge toute la chaîne de l’édition : imprimer et relier soi-même, mettre en vente, faire de la publicité. Toutes ces démarches chronophages permettent néanmoins une énorme liberté créative. La microédition est un bon entre-deux, car « dans un marché de la bande dessinée surchargé, dans lequel il est difficile d’obtenir un contrat chez un éditeur, elle accompagne l’artiste dans ses démarches tout en lui laissant sa liberté d’expression », confirme Julie Baechtold. Cette liberté réjouit beaucoup d’artistes dont les œuvres abordent des sujets tabous et adultes. C’est le cas de l’artiste Lia Kafka, qui vend ses bandes dessinées emplies de féminisme et de thèmes LGBTI. « L’édition est un marché impitoyable », confie-t-elle. Mais elle ajoute : « COMET est le genre d’événement qui sert à se démarquer et se mettre en valeur. C’est un petit boost à l’ego qui fait du bien »

Fichier PDF et fanzine : quand la bande dessinée se pérennise

Une exposition dédiée aux webcomics occupait le deuxième étage de la Maison Pyxis. Le webcomic est une autre couche de la bande dessinée indépendante, encore moins connue du public. L’exposition a le but de visibiliser les auteur∙trice∙s qui vendent leurs œuvres en format PDF. Bien qu’il rompe avec l’impression sur papier, le webcomic devient un autre support créatif avec des possibilités interactives, en ajoutant par exemple des sons aux images ou en animant les dessins. Instagram est une plateforme privilégiée de diffusion de ce genre de bandes dessinées. Le réseau social permet d’atteindre un large public international. Mais une telle démarche a ses limites : « La notion d’original disparaît sur le digital, comme me disait un professeur de l’École de dessin et d’animation Emile Cohl à Lyon », se souvient Julie Baechtold. Elle poursuit : « Pour beaucoup d’auteur∙es, la publication matérielle ramène la valeur de l’original et leur permet de reprendre contrôle de leur style ». Un sentiment partagé par Cédric Weidmann, étudiant à Ceruleum, école d’illustration et d’animation à Lausanne : « Le côté artisanal et matériel donne plus de valeur à l’objet ». Une valeur non seulement mercantile, mais également une clé de réussite. L’objet livre demeure un objectif pour les artistes : « Instagram est très fermé en termes d’algorithme, la politique Meta est compliquée alors que l’autoédition donne une plus grande liberté créatrice », confirme Lia Kafka. Il faut se soumettre aux règles de contenus jugés illicites et aux algorithmes, qui freinent la créativité de certain∙e∙s artistes. Digitale ou pas, la bande dessinée indépendante se fait connaître. « COMET est un moyen de rendre les œuvres digitales plus tangibles aux yeux du grand public et de renforcer des contacts hors des réseaux », conclut Julie Baechtold.

En plus de l’exposition, trois ateliers sont venus rythmer le programme de la journée COMET : la reliure avec l’artiste Lydie Dramah, la risographie – technique d’impression japonaise qui donne à ses tirages un effet décalé et est favorisée tant par son prix abordable que par son style underground – avec le Bureau Culturel et la création de fanzine avec la Fanzinothèque Genevoise. De telles activités encouragent non seulement la promotion de la bande dessinée indépendante – digitale ou tangible – mais aussi sa pérennisation. COMET redonnera rendez-vous aux amateur∙ice∙s de bande dessinée en 2026.

www.comet-comicmarket.ch

Les Rencontres Musicales Homay – Un oiseau de bonheur dans le Lavaux

blogcom — Thu, 16 Oct 2025 10:09:08 +0000

Animée par l’ouverture d’esprit de la paroisse de Bourg-en-Lavaux, qui a choisi « une femme d’origine iranienne de confession non protestante en tant qu’organiste titulaire », la pianiste Layla Ramezan a fondé dans la région les Rencontres Musicales Homay. Après une première édition réussie en 2023, le festival rassemblera du 7 au 9 novembre prochain des musicien∙ne∙s de haut vol dans trois dialogues intimistes, qui traverseront les cultures et les siècles.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan

L’ouverture comme une évidence

C’est un peu l’histoire de sa vie que joue Layla Ramezan dans ses projets artistiques. Assises à une terrasse à Ouchy, elle nous raconte que son parcours l’a poussée à s’ouvrir constamment à la découverte. « Quand j’étais petite, en Iran, il n’y avait pas de conservatoire, la musique s’étudiait en cachette. Mon professeur de piano était un compositeur et moi, en tant qu’enfant qui n’avait pas encore la culture de la musique classique, j’ai joué autant ses compositions à lui que Bach et Beethoven, sans préjugés. Sans m’en rendre compte, je baignais dès le départ dans une ambiance de création ». En 2000, à 17 ans, Layla Ramezan quitte Téhéran. Faute de visa pour les États-Unis, où s’en vont la plupart de ses connaissances, elle choisira d’étudier à l’École Normale de Musique de Paris, avant de venir s’établir en Suisse, huit ans plus tard. « J’ai vécu la première moitié de ma vie en Iran, et en arrivant en Europe, j’ai dû m’ouvrir, m’intéresser, m’adapter. Je suis un mélange de culture et j’ai été inspirée tant par l’une que par l’autre. »

Layla Ramezan lors de notre rencontre à Lausanne, septembre 25

Façonnées à son image, les Rencontres Musicales Homay aspirent donc à faire dialoguer les traditions musicales, à laisser les artistes trouver leur espace de liberté et d’expression. « Le monde parait très grand, chaque culture a ses racines mais les limites sont fines. Je pense que l’on ne trouve vraiment son identité que lorsqu’on enlève les barrières, lorsqu’on parle une langue universelle. C’est à ce moment-là que nous sommes le plus proches de nous-mêmes. », prêche Layla de sa voix douce.

Des artistes en phase

Cette année, les trois concerts au programme, faisant la part belle à la création, seront liés par les thématiques de la terre et du folklore. Ils prendront place dans le cadre intimiste de différents lieux de culte de Cully et Villette, et offriront la possibilité au public de partager un verre de l’amitié au cœur des vignes avec des artistes de renommée internationale.

Les Rencontres Musicales Homay 2023. Photo: Loan Nguyen

Le samedi 8 novembre à 20h au Temple de Cully, le compositeur Blaise Ubaldini, co-fondateur des Rencontres Musicales Homay, fera interagir en live ses improvisations électroniques et ses textes inspirés par la région au Lavaux avec des œuvres de Couperin, Bartók ou encore Liszt, jouées par Cédric Pescia au piano. Le dimanche 9 novembre à 17h à l’église Catholique de Cully, le contrebassiste Renaud Garcia‑Fons et la luthiste Claire Antonini, pointures du monde baroque, dialogueront entre musique du 17^e siècle, jazz et musique orientale.

Untold Stories

Un rendez-vous très particulier sera celui du vendredi 7 novembre à 20h au Temple de Villette. Ce concert intitulé « Untold stories » propose un programme rarement – voire jamais – entendu dans la région. Pour ce concert, Layla Ramezan s’est entourée de la compositrice et multi-instrumentiste américaine Kaley Lane Eaton et de son compagnon Rian Souleles, Grec d’origine et joueur de bouzouki. Leur programme, élaboré à trois, réunira la musique contemporaine expérimentale, celle de compositeurs afro-américains ainsi que la folk rurale de Kaley Lane Eaton, inspirée par Björk ou Kate Bush.

« J’ai rencontré une Amérique extrêmement ouverte à d’autres cultures, que malheureusement on a tendance à oublier, en ces temps de troubles politiques ».

Ce trio inattendu s’était rencontré en avril 2024, lors d’une tournée de Layla Ramezan aux États-Unis. « Ce voyage m’avait fait découvrir les USA », témoigne Layla. « Le public, la diversité musicale, les compositeurs : tout était pour moi une immense découverte. J’étais familiarisée avec la musique contemporaine américaine, avec les ‘extended techniques’ des compositeurs comme John Cage et George Crump, mais je ne connaissais pas du tout le répertoire afro-américain, par exemple. Il y a un tel amour dans ces traditions, un tel mysticisme ! » s’émerveille-t-elle à nous raconter. « Là-bas, j’ai aussi été très surprise par la réceptivité du public à ce que je proposais. J’ai rencontré une Amérique extrêmement ouverte sur d’autres cultures, que malheureusement on a tendance à oublier, en ces temps de troubles politiques. Ça fait partie de notre travail, nous les artistes, de montrer que d’autres réalités existent ». Ainsi, durant sa résidence, Layla rencontre Kaley Lane Eaton et l’idée d’un projet commun émerge. « Kaley elle a tout de suite été très enthousiaste à l’idée de venir en Suisse partager son amour pour son pays, au-delà des préjugés et d’une situation politique qui la fait souffrir ». À Villette, le duo folk formé par Kaley Lane Eaton et Rian Souleles partagera la scène avec Layla Ramezan, dans des arrangements créés spécialement pour voix, banjo, bouzouki et piano.

Comme un oiseau de bonne augure, le festival étendra ses ailes de paix sur le Lavaux.

Les Rencontres Musicales Homay
Du 7 au 9 novembre 2025
Cully et Villette, Bourg-en-Lavaux
www.homay.ch/festival

Billetterie: www.monbillet.ch

100 ans de musique iranienne pour piano

Un autre projet personnel qui occupe Layla Ramezan depuis maintenant 10 ans est sa recherche de répertoire perse inédit pour piano. Sur 4 albums de prévus au total, 2 sont déjà sortis. Le 3^e opus, qu’elle enregistrera en décembre, présentera une commande à deux jeunes compositeur∙ice∙s d’après La Conférence des oiseaux, une œuvre de littérature mondiale du poète soufi Farid al-Din Attar. Pour enrichir le voyage, Layla a récolté des sons de Téhéran, leur ville natale à tous les trois, qui se feront entendre dans l’album.

www.laylaramezan.com

Les Créatives 2025, entre déconstruction et reconstruction

blogcom — Fri, 10 Oct 2025 13:55:53 +0000

Radicales et militantes, Les Créatives reviennent pour une 21^e édition du 18 au 30 novembre prochain. Dans un climat au machisme croissant, le rendez-vous féministe impose sa place et son importance avec une programmation qui, comme depuis 20 ans, met en avant et valorise les créations et les luttes de minorités. Le dévoilement de cette édition était bien loin des conventions – à l’image du festival.

Catherine Rohrbach

Le 7 octobre dernier, Les Créatives ont invité journalistes et partenaires à se rassembler aux Bains des Pâquis, à Genève, pour annoncer la nouvelle programmation. Auprès d’une yourte, l’effervescence est palpable. C’est là, face au lac, que les organisatrices dévoileront leur manifeste 2025. À l’intérieur, une exposition a été créée pour l’occasion. On y déambule et découvre, sur des écrans et des affiches, les événements qui militeront dans le canton de Genève en novembre. Chaque panneau contient un code QR avec un coup de cœur de l’équipe. Chaque coup de cœur montre une direction résolument combative et pleine d’amour – au sens politique du terme, théorisé par la militante féministe Bell Hooks. Pour mettre en avant les artistes, un jeu participatif a également été créé : des cartes avec une description devant être reliées à l’artiste en question. Une belle façon de valoriser et de se familiariser avec les valeurs du festival. Sous la tente, une playlist se mêle aux échanges et fait résonner les artistes musicales qui joueront sur les scènes genevoises.

Bien que le lancement de la programmation ne soit pas une traditionnelle conférence de presse, les co-directrices Ermela Haile et Nevena Puljic ont tout de même donné un discours soulignant l’urgence des luttes féministes dans une société où fascisme et masculinisme prennent de plus en plus de place. La création artistique et culturelle devient ainsi une importante arme de déconstruction et la visibilité des voix minoritaires nécessaire à l’édification d’un monde plus juste. Rien de tel qu’un festival artistique et féministe pour bousculer le status quo. Le lancement de la programmation se termine avec un concert de l’artiste F月G qui incarne les valeurs du festival, avec une musique électronique douce et puissante à la fois, un thérémine et des textes multilingues engagés contre les violences sexuelles ou encore pour Gaza.

Au cœur de la programmation 2025, les thèmes de la construction – à l’image de leur affiche – du lien et de la collectivité tissent et rassemblent la quarantaine d’événements proposés : expositions, tables rondes, ateliers, performances, concerts et fêtes. En effet, si la culture permet la déconstruction de discours patriarcaux, elle est également au centre de la reconstruction collective. C’est la diversité des médiums et la pluridisciplinarité qui font la force du festival. Les conversations nécessaires qui s’entrelacent avec des performances artistiques et permettent ainsi de donner la parole aux identités délaissées par les politiques.

Le rugissement des Créatives se fera entendre tant qu’il le faudra, du 18 au 30 novembre 2025 et au-delà.

Parmi les noms à ne pas manquer, on retrouve notamment le collectif radical et punk Draga – Ô Guérillères, la poétesse états-unienne Aja Monet, les chanteuses Oklou, Nnavy, Uche Yara ou encore la journaliste Victoire Tuaillon, créatrice du podcast Le cœur sur la table, et le Kitsch Comedy.

La programmation complète est à découvrir sur www.lescreatives.ch

Aja Monet

Nnavy

Victoire Tuaillon

Marcin Zdunik – La beauté dans la simplicité

blogcom — Mon, 29 Sep 2025 10:01:15 +0000

À quelques semaines de sa venue au Festival Chopin Genève, pour lequel il jouera en concert de clôture avec la violoniste Olivia Vilmart-Jacobson et le pianiste Pawel Mazurkiewicz, le violoncelliste Marcin Zdunik nous a accordé une interview en direct de Varsovie.

Propos recueillis et traduits par Katia Meylan

C’est un Marcin Zdunik en mouvement que nous rencontrons à l’autre bout du fil, mi-septembre. Arpentant la pièce, tout sourire, il nous confie qu’il vient de terminer la composition d’un oratorio de 45 minutes pour deux chœurs et orchestre, livré – juste à temps – à l’institution commanditaire. Avant sa venue à Genève, il devait penser ensuite au Concerto pour violoncelle en la mineur de Schumann, qu’il jouait deux jours plus tard avec le Cavatina Philharmonic Orchestra. Une vie remplie que celle de soliste ! Ouf : il finit par s’arrêter quelques minutes sur son balcon, au soleil.

↑ Marcin Zdunik en appel vidéo avec nous :)

L’Agenda : Le Festival Chopin sera votre premier concert à Genève, et également la première fois que vous jouerez avec Olivia Vilmart-Jacobson et le pianiste Pawel Mazurkiewicz. Comment préparez-vous habituellement vos “première rencontre” ?

Marcin Zdunik : En musique de chambre, avant de se connaitre, on ne sait pas encore l’interprétation qui surgira d’une répétition. L’important est de se préparer à plusieurs options d’interprétation, d’être ouvert à ce que notre vision de certaines phrases se trouve changée. C’est ça qui est excitant ! Après avoir joué le répertoire de Chopin tant de fois dans ma vie, après l’avoir enregistré, j’en ai indéniablement une certaine vision. Mais jouer avec des musiciens que je n’ai jamais rencontrés me force à chercher d’autres solutions. C’est lorsque je me mets à la recherche de quelque chose de nouveau en moi que je me développe. Je me réjouis beaucoup de ce processus !

Le temps de répétition avant un concert est souvent plutôt court, est-ce que ça vous laisse le temps nécessaire ?

Par chance, Pawel sera bientôt à Varsovie quelques jours, ce qui nous donnera l’occasion de nous préparer plus longuement. On s’est dit qu’avec un répertoire si complexe, ce serait trop “tricky” de n’avoir qu’un seul jour de répétition. La Sonate en sol mineur pour violoncelle et piano, particulièrement, serait presque impossible à jouer en un jour – ou alors, le résultat serait discutable. C’est une pièce qui, à son époque, était avant-gardiste ; quand Chopin l’a composée, il craignait de ne pas être compris par le public en France. Lui et son collègue violoncelliste Auguste Franchomme n’avaient d’ailleurs pas joué le premier mouvement en France pour cette raison. Ça en dit beaucoup sur la complexité de cette musique, sa singularité. Par conséquent, en tant qu’interprète, ça demande de trouver comment en raconter toutes les histoires. On prendra notre temps pour le faire ici à Varsovie, et ainsi on aura aussi plus de temps à Genève un jour avant le concert pour répéter le trio avec Olivia.

Quelles configurations privilégiez-vous dans vos collaborations ? Les collègues de longues dates ou les nouvelles rencontres ?

J’essaie de trouver l’équilibre. De rencontrer à la fois de nouvelles personnes sur certains projets, et en parallèle, de développer une vision sur le long terme. J’ai un trio avec lequel je joue depuis longtemps, nous nous connaissons par cœur, on improvise, on trouve un chemin sans avoir besoin de parler. Ce genre d’amitiés musicales sont fructueuses, elles sont ce qui nous permet de pousser plus loin notre vision du répertoire.

Et… êtes-vous bon équilibriste ?

Oui, je crois que pour moi ça se fait naturellement. Ma vie de musicien me plait, me permet de combiner mes activités de soliste, de musicien de chambre, de compositeur, d’improvisateur… Je n’aimerais pas être enfermé dans une case.

Vous êtes aussi enseignant à la Fryderyk Chopin Music University. Y a-t-il un sujet de discussion récurrent que vous abordez avec vos élèves à propos de Chopin ?

Oui, on a notamment des discussions inspirantes sur le rôle des instruments. Chopin n’était pas violoncelliste, et quand il composait pour piano et violoncelle, il bénéficiait de l’aide de son ami Auguste Franchomme. Personnellement je trouve les parties de violoncelle très bien écrites ! Leur particularité, si on les compare aux sonates allemandes de Beethoven ou Brahms, est de ne pas faire jouer la même structure, la même matière aux deux instruments, mais d’être attentif aux caractéristiques de chacun. Chopin les mène dans des directions complètement différentes. Le violoncelle est chantant, touchant, il n’a pas besoin de briller de façon virtuose comme le piano.

Que faut-il selon vous pour comprendre Chopin ?

Beaucoup d’expérience, beaucoup d’écoute aussi. Même si j’ai entendu les pièces de Chopin un nombre incalculable de fois, à chaque fois que je les joue, je redécouvre en elles quelque chose de nouveau. Sa musique est profonde et complexe, elle comporte tant de détails… C’est ce qui fait son génie. Ce qui apporte beaucoup aussi est de se pencher sur le contexte, les inspirations du compositeur. Écoutez de la musique traditionnelle polonaise, mais pas uniquement : les sonates, par exemple, se réfèrent plus à Schumann et à Beethoven qu’à la musique folklorique. Chopin fréquentait les salons, les fêtes dans lesquelles les compositeurs s’amusaient à rivaliser en improvisant sur les airs d’opéras les plus connus. C’est tout un contexte qui enrichit la compréhension de son œuvre.

Le 12 octobre au Festival Chopin, vous allez jouer quatre pièces que vous avez enregistrées en 2021 dans votre album Chopin Chamber Music, avec Szymon Nehring et Ryszard Groblewski. Comment ces pièces évoluent-elles au fur et à mesure du temps ?

C’est difficile à dire précisément, car à chaque fois qu’on joue, la musique change avec nous. Mais je pense qu’une des constantes est que je tends à épurer. Au début, j’étais tout enthousiasmé par la musique de Chopin et je cherchais à faire des phrasés spéciaux, je cherchais des “solutions” originales. Plus je joue, plus je reviens à quelque chose de simple. Je découvre la beauté dans la simplicité.

***

Festival Chopin Genève
Du 2 au 12 octobre 2025
www.societe-chopin.ch/fr/programme/festival-chopin-geneve

Marcin Zdunik jouera avec la violoniste Olivia Vilmart-Jacobson et le pianiste Pawel Mazurkiewicz lors du concert de clôture, le 12 octobre à 17h au Conservatoire de Genève.

Faire troupeau – Un conte catastrophe plein d’amour au far° à Nyon

blogcom — Thu, 07 Aug 2025 11:57:34 +0000

Ce soir, le festival far° à Nyon ouvre sa 41^e édition. On pourra y découvrir notamment la pièce Faire troupeau, écrite, mise en scène et jouée par Marion Thomas. Un spectacle à mi-chemin entre enquête scientifique, stand-up, film d’action raconté par un enfant, discours politique et speech motivationnel sur beauté de nos espèces humaines et animales.

Texte de Katia Meylan

« Vous êtes là » ?, demande l’écran au public assis dans la pénombre. D’abord par texto et emojis interposés, puis en sortant timidement de derrière son buisson, Marion Thomas nous jauge, nous amadoue. Avec affection, elle s’adresse au « troupeau » face à elle. Elle aspire à le rejoindre. Elle le questionne, l’enjoint à écouter son instinct social, ses élans de solidarité.

Dans sa propre peau, dans celle d’un mouton ou dans celle de Bruce Willis, la comédienne raconte. Des scénarios catastrophes à la Armageddon, des résultats d’enquêtes zoologiques et sociologiques, des histoires vraies de pouvoir et d’amour. Face à l’attaque d’une meute de loups, face à un tremblement de terre, à un ouragan, à la montée des eaux… Comment réagit l’individu ?

La pièce est immersive, presque participative… mais pour les moutons les plus craintifs, pas d’inquiétude à avoir : la participation se fait à l’intérieur. Très fortement, par les questions qu’elle soulève, par la conscience qu’à tout moment, elle nous fait prendre de nous-même en tant que public, en tant qu’animal, en temps qu’humain∙e, Marion Thomas nous rend partie intégrante de l’instant.

Touchante comme une enfant sérieuse, cette claustrophobe au petit côté geek profite totalement du fait que des gens se soient assis là pour les prendre en otage durant une heure trente ! Et on se laisse bien volontiers embarquer dans ses passions et obsessions, ses recherches, ses questionnements et ses réflexions, livrées avec une bonne dose d’humour. On en ressort avec comme une fierté de faire partie du troupeau.

La pièce a pris sa source en 2023 grâce à une initiative du far°, dans le cadre de la toute première édition de Récits du futur, une résidence de recherche d’écriture et de création pour modifier nos imaginaires et réagir face aux crises environnementales. Elle a été coproduite par Le Grütli à Genève et La Grange à l’Université de Lausanne, ainsi que par plusieurs scènes françaises (de Nantes, Angers, Saint-Nazaire, Lyon et Paris).

Faire troupeau
Les 7 et 8 août 2025 à 21h
Festival far° – Usine à Gaz, Nyon
www.far-nyon.ch/spectacles/faire-troupeau

Tout le programme du far°, du 7 au 16 août: www.far-nyon.ch

BuskersÀMorges – Voyage improvisé

blogcom — Tue, 05 Aug 2025 20:10:14 +0000

Du 13 au 16 août, il fera bon vagabonder à Morges, oreilles au vent. Au bord du lac, dans la cour du Château ou en passant par une petite rue piétonne, on aura de fortes chances de tomber sur l’une des treize propositions artistiques du festival BuskersÀMorges.

Textes et propos recueillis par Katia Meylan

On repart en voyage ! Durant quatre jour, en cette dernière semaine de vacances, les musiques du monde répondront dans les rues de Morges. Griots percussionnistes du Sénégal, Son traditionnel mexicain, flamenco, ou swing hawaïen, la découverte sera au tournant, sans artifices, sans scène ni micro. Face à face, tout simplement. Ce concept de Buskers, déjà très connu dans d’autres villes du monde, fait gentiment son nid à Morges.(L’Agenda en parlait lors de la première édition, dans son numéro juillet-août 2022).

Le festival n’a pas de billet d’entrée, mais il est participatif : le public, en fonction de ses moyen, contribue à son existence en achetant le programme, vendu à 10 francs avec le badge de soutien, en mettant quelque chose dans le chapeau destiné aux artistes, et en passant faire un tour aux food trucks. La découverte culinaire fait également partie du voyage, avec des saveurs venues d’Italie, de Grèce, d’Iran, du Maroc, du Tibet, du Viêt-Nam ou encore du Pérou. Et au bar, les vins locaux de Villars-sous-Yens ont pour rivaux des cocktails d’inspirations un peu plus lointaines !

BuskersÀMorges édition 2024. Photo: Javier Badalona
Photo de haut de page: Stéphanie Montesinos

Nous avons eu l’occasion d’échanger par téléphone avec Sylvie Pasche, directrice artistique du BuskersÀMorges – en direct de République Dominicaine, où son amour pour les musiques du monde la mène très souvent. Elle s’est prêtée à l’exercice de notre petit Questionnaire de Proust.

Si le festival était une odeur ?
Caramel.

Un goût ?
Épicé.

Une phrase qu’on se hèle en passant ?
Eh salut ! Tu étais où, tu as écouté qui ?

Un slogan vaudois ?
Aux Buskers, vous serez déçus en bien !

Un secret bien gardé ?
La programmation. On connait les artistes, mais pas où ni quand ils vont jouer… sauf si on achète le programme.

Un émerveillement ?
Les enfants. Ils s’arrêtent partout avec un regard frais, n’ont pas d’a priori ni de barrière vis-à-vis des artistes. Chaque année je les vois écouter, danser sur des chants mongols, des chants yiddish… ça s’inscrit dans leur mémoire culturelle.

Un groupe à suivre partout si on a envie de danser ?
Papelucho Sound System : c’est de la rumba chamanique, tout un programme ! Mais il y en a d’autres aussi…

Un concert devant lequel s’allonger et fermer les yeux ?
Le duo de cordes et voix méditerranéennes, elles sont juste magnifiques. C’est un voyage entre jazz, opéra lyrique, chant traditionnel d’Italie du Sud… Je suis très contente qu’elles aient accepté de venir au Buskers. Quand elles jouent, on pose sa bière, on a juste envie d’écouter.

Un concert inattendu ?
L’altiste virtuose « fou furieux », Emil Hasala ! Lui, à l’âge de 9 ans, il jouait dans les orchestres les plus prestigieux de Slovénie. Quand je l’ai invité, je lui ai demandé s’il avait l’habitude de faire de la rue. Il m’a dit « Écoute, je commence. Ça me fait un changement, je m’amuse ! ». Il improvise avec sa bande son sur des thèmes connus, il prend tout le monde par surprise, ceux qui aiment la musique classique et ceux qui ne connaissent pas. Il montre que les instruments à cordes sortent des fosses d’orchestre.

[Ndlr : En réalité, Sylvie Pasche nous a parlé de tous les groupes, c’était trop difficile de n’en citer qu’un par question ! Alors… il ne tient qu’à vous d’aller découvrir la programmation]

Une anecdote des éditions passées ?
Comme les artistes sont là toute la semaine, ils ont le temps. Ils mangent ensemble, ils vont s’écouter les uns les autres, et comme ils n’ont pas de set-list imposée, tout est ouvert ! Des affinités se créent, on a souvent vu des artistes s’inviter à jouer et improviser ensemble. L’année passée… le festival a même vu naitre une histoire d’amour !

BuskersÀMorges, édition 2024. Photo: Gilbert Badaf

Festival BuskersÀMorges
Du 13 au 16 août 2025
Dans les rues de Morges
www.buskersamorges.com

3 Grâââââââces au Festival de la Cité

blogcom — Tue, 24 Jun 2025 11:55:01 +0000

Flâner, partager une bière et une gaufre (avant, elles étaient à 5 francs, tu te rappelles ?), compter le nombre de connaissances croisées en une soirée avec mon amie bibliothécaire (elle a gagné), danser devant la scène du Grand Canyon, attendre le prochain spectacle assise dans la paille sur le Pont Bessière, ou encore écouter bouche bée, sans voir le temps passer, le manifeste trans de Laurène Marx. La semaine prochaine, à mes souvenirs hétéroclites de festivalière s’ajouteront de drôles de personnages tout de carton vêtu∙e∙s.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan

Du 1^er au 6 juillet à Lausanne, cette 53^e édition du Festival de la Cité sera faite de musique, de performances et d’installations, mais aussi de propositions pour les tout jeunes. C’est notamment le cas du spectacle Les 3 Grâââââââces, accessible dès 3 ans, imaginé par évo mine lambillon et Judit Waeterschoot – avec qui j’ai échangé la semaine dernière en visio – et Filomé Robinson Starck.

Le trio, issu du Bachelor en Danse contemporaine de La Manufacture, me raconte s’être formé par amitié et par une envie commune de créer pour le jeune public. « Entre nous, on a une énergie enfantine… c’est pour ça qu’on a imaginé un spectacle à vivre et partager sur scène avec les enfants, comme s’ils étaient nos ami∙e∙s ! » rient Judit et évo. « Le spectacle s’adresse à tous les âges : on n’a pas voulu être simplistes, non seulement pour que les adultes aient du plaisir, mais aussi car les enfants ne sont pas bêtes ! Ils comprennent beaucoup de chose », affirme Judit. Et évo d’ajouter : « On s’est quand même posé beaucoup de question ; on a évidemment fait attention à la sécurité, mais aussi à l’intensité, pour ne pas trop les envahir ».

Sur les ruines d’un château en carton volé en éclats, une galerie de personnages, papillon, oiseau ou soldat fragile, prennent vie. Entre fashion-show, théâtre en mouvement et interactions, les artistes célèbrent la force de l’imagination et la possibilité de réinventer ses propres fêtes. Trois Grâces, au-delà des traditions et des mythes antiques, trois identités joyeuses, créatives et sociables se révèlent…

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Le mercredi à 17h15, les trois artistes proposent un workshop durant lequel les enfants pourront créer leur propre costume en carton, puis, pourquoi pas, déambuler dans le festival avec !

Les 3 Grâââââââces

Le spectacle (~ 30 minutes)
Mardi 1 juillet, jeudi 3 juillet et vendredi 4 juillet à 17h15 et 18h30
Pyxis, Lausanne
Le workshop (~ 45 minutes)
Mercredi 2 juillet de 17h15 à 18h
Pyxis, Lausanne

Édition 2025, quelques nouveautés

Chorale participative menée par la contrebassiste Louise Knobil et la cheffe de chœur Johanna Hernandez. Après quelques répétitions en commun, des chœurs romands et des choristes volontaires se produiront ensemble le samedi 5 juillet à 17h à la Cathédrale

Scène musicale féminine mise à l’honneur dans les Jardins du Petit Théâtre

Concert de Model/Actriz, « meilleur groupe de rock au monde actuellement » selon Joe Frailich de la programmation Musique actuelle – faites-lui confiance

« Pass accessibilité » à obtenir aux stands info du Festival sous forme de badge, pour permettre aux bénévoles et au public d’identifier les personnes qui pourraient avoir besoin d’aide

Édition 2025 – recommandations de 2 des 3 Grâââââââces :

évo : le talu, rap belge queer et engagé
Mercredi 3 juillet à 20h15, Pont Bessières

Judit : Piñata Cake, performance de cirque de Gaël Santisteva
Jeudi et vendredi à 22h30 à La Perchée

Toute le programme sur : www.2025.festivalcite.ch/fr/