Danse

Prix de Lausanne Gregory Batardon

Prix de Lausanne 2024

Assises à côté de jeunes candidat·e·s, au Théâtre de Beaulieu, nous avons assisté samedi 3 février 2024 à la Finale du Prix de Lausanne et partageons nos émotions et nos impressions de cette 52e édition.

Texte de Margarita Makarova

Arabesque, chaîné, piqué… les finalistes semblent absorbé·e·s par le cours de danse classique donné par Elisabeth Platel. Ils ne remarquent pas le public, impatient de voir la Finale, entrer dans la salle de Beaulieu. Parmi les spectateur·ice·s, nous retrouvons des candidat·e·s qui n’ont malheureusement pas été sélectionné·e·s pour se présenter devant le jury aujourd’hui. Nadia Corboud, participante suisse et élève de la Danse Académie Vevey, est assise juste à côté de nous. Nous avons saisi l’occasion pour la féliciter de sa belle apparition sur la scène du Prix de Lausanne. Tout sourire, elle se dit ravie d’avoir participé à l’édition 2024 du Prix. Derrière est assise une représentante de la Zurich Danse Academy d’origine ukrainienne, Yelyzaveta Lazovska, entourée par d’autres candidates.

Le cours de danse terminé, les finalistes attaquent la danse classique. Nous les voyons légèrement nerveux·ses. Ils sont pourtant de petites vedettes qui fascinent le public et le jury non seulement par leurs variations mais aussi par leurs tenues. Les costumes de João Pedro Dos Santos (Harlequinade) et de Martinho Lima Santos (Le Corsaire, boy variation) ainsi que les tutus de Crystal Huang (Le Corsaire, Gulnara) et de Jioh Kim (Coppelia, girl variation, act III) nous ont particulièrement marqué.

Prix de Lausanne Gregory Batardon

Martinho Lima Santos. Photo: Gregory Batardon

Prix de Lausanne Gregory Batardon

Jioh Kim. Photo: Gregory Batardon

Prix de Lausanne Gregory Batardon

João Pedro Dos Santos. Photo: Gregory Batardon

Prix de Lausanne Gregory Batardon

Crystal Huang. Photo: Gregory Batardon

Du point de vue technique, une multitude de sauts et de pirouettes font tourner la tête, notons par exemple les exécutions de Martinho Lima Santos, Carson Willey (Sleeping Beauty, Prince Désiré, act III), Crystal Huang et Takafumi Hori (Grand Pas Classique, boy variation). Jioh Kim nous impressionne par son côté artistique. C’est aussi le cas de João Pedro Dos Santos, devenu notre favori après la première partie du concours. Il fait preuve d’aisance technique, d’aptitude physique et d’une indéniable capacité de s’affirmer.

Wongyeom Lee, avec une sensible et tendre interprétation de la chorégraphie Do you care? par Aleisha Walker (lauréate du Young Creation Award 2023), entame la deuxième partie du Prix, consacrée à la danse contemporaine. Les finalistes semblent bien plus rassuré·e·s. En particulier, João Pedro Dos Santos qui danse Plan to B d’une façon extrêmement énergique, sûr de lui. Yelyzaveta, assise derrière, confie à son amie que João serait en tête du classement, à son sens. Gardons le mystère pour l’instant (pour celles et ceux qui ne sont pas encore au courant) et poursuivons nos observations!

La chorégraphie Do you care? s’avère la plus populaire parmi les candidat·e·s et chacun·e l’interprète à sa guise. Crystal Huang est très gracieuse et souple. Martinho Lima Santos s’investit pleinement dans l’exercice: dans la salle, on entend ses souffles remplis d’émotions et d’efforts. Giuseppe Schillaci s’empare de l’attention du public et nous laisse deviner un prix pour sa variation contemporaine. Il recevra, en effet, le Best Swiss Candidate Award, offert par un donateur anonyme.

E-Eun Park et Paloma Livellara Vidart choisissent la chorégraphie You Turn Me on I’m a Radio par Christopher Wheeldon, qui a fait sa première apparition à cette 52e édition du Prix. Les deux finalistes se font applaudir par le public pour leur élégance et leur allure coquette. Les spectateur·ice·s sont, d’ailleurs, généreux et applaudissent beaucoup ce soir.

Après un petit entracte, les variations contemporaines sont suivies de l’Intermède de la Finale. Il comprend une présentation de deux chorégraphies gagnantes, Groovin par Quinn Bates (États-Unis) et Under Glass, par Kseniya Kosava (Bélarus). Le public du Prix a également la chance d’accueillir Madison Young et Julian Mackay, deux ancien·ne·s lauréat·e·s du Prix de Lausanne, qui dansent le pas de deux Le Parc d’Angelin Preljocaj ainsi que le pas de deux de Don Quichotte durant l’Intermède, avec un professionnalisme exceptionnel. Comme chaque année, le Projet chorégraphique, réunissant 25 danseuses et danseurs du monde entier, est une merveille. Créé par le chorégraphe et designer helvético-canadien Kinsun Chan, le projet SCHRäääG est non seulement une danse mais un jeu géométrique et, somme toute, une véritable œuvre d’art contemporain en mouvement.

Prix de Lausanne

Le spectacle de Kinsun Chan nous fait presque oublier que le moment de vérité approche! Les discours prononcés, les candidat·e·s et les finalistes félicité·e·s, les noms des gagnant·e·s sont annoncés. Comme l’a prédit Yelyzaveta Lazovska, une des bourses est effectivement attribuée à João Pedro Dos Santos du Brésil. C’est même la première bourse, « Jeune espoir ». Ému et heureux, il perd le don de la parole pour quelques instants, puis remercie (en portugais et sous les applaudissements) toutes les personnes qui ont contribué à sa victoire.

Prix de Lausanne Gregory Batardon

João Pedro Dos Santos lors de la remise de son prix. Photo: Gregory Batardon

Les autres finalistes ayant bénéficié d’une bourse sont Martinho Lima Santos (Portugal), Paloma Livellara Vidart (Argentine), Crystal Huang (États-Unis), Airi Kobayashi (Japon), Jenson Blight (Australie), Juliann Fedele-Malard (France), Natalie Steele (États-Unis) et Taichi Toshida (Japon).

Liste complète des lauréat-e-s

Bien que ce soit la fin, pour les candidat·e·s, les finalistes et les lauréat·e·s, ce n’est qu’un début. Le début de leur épanouissement personnel et professionnel. L’Agenda leur souhaite tout de bon et plein de succès dans leur future carrière d’artiste de ballet!

www.prixdelausanne.org/fr/

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©Marius Mattioni.1

Le Prix de Lausanne – 3e volée de relève chorégraphique

La semaine dernière, L’Agenda s’est glissé en compagnie du photographe Marius Mattioni dans les coulisses du Prix de Lausanne, et en particulier dans celles de ce concours parallèle qu’est le Young Creation Award. Nous avons eu l’occasion de recueillir les impressions de deux candidates chorégraphes et de leurs danseuses, et d’immortaliser quelques-uns de leurs pas.

Photos de Marius Mattioni  
Texte et propos recueillis et traduits par Katia Meylan

Le Young Creation Award, qui a pour but d’encourager la relève chorégraphique, a enregistré pour sa 3e édition un nombre record de postulations, avec 56 candidatures reçues par vidéo. Parmi les 5 finalistes sélectionné∙e∙s pour venir présenter leur création à Lausanne, trois femmes, deux hommes, cinq chorégraphies non genrées. Les dix paires de choc sont arrivées au Théâtre de Beaulieu le lundi 30 janvier et ont été coachées par Demian Vargas et Cinthia Labaronne pour leur passage devant le jury mercredi 1er février.

Les deux lauréates, Aleisha Walker, 21 ans (ABT Studio Company, USA) et Elena Dombrowski, 19 ans (Pôle National Supérieur de Danse Rosella Hightower, France) verront leurs variations intégrées au répertoire contemporain du Prix de Lausanne 2024.

©Marius Mattioni

Variation “Do You Care?”, de Aleisha Walker dansée par Madison Brown
Photo © Marius Mattioni

Variation “Tout va bien ?” de Elena Dombrowski dansée par Tom Bellec
Photo © Marius Mattioni

Variation “Open your eyes…” de Martin Balaban, dansée par Chloé Meier

Variation “Rotting Strawberry” de Nicholas Mihlar dansée par Liam Strickland

Variation “Cultivate” de Hannah McCloughan dansée par Kohana Williams

Photos © Marius Mattioni

Lorsque nous avons rencontré les candidat∙e∙s mardi dernier dans le studio de répétition, les jeux n’étaient pas encore faits, et il était bien difficile de dire qui se démarquerait, tant de chaque variation émanait une créativité unique. Sur scène, le lendemain, l’émotion était palpable. (Il est possible de revoir les variations en vidéo sur ARTE Concert)

***

Suivant le fil rouge féminin de son numéro mars-avril, L’Agenda a réalisé deux petites interviews avec deux des trois candidates (Elena Dombrowski n’était pas encore arrivée à Lausanne) et leur danseuses.

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Chorégraphe: Hannah McCloughan (Australie), School of the Hamburg Ballet
Danseuse: Kohana Williams

Hannah, quelle expérience t’a menée à t’inscrire en tant que candidate chorégraphe au Young Creation Award?
Hannah: L’examen de la Hamburg Ballet School inclut une partie chorégraphique qui, je pense, m’a préparée à cette expérience-là. Mais jusqu’ici je n’avais encore jamais chorégraphié de pièce pour quelqu’un d’autre; c’était un grand saut!

Comment s’est formé votre duo?
Hannah:
À la base, j’ai créé la pièce pour une autre danseuse, Keita Bloma, qui n’a pas pu venir et que Kohana a remplacée. L’avantage d’avoir travaillé avec deux danseuses, c’est d’avoir vu deux corps différents exécuter ma pièce. Personne ne danse de la même façon, et l’important est de pouvoir s’adapter. Ça a été deux expériences différentes.

Kohana répète la variation “Cultivate” sous les yeux de sa chorégraphe  Hannah 
Photos © Marius Mattioni

En tant que jeune danseuse, quelle différence cela fait-il de travailler avec une camarade de classe plutôt qu’avec des professeurs?
Kohana
: C’est plus relax, car on se connait, on est amies. Mais il y a quand-même la pression de faire du mieux possible pour ma chorégraphe.

Qu’est ce qui a été le plus grand défi pour vous?
Hannah: Pour moi c’était difficile de trouver où était la frontière entre le moment où j’étais la chorégraphe et que j’enseignais, et le moment où j’étais l’amie. Il a fallu trouver l’équilibre, entre “je suis là pour le Prix de Lausanne” et “je suis là aussi pour soutenir ma danseuse et amie”. Ça a été un challenge au début, mais qui est devenu naturel au fur et à mesure des répétitions.
Kohana: Personnellement, ça a été d’apprendre la chorégraphie en très peu de temps. On a su que je viendrais seulement dimanche dernier (l’avant-veille, ndrl)!

Hannah MacCloughan et Kohanna Williams
Photo © Marius Mattioni

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Chorégraphe: Aleisha Walker (USA), ABT Studio Company
Danseuse: Madison Brown

Aleisha, quelle expérience t’a menée à t’inscrire en tant que candidate chorégraphe au Young Creation Award?
Aleisha:
J’ai fréquenté un lycée d’arts de la scène, et la création faisait partie du cursus, on devait chorégraphier pour nous-même et pour nos pairs. J’avais beaucoup d’intérêt pour ça, j’ai toujours eu confiance en mes capacités mais… j’appréhendais un peu, j’avais le sentiment de ne pas encore vraiment toucher au but. Plus tard, quand je suis entrée à l’ABT Studio Company, différentes personnes étaient invitées à partager leurs expériences, comment elles-mêmes créaient des chorégraphies. J’y pensais souvent, les idées commençaient à me venir, et le directeur m’a suggéré d’explorer cette voie. On a appris que le Prix de Lausanne proposait le Young Creation Award, et j’ai sauté sur l’occasion avec Maddie.

Pourquoi avoir choisi de travailler ensemble?
Aleisha:
J’ai toujours considéré Maddie comme ma petite sœur. Elle est arrivée à l’ABT Studio Company deux ans après moi, elle est motivée à tenter toutes sortes d’expériences, elle était donc la candidate parfaite! À chaque fois que je commente ou que je donne des idées, elle s’adapte. Elle a pratiqué d’autres styles de danses, et ça a aidé aux éléments acrobatiques que j’ai intégrés à ma danse.

En tant que jeune danseuse, quelle différence cela fait-il de travailler avec une camarade de classe plutôt qu’avec des professeurs?
Madison:
Pour moi, c’était fun de travailler avec quelqu’un de mon âge, que je connais, qui me comprends mieux. Ce n’est pas pareil quand le prof arrive, on se met dans une optique sérieuse, on veut tout saisir du premier coup car on ne sait pas s’il va remontrer. Là, c’est une amitié, les choses sont plus naturelles.

Madison Brown au studio de répétition à Beaulieu
Photo © Marius Mattioni

Aleisha, est-ce que ta danse Do you care? t’a permis d’exprimer quelque chose de personnel?
Aleisha:
Quand tu exécutes la chorégraphie de quelqu’un d’autre, ça arrive qu’on te laisse beaucoup de liberté et que tu puisses exprimer ce que tu veux. Mais là, j’ai pu dire vraiment tout ce que j’avais en tête. Et j’avais beaucoup de choses en tête à ce moment-là, c’était une sorte de tournant dans ma vie. Ça m’a donné un exutoire pour exprimer ce qui se passait, mes émotions, ce que je ressentais.

Est-ce que l’apprentissage de la chorégraphie est passé par une discussion, ou simplement par les mouvements?
Madison
: Un peu des deux. Aleisha m’a expliqué la raison de son choix et ce qui l’a inspirée, ce qui m’a aidée à pouvoir m’approprier la chorégraphie mais aussi à comprendre ce qu’elle voulait… et, oui, j’espère que ça a marché!

Qu’est ce qui a été le plus grand défi pour vous?
Aleisha:
Le nombre de candidats choisis pour ce concours est très restreint, on a la possibilité de se connaître, tous les dix, et… ce n’est pas que c’est effrayant, mais ça donne l’impression qu’il y a plus d’enjeu que si on était beaucoup. Ça nous fait nous sentir très honorés, on profite d’être là, d’apprendre de chacun.

Qu’est-ce que vous vous souhaitez mutuellement pour la prochaine étape de votre carrière?
Aleisha: Maddie est talentueuse et peut aller très loin. Je suis enthousiasmée de la voir évoluer en tant que personne et en tant que danseuse. Je lui souhaite de continuer d’explorer et de ne pas perdre cette liberté, parce que je crois qu’en vieillissant, en entrant dans une compagnie, on peut se rétracter, car on est plus nombreux…
Madison: Je lui souhaite tout le succès! Elle m’a inspirée à continuer à suivre mon rêve. J’ai hâte de voir ce qu’elle fera.

Aleisha Walker et Madison Brown
Photo © Marius Mattioni

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Le Béjart Ballet valse l’apocalypse

Se presser au Théâtre de Beaulieu emmitouflé·e dans une écharpe pour aller voir le Béjart Ballet Lausanne a ce petit parfum de fin d’année, pendant artistique des biscuits à la cannelle ou des fenêtres de l’Avent. Pendant les trois ans de rénovation du théâtre de résidence de la compagnie, le rendez-vous s’est de toute évidence fait attendre pour plus d’un·e, puisque hier soir, la première de Wien, Wien, nur du allein a fait salle comble.

Texte de Katia Meylan

Chaque siège a trouvé emploi. Ceux des premières rangées, assez proches pour entendre le contact des corps. Les suivants, qui permettent encore de voir l’émotion des mouvements passer sur les visages. Et ceux du balcon, offrant une vue imprenable sur les tableaux d’ensemble. On aurait envie d’être partout, pour voir ce ballet sous toutes ses facettes! À quand les représentations où l’on change de siège à l’entracte?

Chorégraphiée par Maurice Béjart en 1982, la pièce n’avait encore jamais été reprise sous la direction de Gil Roman. Désormais, la troupe actuelle aura elle aussi valsé, bugué, fièrement sauté ou ressuscité sur les musiques de l’École de Vienne, toutes époques confondues. Dans le collage sonore imaginé par Béjart, les silences rehaussent un pas de deux, les dissonances ficellent un amour, alors que le traditionnel Beau Danube Bleu de Strauss peut couver quelque dysfonctionnement.

Se mettant au pas de la valse, la pièce suit un rythme ternaire. Quatre trios à l’amour impossible se croisent et, au milieu, un duo fusionnel. C’est une histoire d’apocalypse, nous dit l’argument. “À partir de cela, on peut imaginer toutes les histoires possibles”, nous dit Béjart. L’étreinte est un mouvement récurrent, et son accessibilité semble justement inviter chacun·e à suivre son propre ressenti, tout comme l’envoi d’un baiser soufflé, repris dans les tableaux de groupe. On se plait à imaginer qui aime qui, qui fuit qui, pour quelles raisons spontanées ou cosmologiques. En périphérie de ce qui se joue sur le devant de la scène, les personnages vivent leur vie, parfois en écho, dans le décor outre-noir.

Photos: © BBL, Gregory Batardon

Les interprètes ont toutes et tous leur part à jouer dans cette approche de l’apocalypse. Tout particulièrement remarquée dans l’un des rôles titres, Solène Burel était magnifiquement fragile aux côtés de ses amours impossibles, dansées par les non moins magnifiques Mari Ohashi et Oscar Eduardo Chacón. Les trois anges en chaussettes et bretelles, dans leur solo respectif plein de fougue détaché de tout pessimisme, auront aux aussi ravi le public. L’ovation aux artistes n’aura cessé qu’une fois les lumières allumées, pour nous laisser retourner un peu plus heureux au froid de décembre.

Wien, Wien, nur du allein
Jusqu’au 22 décembre 2022
Théâtre de Beaulieu, Lausanne
www.bejart.ch

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Paillettes et Rock’n’roll

Let’s get ready to rock! Il y a deux semaines, le Théâtre du Grütli accueillait un championnat mondial de rock’n’roll acrobatique où le duo Dynamic Swingers avait toutes ses chances de gagner. Avec Kick Ball Change, Charlotte Dumartheray et Kiyan Khoshoie nous ont livré une performance haute en sueur et lycra. Et nous étions prêt∙e∙s. La pièce sera jouée ce soir au Spot à Sion.

Texte de Catherine Rohrbach

La salle est dans le noir. Les projecteurs s’allument pour laisser apercevoir rapidement une danseuse voltigeant autour de son partenaire. Le noir se fait à nouveau. Pendant quelques secondes, on ne voit plus rien sur la scène du Grütli, mais on entend des petits pas rapides résonner. Lumière. Le public découvre une salle de gym qui semble être le théâtre des entrainements de Charlène et Ryan, les Dynamic Swingers, quelques moments avant leur performance au championnat mondial de rock acrobatique.

L’acte s’ouvre avec nos deux personnages, face à face. Ils répètent presque avec frénésie les même pas, les mêmes routines, les uns après les autres. C’est tendu, les mouvements comme l’ambiance, on sent que quelque chose d’important se prépare et en effet! C’est la dernière ligne droite avant, on l’espère, leur ascension sur le podium. Déterminés à battre leur adversaire, ils s’entrainent, se challengent avec des interviews improvisées (tout en gardant le rythme), se voient livrés à leur stress et subissent l’excitation et la pression du championnat. Le public est essoufflé, alors que sur scène, les saltos, Céline Dions, kick ball changes et autres pas de danse n’ont aucun secret pour nos deux athlètes qui les exécutent à merveille et avec le sourire!

©Dorothée Thébert Filliger

Non seulement, on assiste aux prouesses techniques de Charlotte Dumartheray et Kiyan Khoshoie, mais en plus, on rit. Si vous pensiez n’assister qu’à une performance de danse, vous serez ravi∙e∙s de voir qu’ils intègrent aisément l’humour à leurs pirouettes. Ce n’est pas la première fois que les deux artistes collaborent et mélangent danse et humour. Il y a quelques années, le public découvrait Grand écart, un stand-up dansant interprété par Khoshoie et mis en scène par Dumartheray. Ce n’est d’ailleurs pas la première fois qu’ils dansent le rock’n’roll acrobatique ensemble non plus; les artistes sont rencontrés adolescents lors d’un cours de cette discipline. Le duo est proche et ça se sent sur scène.

À la sueur et l’humour, s’ajoute également le suspense. Vont-ils surmonter les aléas de leur collaboration? Vaincre les hongrois? Gagner le championnat? Tout semble indiquer que tout se finira bien pour les Dynamic Swingers, après une entrée en scène remarquée par leur cloche de vache, mais nous n’oserions vous gâcher la fin de la pièce – je vous laisserai la découvrir par vous-même lors de leur tournée de fin d’année. En tout cas, quel que soit le podium finale, Kick Ball Change a gagné le public du Grütli et saura certainement gagné celui du Spot à Sion, où la pièce sera jouée ce soir.

De manière générale, la pièce semble montrer, avec légèreté, humour et paillettes, les péripéties d’une création artistique (et finalement de tout projet qui tient à cœur): les heures d’entrainement et de répétition frénétique, les hauts et les bas liés à la collaboration, les moments d’espoir, de déception, de frustration, les liens tissés. On peut se demander à quoi bon cet acharnement à la perfection quand le résultat ne dure que quelques minutes et n’est jamais vraiment garanti. Une chose est sûre, le plaisir final – que ce soit des artistes ou du public – en a valu la peine. 

Et si vous voulez assister aux exploits rythmiques du duo, vous pourrez les retrouver aux lieux et dates suivants:

– 01.11.2022, Le Spot, Sion
– 10-11.11.2022, L’Usine à Gaz, Nyon
– 19.11.2022, L’Echandole, Yverdon
– 07-11.12.2022, La Grange de Dorigny, Lausanne
– 12.01.2023-13.01.2023, Le Pommier/ADN – Danse Neuchâtel, Neuchâtel

Photo de haut de page : © Dorothée Thébert Filliger

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Piscine

Le public de la piscine

Deux ans après une première performance dans une serre Fulleraine, l’artiste-chorégraphe valaisanne Florence Fagherazzi et ses élèves de danse sont de nouveau allés à la rencontre du public avec Silent Fights.

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Assis∙e sur un banc de la paisible Martigny, vous regardez les voitures passer. Nous sommes le 18 septembre et, en cette fin d’après-midi, le temps est encore clément. Que faire? Où aller? Une balade vous ferait du bien mais il n’est pas évident de se décider. D’ailleurs, somme toute, vous êtes quand même bien sur ce banc.

Texte de Clara Boismorand

Aux abords de la sortie du parking, le soleil vous plisse les yeux et se reflète dans les vitres des véhicules. Ébloui∙e vous détournez la tête. Une voiture est sur votre gauche. La fenêtre du passager avant s’abaisse et des visages familiers émergent de la pénombre carrossière. “Vous faites quoi? […] À la piscine, il y a un spectacle de danse contemporaine. […] C’est gratuit. […] dans cinq minutes. […] Venez! “.

Sans vraiment comprendre comment cela est arrivé, vous vous retrouvez sur un des sièges arrière. On vous parle, on rigole, on s’agite. La piscine a fermé pour la saison depuis quelques jours. C’est excitant de se rendre dans un lieu condamné la moitié de l’année. Quel lieu singulier, la piscine, tout de même! C’est irréel de passer ainsi de la vie à la mort, d’une eau bleue nerveuse et effervescente en été, à une eau verte plate et chagrin en hiver. Les piscines publiques ont cela d’étrange: une fois fermées, elles inquiètent. On se demande si elles rouvriront un jour, si l’été reviendra. Il reviendra, n’est-ce pas?

reflet

 

Vous passez le tourniquet de l’entrée. Il y a du monde sur le gazon mais personne n’ose s’approcher de la piscine. Interdit∙e, vous évitez les bassins du regard et préférez concentrer votre attention sur les gens autour de vous; jusqu’à ce qu’une voix vous extirpe de l’inconfort. La voix, qui vous parvient à travers des haut-parleurs, vous invite à vous mettre en marche. Curieux∙se et incertain∙e quant à ce qui vous attend, vous avancez dans le gazon et, au tournant, trébuchez, sur une rangée de danseurs et danseuses tout vêtu∙e∙s de noir, le visage encré de mots.

La musique débute et vous voici parti∙e pour une heure de performance itinérante. Du gazon, vous rentrez dans la piscine – vidée à l’occasion – et découvrez, au fond, d’autres danseurs et danseuses. Les corps se disloquent, se tordent, se crispent et se relâchent; on court, on rampe et on tombe! Le tout se termine sur la musique de Cerrone Supernature. À l’image de la scène d’ouverture dans Climax de Gaspard Noé, danseur∙euse∙s et public chaloupent ensemble dans les  profondeurs de la piscine. Grisé∙e et un peu sonné∙e par ce que vous venez de voir et de vivre, vous échangez avec quelques personnes autour de vous.

piscine portrait

Photo: Colombe Boismorand

Parmi elles, Remy, un entraîneur de natation de Martigny, Noélie et Colombe, deux sœurs, Leopold et Sophie, deux danseurs et Arnaud, un jeune graphiste. Amené∙e∙s par la curiosité et le bouche à oreille, leurs paroles résonnent encore contre les parois de la piscine:

  • “c’était intéressant”
  • “ils auraient pu un peu plus sourire tout de même”
  • “j’ai surtout aimé la fin”
  • “on m’a forcé à venir ici”
  • “certains danseurs se démarquaient, c’était sympa”
  • “ils ont choisi la facilité”
  • “la musique était très belle”
  • “ça m’a inspiré”
  • “elle m’a dit de venir et je suis venu”
  • “beaucoup d’émotions dans ce spectacle et on les a ressenties, c’était bien fait”
  • “j’ai eu peur, j’ai été pensif, peut-être un petit peu triste mais j’ai eu beaucoup de joie, les danseurs n’étaient pas des humains mais des pensées”
  • “je n’aime pas trop la danse contemporaine mais sur les deux spectacles que j’ai vus, celui-ci était mon préféré”
  • “par hasard”
  • “j’ai aimé la dernière partie où on se prenait moins au sérieux et qu’il n’y avait pas nécessairement de message à faire passer”

instagram: @florence_fagherazzi_danse

Photo de haut de page: © Florence Fagherazzi

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Le Presbytère

Béjart et Queen – Oh yes!

Le Presbytère n’a rien perdu de son charme, ni le jardin de son éclat. Un constat intrigant, un titre un peu plus long que tacitement réglementaire.
La pièce, chorégraphiée par Maurice Béjart, est un hommage aux victimes du sida, une œuvre à la mémoire de Jorge Donne, ami et danseur de sa troupe décédé de la maladie deux ans plus tôt, et à la mémoire de Freddie Mercury, au travers de sa musique. Créée pour la première fois en 1996 à la salle Métropole à Lausanne, la pièce revit sur la scène du Rosey Concert Hall de Rolle en ces 9 et 10 mai.
L’Agenda a eu la chance de pouvoir se glisser dans le public et de témoigner de toute la beauté émanant de cette œuvre et des artistes du Béjart Ballet.

Texte de Katia Meylan
Photo d’en-tête: Ilia Chkolnik

Pourquoi faire cohabiter les musiques de Mozart avec celles de Queen? Parce que cela lui semblait logique, disait Maurice Béjart à la caméra de France 3 en 1997. “De temps en temps dans ce no man’s land où nous irons tous un jour, Freddie Mercury, j’en suis sûr, se met au piano avec Mozart”, avait-il écrit au sujet de sa pièce. L’image est forte.

Fortes aussi sont celles qui se succèdent dans les tableaux d’ensemble, de groupe et de soli, et qui restent imprégnées dans l’esprit une fois le spectacle terminé.

Je suis en suspens devant Radio Gaga, à suivre du regard ces hommes qui arrivent l’un après l’autre, comme écoulés d’un réservoir infini de danseurs, pour remplir un espace restreint… jusqu’à ce que l’un d’eux, enfin, passe sa route et laisse sa créativité s’exprimer hors du cadre. J’admire le solo sur la Musique Maçonnique de Mozart – créé par l’actuel directeur artistique du Ballet Béjart Gil Roman, qui a transmis ici son rôle au jeune Dorian Browne – dansé devant des radiographies géantes.

Je retiendrai longtemps aussi le délicat tableau inspiré du morceau A winter’s tale. Le duo central semblait pour un instant seul au monde, complice dans sa bulle de plumes, puis rattrapé par les incertitudes de la vie. Les deux interprètes, Mattia Galiotto et Chiara Poscia, y étaient bouleversants.

On aura aussi capté d’autres regards plus espiègles. Témoignant de l’un de ces sourires mutin, je suis tentée de m’assurer de sa sincérité… je regarde plus loin et mes yeux tombent sur un binôme à la connexion plus sérieuse. Oui! Ce sourire intercepté n’était donc pas chorégraphié, mais né d’une émotion insufflée par le mouvement, par la musique ou là aussi par une complicité.

L’expression des individualités est présente dans les divers aspects de la pièce, comme souvent – toujours? – chez Béjart. Danseurs et danseuses sont ici habillé∙e∙s ou dénudé∙e∙s par Versace, dont les costumes jouent sur cette diversité au sein du groupe. Les uniformes sportifs dans Show must go on deviennent des “pluriformes”, une rayure ou une longueur faisant toujours la différence. Un autre moyen d’expression, par moments surprenant et par moment évident, se révélait: la voix. C’est ainsi que les “OH YES!”, libérateurs lancés au public par différents personnages deviennent l’un des éléments du fil rouge.

2021 BBL Japan Tour

Salut de la troupe, 9 mai 2022 au Rosey Concert Hall
avec Gil Roman au premier plan.
Photo: Kiyonori Hasegawa

Entre vie et mort, joie et peine, la pièce crie son envie d’amour et de liberté, et inspire à l’expression de soi et à l’échange.

***

La pièce se rejoue ce soir au Rosey Concert Hall, mais la représentation affiche complet depuis longtemps. Il faudra donc retrouver ces sublimes artistes ailleurs

Le Presbytère n’a rien perdu de son charme, ni le jardin de son éclat
Les 9 et 10 mai 2022
Rosey Concert Hall, Rolle
roseyconcerthall.ch

Les prochaines dates du Béjart Ballet: bejart.ch

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Chers©Josefina-Perez-Miranda

Danser l’absence de l’autre avec la chorégraphe Kaori Ito

Ce soir, la chorégraphe et danseuse japonaise Kaori Ito présente sa création CHERS au théâtre L’Octogone à Pully, dans les cadre des Printemps de Sévelin. Une pièce interprétée par cinq danseur·euse·s et une actrice qui revisitent, par la danse, notre lien aux absent·e·s et aux disparu·e·s. Un voyage poétique qui saisit par le mouvement les gestes désespérés de celles et ceux qui n’ont pas pu rester dans nos vies.

Texte et propos recueillis par Marion Besençon

En 2020, alors que la création CHERS était attendue à L’Octogone mais avait par la suite dû être reportée, la chorégraphe avait échangé quelques impression avec L’Agenda, par téléphone depuis Marseille.

Au départ de l’inspiration, il y a l’existence d’une cabine téléphonique au milieu d’un jardin dans son Japon natal servant à qui voulait continuer à communiquer avec les défunt·e·s. Avec la crise sanitaire, quand il était parfois impossible de rendre un dernier hommage aux personnes disparues et alors qu’elle se demandait à quoi servait le théâtre, Kaori Ito s’est souvenue avoir adressé “des questions lumineuses” aux gens et qu’en réponse elle avait reçu “d’énormes cadeaux”, c’est-à-dire des témoignages écrits extrêmement touchants à l’adresse des disparu·e·s, orientant sa création CHERS vers le genre épistolaire.
Et puis comme s’il fallait “faire disparaître les mots par la danse” et parce qu’en tant que chorégraphe elle trouve des réponses ainsi, elle a choisi de mettre en scène cinq danseur·euse·s et une actrice qu’elle fait à
leur tour écrire puis danser.

Chers©Josefina-Perez-Miranda-3

Chers ©Josefina Perez Miranda

Kaori Ito précise que les histoires poignantes des interprètes de sa chorégraphie ont irrigué son travail de création; ce qui a fait de sa rencontre avec l’équipe une rencontre très forte. Le lien vital au mouvement qu’entretient le jeune danseur Louis Gillard, lequel “cherche à comprendre par la danse le geste de son frère qui s’est donné la mort en sautant d’un pont” en est un exemple. Ainsi tous et toutes dansent tant le mouvement leur est nécessaire, et si l’écrit se mêle à la création et que la danseuse chorégraphe sait que “les
mots existent pour s’unir”, c’est par la danse que s’exprime ce “quelque chose de très très sincère”. À ce sujet, l’échange entre les danseur·euse·s professionnel·le·s et l’actrice Delphine Lanson pour qui le mouvement est moins technique qu’émotif a constitué un enchantement pour la troupe qui s’est trouvée énergisée par cette double approche.

Avec CHERS, Kaori Ito rend un hommage vibrant à la vie malgré l’absence ou l’indépassable perte des êtres aimés.

CHERS
Samedi 5 mars 2022 à 20h30
L’Octogone, Théâtre de Pully
theatresevelin36.ch

Site personnel de l’artiste
www.kaoriito.com

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Happy Hype

Happy Hype à Antigel – on n’aurait pas dû mettre un pull!

*scan de QR code*… *scan de ticket*… “merci! Vous pouvez descendre, le spectacle Happy Hype sera debout et sur scène”. Sur scène?

Texte de Katia Meylan

Des personnages affublés de tulle, de perruques, de schlaps et de lunettes s’agitent dans les couloirs du Théâtre Saint-Gervais. Ils communiquent dans un langage d’exclamations et de gestes bouffons expressifs. On les croise, mais nous public, on se rend sur scène comme on nous l’a demandé. On se place sagement en cercle et, vivant leur vie aléatoirement entre les escaliers, les sièges et la scène, ils nous rejoignent peu à peu.

Alors, une intense DJ commence à les métamorphoser, on troque les schlaps en tissu pour des baskets, on tombe le jupon-armure et les corps se révèlent dans du lycra coloré, les mouvements commencent à se tonifier.

Happy Hype

Apparaissent les membres du collectif Ouinch Ouinch, à géométrie variable, composé ce soir de Marius Barthaux, Karine Dahouindji, Elie Autin, Adél Juhász et Collin Cabanis pour les danseur∙euse∙s. En personnage à part entière, la DJ Maud Hala Chami aka Mulah danse et chante à ses platines sur lesquelles elle alterne les styles, restant de le populaire et le festif; du rap français, des sons plus new-yorkais ou même quelque remix d’un air venu directement du Moyen-Âge.

On lance des jambes, des bras et des regards, on déconstruit les codes de l’espace artistique et des identités. L’énergie irradie le cercle tout autour, le public semble entre deux états, figé, presque hypnotisé par les mouvements captivants des artistes ou déjà atteint par la joie explosive qu’inspirent les chorégraphies de Happy Hype.

En refusant le quatrième mur, le collectif étend son esprit de groupe et son idéal d’horizontalité au public. S’exprimer, être magnifique, pouvoir choisir librement et joyeusement son identité n’est pas le privilège des artistes! Ici, c’est une incitation qui se partage ardemment avec toutes et tous. En s’approchant, touchant et incluant, les danseurs et danseuses passent le message. Cette idée, faite énergie pure, monte parmi le cercle… qui, le moment venu, était fin prêt à changer de forme pour se jeter dans la danse!

Antigel
Jusqu’au 19 février
Voir le programme sur antigel.ch

Happy Hype
Prochaines dates les 18 et 19 juin 2022 – Plateforme 10 – Lausanne
ouinchouinch.com

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Des entités qui cherchent leur place dans le COSMOS

Les spectacles ont repris. Parmi ceux que j’avais noté dans mon agenda (au crayon, excusez le pessimisme qui heureusement n’a cette fois pas eu lieu d’être!), il y avait la création de la Compagnie Linga, intitulée COSMOS, jouée le week-end de la reprise à L’Octogone de Pully.

Texte: Katia Meylan

Pour cette nouvelle pièce, les chorégraphes Katarzyna Gdaniec et Marco Cantalupo explicitent, en clé de lecture, s’être inspirés notamment du concept du mandala pour imaginer un monde en quête d’une harmonie collective. Leurs pas s’interprètent dans la valorisation des différences individuelles, qui contribuent à la richesse de l’ensemble. Un idéal qu’instantanément je rapproche de celui de la compagnie ADN Dialect, voisine veveysane (que j’avais rencontrée quelques mois plus tôt pour le dossier de L’Agenda mars-avril). Toutefois, mon rapprochement est peut-être hâtif car si dans le ballet classique ou néo-classique là n’est pas la norme, et l’on voit souvent des interprètes réglés au millimètre près, de nombreuses compagnies contemporaines recherchent une forme d’expression de l’individualité.
Me glisser dans le public m’a fait découvrir l’univers de la Cie Linga, et a matérialisé en musique et en mouvement ces concepts libérateurs qui me parlent.

Photos: Gregory Batardon

Création originale non seulement par sa chorégraphie mais également par sa musique, COSMOS nous plonge d’abord dans le noir complet pour que vienne à nous les premières notes, composées pour l’occasion par L’Ombre de la Bête. Le duo que forment Mathias Delplanque et François Robin donne une couleur électronique aux instruments de ce dernier, la cornemuse et le violon. On a déjà perdu nos repères, le jour se lève lentement sur les musiciens qui créent une matière avec laquelle ils se connectent aux gestes lents des corps, qui finissent par apparaître eux aussi.

Les mouvements de chacun de ces corps se développent individuellement dans des reflets de lumière chaude; ils naissent au monde. Progressivement, une énergie couve alors que les entités semblent s’influencer. Peut-être n’est-ce encore que par mimétisme inconscient… jusqu’à arriver à la première séquence d’ensemble, explosive. Frissons. Neuf danseur∙euse∙s et deux musiciens. Cet ensemble n’est pas donné comme acquis, il prend son sens après nous avoir fait témoigner de l’évolution des individualités. Le son rugueux de la cornemuse ajoute à la frénésie du moment. Après ce moment de transe commune, les entités comment à interagir, à se toucher, à tester, à modifier les espaces individuels et les faire fusionner comme pour trouver une résonnance qui conviendrait à toutes.

Photo: Gregory Batardon

Les expressions des visages sont gommées par les interprètes et la pénombre; ce sont les mouvements, les distances, la place que prend chaque entité dans l’espace qui importent. Ont-elles trouvé un fonctionnement? Pas de fin pour COSMOS mais un délicat et inattendu recommencement.

COSMOS
Les premières ont eu lieu les 24 et 25 avril 2021.

Reprise les samedi 28 et dimanche 29 janvier 2022. La mise en vente est prévue le lundi 9 août 2021 dans le cadre de la nouvelle saison de l’Octogone.
www.linga.ch

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Your Fault portrait ©MarySmith_Marie Taillefer

Culture estivale à Lausanne

La plateforme CultureDebout! recense toutes les actions et initiatives mises en place en un temps record par la scène culturelle lausannoise. Rivalisant de créativité, elle vous propose cet été un programme inédit et majoritairement gratuit dans des conditions respectueuses des normes sanitaires.

Texte: Sandrine Spycher

Un des rendez-vous phares de l’été lausannois est, depuis de nombreuses années, Le Festival de la Cité. Annulé à cause de la pandémie de coronavirus, il vous donne rendez-vous pour sa version revisitée, Aux confins de la Cité, qui se tiendra du 7 au 12 juillet 2020. Les différents lieux, choisis avec attention afin de respecter les normes sanitaires tout en garantissant une expérience de spectacle enrichissante, ne sont dévoilés qu’aux participant·e·s. En effet, les projets, in situ ou sur des scènes légères, ne sont accessibles que sur inscription. C’est donc après tirage au sort que les chanceux et chanceuses pourront profiter de spectacles de danse, théâtre, musique et bien plus encore Aux confins de la Cité!

Pour ce qui est des arts de la scène, L’Agenda conseille, au cœur de cette riche sélection, la pièce Sans effort de Joël Maillard et Marie Ripoll. Déjà présenté à l’Arsenic en octobre 2019, ce spectacle est un joyau de texte et de créativité, qui explore les questions de la mémoire humaine et de la transmission entre générations. Côté musique, vous retiendrez notamment la pop velours de Your Fault, projet de Julie Hugo (ancienne chanteuse de Solange la Frange). Cette musique aux notes envoûtantes ne manquera pas de rafraîchir la soirée à l’heure où le soleil se couche. Enfin, pour apporter une touche grandiose dans ce festival, Jean-Christophe Geiser jouera sur les Grands Orgues de la cathédrale de Lausanne. Ce monument symbolique de la Cité où se déroulent les festivités contient le plus grand instrument de Suisse, que l’organiste fera sonner. Bien d’autres projets et spectacles seront présentés au public inscrit. En prenant soin de respecter les consignes sanitaires, on n’imaginait tout de même pas une année sans fête à la Cité !

Your Fault portrait ©MarySmith_Marie Taillefer
Your Fault, © MarySmith : Marie Taillefer

Les cinéphiles ne seront pas en reste cet été grâce aux différentes projections, par exemple dans les parcs de la ville. Les Toiles de Milan et les Bobines de Valency ont repensé leur organisation afin de pouvoir offrir un programme de films alléchant malgré les restrictions sanitaires. Les Rencontres du 7e Art, ainsi que le Festival Cinémas d’Afrique – Lausanne se réinventent également et vous invitent à profiter de l’écran en toute sécurité. La danse sera également à l’honneur avec la Fête de la Danse ou les Jeudis de l’Arsenic, rendez-vous hebdomadaires au format décontracté, qui accueillent aussi de la performance, du théâtre ou encore de la musique.

La plupart de ces événements sont rendus possibles grâce au programme RIPOSTE !. Selon leurs propres mots, RIPOSTE !, « c’est la réponse d’un collectif d’acteurs culturels lausannois pour proclamer la vitalité artistique du terreau créatif local ». L’Esplanade de Montbenon et son cadre idyllique avec vue sur le lac Léman a été choisie pour accueillir, chaque vendredi et samedi en soirée, une sélection de concerts, films en plein air et performances de rue. L’accès y sera limité afin de respecter les mesures sanitaires.

L’Agenda vous souhaite un bel été culturel !

Informations sur culturedebout.ch


 

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Prix de Lausanne 2020

La finale de la 48e édition du concours international Prix de Lausanne, visant à mettre en valeur les jeunes danseurs et danseuses de 15 à 18 ans au début de leur carrière, a eu lieu le 8 février 2020 à Montreux. L’Agenda a saisi l’occasion de contempler la beauté des artistes et de suivre une compétition effrénée entre eux pas à pas.

Texte: Margarita Makarova

Marco Masciari © Gregory Batardon et Rodrigo Buas

Parmi les premiers délices de la danse classique, il y avait Kaito Matsuoka, candidat japonais, avec sa technique impeccable. Il s’est distingué notamment par son grand jeté (du niveau le plus élevé possible) après lequel le public a poussé des ha!

Il n’était pas le seul à avoir fait preuve d’une technique haut de gamme: la Chinoise Lin Zhang, le Brésilien João Vitor Santana et l’Italien Marco Masciari nous ont montré un bel enchaînement de jetés en manège. Marco Masciari en a effectué tant qu’il devait en avoir la tête qui tournait, à en juger selon sa position finale.

Les spectateur∙trice∙s avaient des vertiges, eux aussi, en regardant les costumes des filles coréennes brillants, tant au sens figuré qu’au sens propre. Le charisme des candidat∙e∙s fascinait également le public: de forts applaudissements à Vitor Augusto Vaz, danseur brésilien, en servaient de justification.

Bien qu’il fût difficile de sélectionner notre favori de cette partie classique, notre choix s’est finalement porté sur Kaito Matsuoka.

***

Après une série de vidéos présentant les entraînements de jeunes candidat∙e∙s, a débuté la deuxième partie, celle de la danse contemporaine.

Loin des exigences académiques, le ballet contemporain donne plus de liberté et permet d’interpréter le même morceau par la danseuse comme par le danseur. Il était donc curieux d’observer les différences dans la mise en mouvement des mêmes chorégraphies. Ainsi, Abstract de Jean-Christophe Maillot était dynamique chez Vitor Augusto Vaz et Chun Hung Yan mais douce chez Sophie Beaty. À notre avis, bien évidemment subjectif, c’est Ava Arbuckle, candidate américaine, qui a le mieux exprimé le dessein de J.-C. Maillot.

Ava Arbuckle © Gregory Batardon et Rodrigo Buas

Un véritable défi du point de vue technique était la chorégraphie Rossini Cards de Mauro Bigonzetti. La difficulté consiste à faire coexister deux facettes, la grâce et son antipode. L’équilibre final, le dos tourné, n’est d’habitude jamais parfait chez les finalistes. Cela n’a pas été le cas de Lin Zhang, son exécution était formidable et juste, sans déplacements ni hésitations.

L’Australien Jackson Smith-Leishman avec son interprétation de Furia Corporis de Mauro Bigonzetti a laissé la salle la bouche bée. Ayant dépassé João Vitor Santana, Marco Masciari (le plus âgé des concurrents) est devenu notre favori de la deuxième partie. Sa perfection et son élégance lors de la présentation de Chroma de W. McGregor n’a laissé personne indifférent∙e. Ce spectacle inoubliable était comparable à celui du candidat roumain Matei Holeleu. Le Japonais Kaito Matsuoka, par contre, ne semblait pas aussi sûr de lui que pendant sa danse classique.

L’Agenda n’était pas seul à apprécier la chorégraphie de Marco Masciari. Étudiant de la fameuse Académie Princesse Grace (d’où vient également le Premier Prix 2018 Shale Wagman), il a non seulement remporté le Premier Prix, mais aussi celui d’interprétation contemporaine.

Oak Foundation
Marco Masciari – Italie

Bourse Jeune Espoir
Ava Arbuckle – États-Unis

Donateur anonyme
João Vitor Santana – Brésil

Emile Chouriet
Lin Zhang – Chine

Fondation Coromandel
Chaeyeon Kang – Corée du Sud

Fondation Albert Amon
Matei Holeleu – Roumanie

Fondation Caris – Jeune Espoir
Vitor Augusto Vaz – Brésil

China Nobleness
Yuyan Wang – Chine

Autres Prix:

Nureyev Foundation
Prix du meilleur jeune talent: Ava Arbuckle – USA

Minerva Kunststiftung
Prix d’interprétation contemporaine: Marco Masciari – Italie

Donateur anonyme
Prix du meilleur candidat suisse: Matei Holeleu – Roumanie

Prix du public web: Yuyan Wang – Chine

Prix du public: Catarina Pires – Portugal

Il est à noter que, en dehors du concours principal, a eu lieu le Projet Chorégraphique avec la participation de 26 danseurs et danseuses du monde entier, dirigé par Mauro Bigonzetti. Une mise en scène digne d’être mentionnée car elle était la cerise sur le gâteau qui nous a suscité des émotions cathartiques.

Quant aux représentant∙e∙s de la Suisse, deux personnes, la Portugaise Catarina Pires et le Roumain Matei Holeleu, font partie des écoles suisses Tanz Akademie Zürich et Ballettschule Theater Basel respectivement. Catarina Pires a remporté le Prix du public, tandis que Matei Holeleu le Prix du meilleur candidat suisse. En espérant en retrouver davantage l’année prochaine, nous félicitons les gagnant∙e∙s de cette 48e édition du Prix de Lausanne et leur souhaitons bonne chance!

www.prixdelausanne.org

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Plus pop et hétéroclite que jamais, Antigel souffle ses 10 bougies en grande pompe

Depuis 2011 déjà, le festival international de musique et danse genevois Antigel offre durant trois semaines un programme culturel fun et actuel. En tête d’affiche cette année, le spectacle Inoah d’une figure majeure de la danse contemporaine, le brésilien Bruno Beltrão à voir au Bâtiment des Forces Motrices le 13 février prochain. Avant cela, L’Agenda est allé découvrir la performance intrigante de Simon Mayer.

Texte: Marion Besençon

Questionnant ce qui nous rassemble, l’artiste protéiforme Simon Mayer convie son public à l’expérience d’une fusion des formes du folklore et de la danse contemporaine. Pour son solo, c’est nu qu’il s’est présenté sur la scène du Point Favre, dans ce “costume traditionnel de tous” comme il nous l’a expliqué à l’issue de sa représentation. C’est un pont entre le primitif et le moderne que tisse progressivement le danseur, dans le mouvement et par le chant, avec le son des différents objets aussi. Dans son spectacle SunBengSitting (Sunbeng, ce fameux banc en bois devant les maisons surlequel on s’assied pour prendre le soleil), celui qui est d’ailleurs originaire du monde rural autrichien livre une performance ludique et organique, une ronde qui convoque les éléments du monde par la danse folk et le yodel, entre patrie et ouverture au monde.

Il ne s’agit pourtant plus d’être en transe autour du feu, c’est le micro suspendu qui paraît aujourd’hui symboliser l’action féconde des cycles de mort et renaissance; et peut-être même incarner le prolongement de la lumière, c’est-à-dire l’illumination.

Le musicien sollicite donc la mémoire de la communauté humaine ainsi que l’imaginaire de nos sociétés contemporaines en se jouant de la bienséance et de la vraisemblance, exploitant sur scène des artefacts aussi classiques que subversifs: un violon, un fouet ou encore une trançonneuse. Jouant crescendo, la performance se clôt dans la jubilation du storytelling révélant, dans le même temps, la légende d’intrépide cueilleur d’edelweiss du personnage et sa fin logiquement tragique en bas d’une montagne. Subtile et drôle, une performance d’art vivant qui nous laisse penser que le festival genevois a sorti le grand jeu pour cette édition anniversaire…

Dans la catégorie de la danse urbaine et du hip hop, Bruno Beltrão présentera quant à lui dix jeunes hommes comme autant de figures de migrants. Réunis pour former d’éphémères duo ou trio de danse, ces déracinés manquent à dépasser ce qui les sépare pour bénéficier de l’aide et de la chaleur d’une communauté. Le spectacle Inoah agit en ce sens en électrochoc: par cette distance entre les corps qui dansent, sans cesse réétablie dans l’espace de la scène, c’est une difficulté de la migration qui se dévoile à nos sens. Portés par une chorégraphie virtuose, ces corps portent ainsi magnifiquement le message humaniste au public. Un moment époustouflant, ancré dans la réalité du monde présent, à vivre d’urgence à Antigel.

Festival Antigel
Festival international de musique et danse

Communes genevoises
Jusqu’au 15 février 2020  

Inoah
Jeudi 13 février à 20h30 au Bâtiment des Forces Motrices (BFM), Genève

Programmation complète sur www.antigel.ch

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“J’aime tout” Dixit Maurice Béjart

Depuis mardi, le Béjart Ballet danse “Dixit”, un spectacle danse-théâtre-cinéma en hommage à Maurice Béjart, créé en 2017 et remonté cette année pour six dates au Théâtre de Beaulieu, avant les grandes rénovations qui demanderont à la troupe de temporairement changer de “maison”.

Texte: Katia Meylan

©Ilia Chkolnik

“D’où vient l’inspiration?” c’est cette question qui a été la matière première du spectacle imaginé et mis en scène par Marc Hollogne. Ce dernier, inventeur du cinéma-théâtre, fut en 1989 l’assistant de Maurice Béjart et l’avait suivi caméra au poing durant une année. À travers ces images, à travers des interviews, des mises en scène de l’enfance de Béjart tournées pour l’occasion, et enfin à travers les chorégraphies du maître et de son successeur Gil Roman, on retrace la vie du chorégraphe, de la culture qui l’a entouré si naturellement dans son enfance, sa capacité hors-norme de créer, à l’envie qu’à sa troupe de perpétuer son œuvre.

©Gregory Batardon

Le cinéma est un double moyen d’entrer dans la danse: d’abord en donnant une forme 2D à l’amour de Béjart pour le théâtre. Théâtre avec un grand “T” qui a “forgé la théâtralité de ses visions chorégraphiques”, analyse Marc Hollogne. On voit donc ce dernier, poudré et perruqué en comédien du 17e siècle, essayer de défendre la noblesse du texte alors que son interlocuteur voit déjà dans la danse la puissance des mythes. Les chorégraphies prennent alors le dessus; les archives et les vidéos des danseurs filmés, projetées sur huit écrans apparaissant de cour, de jardin ou des cintres, entrent en dialogue – mots et mouvement – avec les danseurs de chair, d’os et de plumes.

Aux côtés de l’inspiration se tient la transmission: dans “Dixit” se mêlent les chorégraphies de Béjart et celles de Gil Roman, directeur artistique de la compagnie depuis douze ans déjà. Et ce dernier prend la main de Mattia Galiotto, danseur de la compagnie qui interprète le jeune Béjart, en dialogue avec lui-même.

De ce ballet de deux heures que je voyais pour la seconde fois, je redécouvre certains tableaux presque totalement effacés de mon esprit, ou j’attends avec impatience que se rematérialisent devant mes yeux les souvenirs vifs de certaines images.

©Gregory Batardon

Même depuis le fond de la salle, je vois celle qui, depuis, a dansé le rôle-titre de “Tous les hommes presque toujours s’imaginent”, création de Gil Roman présentée pour la première fois en avril dernier qui se voit d’ailleurs insérée à “Dixit”. Jasmine Cammarota est l’une des danseuses de la troupe dont il est difficile de détacher les yeux tant la présence sur scène est forte. Ici elle prend à l’écran le rôle de Juliette, et réalise notamment le pas de deux de “Dibouk” (Béjart), ballet inspiré des danses traditionnelles juives.

Parmi les autres images fortes, la scène de “Syncope” (Gil Roman) qui précède le “Boléro” final: elle réunit les danseurs et danseuses de toute la troupe dans une course effrénée, et suscite une émotion viscérale même à qui la pour la troisième fois. Sans oublier le tableau magistral où, sous l’œil du petit Maurice qui tourne les boutons de la radio, sept ballets aux inspirations diverses s’alternent, campés sur un spectre audio. Piaf, la musique grecque, Mahler, Mozart, Bartok, la musique indienne ou Queen: “J’aime tout!” dixit Maurice.

Avec une telle curiosité, une capacité de s’imprégner et de transmettre si puissantes, on comprend pourquoi il touche au plus profond d’eux-mêmes tous ces gens qui étaient dans le public ce soir-là!

Dernière représentation ce soir, dimanche 16 juin à 18h. Aux dernières nouvelles il restait moins d’une dizaine de billets!

www.bejart.ch

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Du hip-hop en béton

Cela fait maintenant quelques années que la culture hip-hop renaît de ses cendres en Suisse romande. Nombreux·ses sont les artistes qui osent se lancer sur la scène artistique francophone et deviennent de flamboyant·e·s représentant·e·s urbain·e·s made in Switzerland. Le Festival Transforme, qui aura lieu le 27 juin au Centre de Formation Professionnelle de Ternier à Lancy, est un projet alliant une participation active des jeunes apprenti·e·s qui l’organisent et la culture dont ils se rapprochent le plus, le hip-hop new school.

Texte: Giovanna Santangelo

Qui n’a jamais entendu le principe traditionnel et endurci qui disait que les grandes études valaient mieux que tout le reste, sous prétexte qu’elles seules permettaient d’ouvrir les meilleures portes de la vie laborieuse. Transforme constitue la clôture d’un projet plus général de valorisation de l’apprentissage dans le canton de Genève, qui tend  justement à lutter contre ces préceptes archaïques.

L’aspect participatif est ce qui est le plus mis en avant. Les nombreuses créations des apprenti·e·s réalisées tout au long du semestre ont une fonction concrète lors du festival. Le flyer est confectionné par des étudiant·e·s en graphisme et design, l’enseigne “TRANSFORME” est taillée dans le bois par les apprenti·e·s en menuiserie, et le bar en béton est réalisé par celle et ceux en maçonnerie. Cet événement est créé pour eux et géré par eux. L’autre but, c’est d’intéresser les plus jeunes, les 12-15 ans, qui à l’heure du choix pour déterminer leur futur parcours, auront l’occasion d’être plus informé·e·s sur l’amplitude de formations professionnelles existantes et indispensables dans la vie de tous les jours. En mettant en scène l’offre culturelle dans un projet open-air consacré au hip-hop, on attire un public dynamique composé des futur·e·s protagonistes du monde professionnel de demain.

Cette année, un programme paritaire est annoncé. Il y aura autant d’artistes féminines que de rappeurs masculins qui se produiront sur la scène musicale. De plus, la tête d’affiche du festival est une femme, elle aussi. IAMDDB incarne le nouvel espoir  de l’urban jazz anglo-saxon et à seulement 23 ans, elle compte déjà trois albums à son actif. En restant dans le même répertoire de genre mais de manière plus régionale, seront présentes aussi Women At Work, un collectif pluridisciplinaire prônant notamment le rap engagé dans leurs textes, et aussi Ella Soto, la star suisse polyvalente de R’n’B lo-fi.

Issus de la scène française cette fois-ci, on retrouvera 13 Block, quatuor masculin constituant un phénomène explosif de la trap francophone actuelle et Dosseh, figure immanquable du rap qui enchaîne les collaborations avec des grands noms tels que Booba, Seth Gueko ou encore Youssoupha. La petite touche locale sera amenée par Rouhnaa & Gio Dallas, deux jeunes artistes de la nouvelle génération du rap genevois.

En plus de l’aménagement d’un skatepark et de démonstrations de parkour qui avaient déjà fait fureur l’année passée, d’autres nouveautés sont prévues pour la deuxième édition de Transforme. Il sera possible d’assister à un défilé fusionnant mode streetwear et danse et à un open mic libre rythmé et organisé par le collectif La Ruelle.

Rendez-vous à Transforme pour célébrer le début de l’été dans une atmosphère débordante d’artistes underground prometteur·s·es.

Festival Transforme

Le jeudi 27 juin au centre de formation professionnelle de Ternier de Lancy, Genève

https://festival-transforme.ch

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Eugénie Rebetez dans son habitat naturel, entre authenticité et espièglerie

Dans son troisième spectacle, l’artiste jurassienne Eugénie Rebetez, en résidence à la Grange de Dorigny, nous convie chez elle. On y découvre son “moi protéiforme”; un cocktail survitaminé dont elle a le secret, à la fois généreux, incongru et plein de finesse!

Texte: Julia Jeanloz

Photo: Augustin Rebetez

Dans “Bienvenue”, sa dernière création, Eugénie Rebetez, mise en scène par Martin Zimmermann, son compagnon à la vie comme à la scène, invite le public à entreprendre un voyage dans son univers intime. Ce spectacle est ponctué de nombreuses scènes, tantôt cocasses, tantôt déroutantes, tantôt maladroites, tantôt gracieuses. Mais toujours poétiques. Le corps de l’interprète y est envisagé comme une maison qui accueille des souvenirs, des émotions, un langage. Non sans fantaisies, Eugénie manie l’art des contradictions dans ce seule en scène étonnant, à la croisée du numéro de clown tragi-comique et de la danse contemporaine.

La scène représente un intérieur, le sien. Dans ce dernier, chaque pièce de mobilier, porte ou fenêtre est autant d’opportunités de jeu pour l’artiste. En femme de ménage, Eugénie aspire, astique, panosse, spraie, avec énergie. Soudain, Rihanna retentit: “Shine bright like a diamond”. L’occasion pour la comédienne-chorégraphe de redoubler d’efforts dans son intention de faire reluire cet intérieur. Avec une redoutable maîtrise de son corps, elle transforme l’exercice du ménage en une farandole de mouvements savamment chorégraphiés. Ce personnage, c’est vous, c’est moi, c’est nous.

– Eugénie, tu viens?
– J’arrive

La narration explore les multiples manières de provoquer des rencontres entre monde intérieur et monde extérieur, à l’aide de bruitages, de borborygmes et d’autres sons. Comment être en relation avec les autres, avec la société, tout en restant dans son jardin intérieur?

Le spectacle qui s’est donné à la Grange de Dorigny a connu un succès retentissant auprès des spectateurs et spectatrices présent·e·s. Il avait pour particularité d’être le fruit d’une collaboration avec l’association Écoute Voir qui vise à favoriser l’accès aux arts vivants des personnes en situation de handicap sensoriel. Effectivement, il a mobilisé les services d’une audio-descriptrice qui avait en amont étudié la captation, tout en imaginant des images à convoquer pour mieux décrire les scènes qui se déroulaient, au point de rendre suffisamment curieuses des personnes parmi le public pour les pousser à emprunter le casque d’audio-description. Il s’est clos sur une rencontre avec le public, à la fois composé de voyant·e·s, de malvoyant·e·s et d’aveugles, qui ont montré un grand intérêt pour le travail de l’audio-descriptrice, Séverine Skierski. Eugénie Rebetez, questionnée au sujet de cette collaboration, s’est dite très satisfaite de celle-ci car elle lui a permis de redécouvrir son propre travail, par une relecture artistique de l’audio-descriptrice.

https://wp.unil.ch/grangededorigny/spectacles/

Dans le cadre de sa résidence à la Grange de Dorigny, Eugénie Rebetez présentera son nouveau spectacle, “Nous trois”, en novembre 2019.

L’artiste chorégraphie également le défilé du canton du Jura pour la Fête des Vignerons 2019.

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