Article paru dans L’Agenda papier – L'Agenda

La prison, miroir de notre société

blogcom — Thu, 20 Mar 2025 12:14:15 +0000

Festival de Film Santé Mentale et Prison

Du 4 au 7 avril 2025 au Casino de Montbenon à Lausanne aura lieu le festival de Film Santé Mentale et Prison, qui porte deux thématiques sensibles sur la place publique afin de dépasser les schémas réducteurs et ouvrir des chemins vers le vivre ensemble. Au programme de ces quatre jours : 9 films (documentaires et fictions), 4 débats et 4 dialogues croisés avec des personnalités romandes et des expert·e·s de vécu.

Tout le programme sur:
www.association.graap.ch/festival-graap/

Nous avions eu l’occasion de voir Bloc central, l’un des films au programme, en présence du réalisateur Michel Finazzi devant une salle comble au Cinéma Bellevaux, à sa sortie en 2018. L’Agenda avait publié un article au sujet de ce long métrage de fiction, qui rend compte de la vie quotidienne d’une prison lausannoise.

Texte: Katia Meylan
Article paru dans L’Agenda N°73 Mai/Juin 2018

Il aura fallu quatre ans de travail à Michel Finazzi pour compléter le tournage et la post-production de Bloc central, sans compter un long processus de documentation en amont: seize ans de carrière en tant que responsable d’un atelier vidéo à la prison du Bois-Mermet à Lausanne. Durant cette période, le réalisateur devient familier du fonctionnement de l’institution, côtoyant résidents, gardien·ne·s et éducateur·trice·s. Il récolte des anecdotes, des morceaux de vies qui le marquent. Il est témoin des aberrations du système, de la vision erronée de la prison que peuvent avoir les gens de l’extérieur. Il entrevoit alors la possibilité, la nécessité même, de faire un film.

Pour des questions juridiques, conscient qu’il n’aura le droit de faire apparaître à l’image ni détenus ni gardien·ne·s, il prend le parti de la fiction. Il pose d’abord sur papier sa matière première, puis lance des auditions pour réunir les 57 comédien·ne·s de Bloc central, professionnel·le·s ou amateur·trice·s.

Par souci de réalisme, Michel Finazzi tient à filmer sur les lieux mêmes de l’action. Pour des raisons pratiques vis-à-vis de l’institution, un décor de cellule doit être construit, mais afin de faire ressentir au plus près les conditions carcérales, le réalisateur tient à ce qu’il ait la taille d’une cellule réelle, avec quatre murs, manquant uniquement une parcelle de plafond. Grâce à ce « trucage », on observe d’ailleurs dans un plan un mouvement de caméra s’élevant en plongée, qui rend paradoxalement encore plus fort le sentiment d’enfermement. Au langage cinématographique s’ajoutent l’accent vaudois de certains comédiens et l’authenticité du rythme. La prise de conscience, en tant que spectateur·ice, est saisissante: on est témoin de situations qui se vivent aujourd’hui, dans notre société, au quotidien.

Si les premières minutes de Bloc central ont une forme documentaire – peu de dialogues, plans descriptifs des lieux et des procédés lors d’une nouvelle arrivée en prison – la trame narrative devient plus importante au fil des scènes. Pascal Bonamy (Sandro De Feo), un cadre sans histoires ou presque, est inculpé pour tentative de meurtre. Il partage la cellule de Célestin N’Samba (Miguel Blanc), incarcéré à tort pour une histoire de diamants congolais. De l’autre côté des portes, Daniel Ruchat (Vincent Rime) en est à ses premiers cent pas en tant que gardien, et s’intègre parmi ses collègues, animatrices et autres professeurs de sport ou de français du Bois-Mermet.

L’un des thèmes clés qu’aborde le film est la mauvaise compréhension de la prison par le monde extérieur. Si les détenus peuvent faire de la gym, regarder la TV ou se rendre à un cours de langue – épisodiquement – ce n’est pas pour autant « qu’ils sont au Club Med! ». Cette idée reçue, Michel Finazzi l’a entendue bien des fois et souhaite faire passer au public une vérité toute autre.

En terminant son film par une scène au café Lausanne-Moudon, dans laquelle les personnages vivent une autre vie, hors des
murs de la prison, le réalisateur fait passer l’idée que ce lieu est un miroir de notre société. « Je ne donne pas de conseils, j’essaie d’avoir un regard juste, en tant que documentariste », dit Michel Finazzi, alors que Bloc central joue, aujourd’hui encore, son rôle de vecteur, et ouvre des conversations sur les systèmes mis en place par nos sociétés…

www.michelfinazzi.com

Laurent Bortolotti, danseur de claquettes

blogcom — Mon, 18 Nov 2024 14:21:31 +0000

Depuis plus de trente ans, le danseur de claquettes Laurent Bortolotti vole de projets en projets, de villages en capitales au gré de ses envies et des rencontres imprévues, comme si, au détour d’un club de jazz, Hermès lui-même lui avait confié une paire de claquettes ailées.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan
Portrait paru dans L’Agenda 106 (janv-fév. 2024)

La danse est souvent une interprétation de la musique, plus rarement une interprète elle-même!

Atypique dans sa façon d’aborder son art, Laurent Bortolotti se considère autant musicien que danseur. « C’est le jazz qui m’a amené aux claquettes », expliquet- il. Il évoque des 78 tours trouvés un peu par hasard dans une brocante, l’envie de bouger sur ce jazz des années 20 à 40 qui, adolescent, l’a tout de suite saisi. À 13 ans, le jeune Yverdonnois qu’il était, devenu entre-temps admirateur de Fred Astaire, voit une publicité pour un championnat de claquettes à Lausanne. Quelques temps plus tard, il intégrait un cours à l’École de Danse Martin.

Le berceau des claquettes jazz

À la fin des années 90, Laurent Bortolotti part vivre aux États-Unis avec son bagage de jeune danseur. « Là-bas, j’ai retrouvé mon
primus motus animi: le jazz », raconte-t-il. Il mentionne sa professeure Heather Cornell et se remémore les grands maîtres, alors encore vivants: Jimmy Slyde, Buster Brown, les Nicholas Brothers… « À New York, les danseurs de claquettes se retrouvaient pour improviser dans le mythique club Swing 46. Trois jours après être arrivé, je me suis lancé sur scène sans même savoir ce qu’était un standard de jazz! Bien-sûr, je me suis complètement planté ! », rit l’artiste à ce souvenir.

Un artiste consciencieux

L’expérience lui inculque que plus la connaissance de la musique est profonde, plus le jeu est subtil. Laurent Bortolotti ne s’est donc pas contenté d’apprendre les structures des standards de jazz, mais s’est appliqué à développer sa perception de l’harmonie et des variations à l’intérieur de chaque section. « Aujourd’hui, quand j’écoute un morceau, au lieu d’entendre un tapis sonore, j’arrive à en déceler la construction, et je peux décider comment intervenir – de façon musicale ou dansée – en connaissance de cause. Quand je pratique, je pense à la fois cet aspect-là et à l’esthétique des mouvements, que je peux chorégraphier pendant les parties thématiques. Mais lorsque j’improvise, il faut tout oublier, pour être dans le moment présent. »

Photos de Grégoire Fillion / Festival de Musique Improvisée de Lausanne 2023.

L’expression sous toutes ses formes

Depuis 2004, avec sa compagnie jazz é-tap, il développe ce moyen d’expression sous différents formats, du solo au sextet, de la fiction musicale et théâtrale au spectacle didactique pour enfant, du jazz manouche à la musique latine. Il commande parfois des compositions pour claquettes à des amis musiciens, car ces pièces sont plutôt rares. L’une des marques de fabrique de Laurent Bortolotti est d’être également percussionniste accompagnateur. « Même en Amérique, je n’ai pas vu ça souvent! », affirme-t-il. « On a l’habitude de voir le danseur devant et les musiciens derrière. J’aime avoir un grand plancher pour pouvoir danser pendant mes solos, mais aussi une petite planche sur le côté, où je me mets quand j’accompagne les autres avec un groove simple. J’aime que les musiciens et le danseur soient disposés de manière rapprochée sur scène, au plus intime, et si possible le public aussi! ». Ce constat rejoint de fait son souhait de créer des projets qui mettent le partage au premier plan.

Un artiste migrateur
En 2018 et 2019, Laurent Bortolotti traverse l’Amérique centrale en bus avec sa petite planche à la rencontre des artistes locaux·ales.
En 2023, il entreprend une tournée de trois mois au Mexique et au
Guatemala avec des amis rencontrés lors des deux premiers voyages. « Je pourrais vous raconter des centaines d’anecdotes, les meilleures comme celles dont je me serais bien passé! Quand les expériences se présentent, il faut toutes les vivre! », sourit-il. Il revient sur ce festival de jazz au Guatemala, où il avait eu la mauvaise surprise de découvrir que son collègue pianiste allait devoir jouer sur un synthétiseur auquel il manquait quatre octaves… Il raconte aussi l’enthousiasme et la chaleur rencontrée en route, notamment dans une région du Mexique où le zapateado, une danse traditionnelle percussive, avait instantanément créé le lien entre les habitant·e·s et lui: « Je faisais quatre bis et la fête se prolongeait jusqu’au milieu de la nuit! ».

Pierre qui roule amasse tout de même de la mousse

« J’ai joué dans des lieux auxquels ne n’aurais jamais pensé avoir accès, par exemple le club de jazz Sunset-Sunside à Paris, où ont joué toutes mes idoles, et dans des lieux comme le Festival de Musique Improvisée de Lausanne, le festival Marigliano in Jazz ou le Generations Jazz Festival de Frauenfeld. Ça me fait tellement plaisir que des clubs et des festivals considèrent que les claquettes ont leur place dans le milieu de la musique jazz, au même titre que tout autre instrument! C’est une vraie reconnaissance. »

Trio Improv’iste
Depuis sa création, le trio a existé en diverses configurations, au fil des envies. Depuis quelques temps, il s’épanouit dans la formule piano, vibraphone et claquettes.

Où écouter Laurent Bortolotti prochainement?
Trio Improv’iste
Samedi 23 novembre 2024 à 21h
Chorus Jazz Club, Lausanne
Tarif: 25.-
www.chorus.ch

Inri

blogcom — Mon, 28 Oct 2024 15:18:05 +0000

Jouée en première mondiale les 6 et 7 juillet derniers au Théâtre du Jorat, INRI rassemble une quarantaine d’artistes dans une version jazz de la Passion selon Saint-Jean de Jean- Sébastien Bach. Le groupe No Square, la compagnie de danse ADN Dialect, le Sinfonietta de Lausanne et le choeur Post Tenebras Lux matérialisent la rencontre de l’écrit et de l’improvisé, du millénaire et du présent, du métaphorique et du tangible. On reste bouche bée du début à la fin.
À revoir à Yverdon le 1er novembre.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan

Il est de ces projets qui attendent patiemment dans un coin de tête que vienne leur heure. « C’était une des énièmes fois que j’allais voir la Passion selon Saint-Jean à la Cathédrale de Lausanne. Je m’étais dit qu’on devrait essayer de la reprendre, se rappelle André Hahne, bassiste, compositeur et fondateur du groupe jazz No Square. Mais il fallait d’abord un concept ». Quelques années plus tard, le musicien partageait la création artistique de No Plan B, inspiré du concept de « jam » jouée et dansée, avec le chorégraphe Angelo Dello Iacono et le compositeur et arrangeur Ben Schwendener, qui travaillait sur Bach depuis des années. « J’avais trouvé les personnes qu’il me fallait! ». De plus, 2024 était le timing rêvé, marquant à la fois les 30 ans de No Square et les 300 ans de la Passion.

Le pilier Bach – respect des partitions et liberté

André Hahne s’empare donc de Bach et sa Passion comme base solide. « Les parties chorales sont chantées presque telles quelles – avec une certaine liberté dans leur ordre d’apparition. » Celles-ci sont interprétées par le Sinfonietta de Lausanne et Post Tenebras Lux, dirigés par Céline Grandjean. Une cheffe de choeur qui devient multi-tâches, incarnant un personnage tout en amenant l’orchestre et le choeur à enrober le quintet jazz, qui lui, interprète la partition de façon plus libre. « On aurait pu imaginer improviser autour de la cheffe… mais ça n’aurait pas marché », explique le bassiste. « Comme la musique n’est pas écrite à la base pour être jouée avec un time de batterie, l’impulsion doit partir du quintet ». Il ajoute que la musique d’Inri n’est pas vraiment une réécriture de l’oeuvre mais plutôt une analyse de chacune des parties. Ben Schwendener s’est ensuite attelé à fournir aux musiciens jazz la grille de la Passion, soit la structure harmonique et rythmique à partir de laquelle improviser. « Je me suis rendu compte que ces grilles – qui sont vraiment incroyables – ne sont pas celles dont on a l’habitude. Elles sont beaucoup plus compliquées que le langage de base qu’on a pour se comprendre en jazz. Bien sûr, Bach s’en foutait si tel passage faisait neuf ou sept mesures », rit le musicien, « alors ça demande plus de travail pour être aux rendez-vous. Mais on s’est aménagé des grilles dans lesquelles on peut se lâcher ! ».

Le pilier Jésus – foi en la gestuelle

Pour raconter l’histoire des derniers jours de Jésus sur terre, André Hahne et Angelo Dello Iacono, fondateur de la compagnie de danse ADN Dialect, metteur en scène et chorégraphe du projet, sont retournés aux textes. « J’ai une bible maintenant! », lance fièrement André. « Quelle version? », le provoque amicalement Angelo, sur quoi les deux artistes s’accordent pour dire que les divergences sont justement ce qui fascine. « Ce sont les phénomènes sociologiques qui m’intéressent. Mes réflexions portent sur la manière dont je peux les évoquer, sous forme vivante et multiple », exprime le chorégraphe. Dans ses propos, on reconnait aussi les valeurs de sa compagnie, qui mise sur la personnalité de chaque artiste plutôt que sur la chorégraphie souveraine. « Les artistes, qu’ils soient musicien∙ne∙s ou danseur∙euse∙s, joueront chacun∙e avec leur instrument, avec la même part de repères fixés que de liberté ».

L’engouement

Le soir de la première, au Théâtre du Jorat, le public était debout. Parmi les spectateur·ice·s, nous avions peine à refermer la bouche, tant nous avons été pris de frissons et d’émotion par ce qui se déroulait sur scène. Il y avait tant à voir à la fois! Les chanteur∙euse∙s et les musicien∙ne∙s (mention spéciale au saxophoniste Guillaume Perret) étaient magnifiques d’investissement corporel, aussi incarné∙e∙s que les danseur∙euse∙s. Les rôles se mêlaient et n’avaient de cesse de questionner.

Lors du bord de scène avec les artistes, quelques commentaires avaient témoigné de l’engouement du public: « Bach a dû se retouner dans sa tombe… mais pour mieux voir et mieux entendre! » lance un homme. « Ce soir, il s’est passé quelque chose d’important », professe un autre.

Informations pratiques:

Vendredi 1er novembre 2024 à 20h
La Marive, Yverdon-les-Bains
www.theatrebennobesson.ch

Après l’hiver

blogcom — Mon, 14 Oct 2024 10:23:21 +0000

Le théâtre l’Articule raconte une belle histoire sans paroles grâce à des ombres et du dessin en direct. Après l’hiver est le périple poétique d’une petite chenille, à voir en famille dès 2 ans.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan

Une chenille part à la découverte du monde: elle écarquille les yeux dans la nature, se fraie son chemin dans la ville, expérimente les sensations de la vie, avec ses difficultés et ses joies. Et alors qu’elle a traversé tout cela, après l’hiver, survient sa métamorphose.

D’une visite dans un camp de migrant·e·s à Calais, la comédienne Fatna Djahra, qui créé des spectacles jeune public avec sa compagnie l’Articule, ressort avec l’envie de raconter leur vécu. « C’est une réaction qu’ont beaucoup d’artistes », admet-elle. Puis elle change d’optique, considérant que ce dont les enfants ont besoin, c’est de voir de belles choses. Elle va donc formuler tout en douceur, avec des concepts universels, les difficultés témoignées dans les camps, mais aussi la possibilité de s’envoler vers autre chose. Elle s’inspire également d’une expérience datant de sa propre enfance: la découverte des Quatre Saisons de Vivaldi. Julien Israelian, compositeur de la bande-son du spectacle, reprend des extraits de l’oeuvre en les faisant apparaître flottants tels des souvenirs, et les lie à des compositions originales. Avec son langage de musique et de sons, de théâtre d’ombres et de dessins sur une toile, Après l’hiver est pensé pour parler au jeune public de tous horizons.

Lorsque nous avions vu le spectacle lors de sa création au Théâtre des Marionnettes de Genève, il y a 7 ans, les réactions fusaient. Les enfants applaudissaient avec ravissement lorsque la chenille arrivait enfin, après tant d’efforts, à monter sur une pomme. Des pattes et un grand bec apparaissent: « Oh non, elle va se faire manger! ».
Des réactions spontanées qui étaient loin de déconcentrer Fatna Djahra et Christophe Noël, son collègue comédien, que nous avions rencontré·e·s après la pièce et qui nous avaient raconté se sentir un peu comme un livre ouvert, que parents et enfants feuillètent et commentent ensemble de façon bienveillante.

N’ayez pas peur d’aller explorer la vie auprès de ces artistes et de leur chenille!

Informations pratiques:
Du 16 au 27 octobre 2024
Théâtre des Marionnettes de Genève
Durée 30 minutes, dès 2 ans
Tarif: 10.-
www.marionnettes.ch/spectacle/apres-lhiver

Donatienne Amann – En Slip

blogcom — Mon, 07 Oct 2024 18:22:48 +0000

Prendre du recul par rapport à nos fragilités et rire de nos échecs? Dépasser la fiction pour devenir un∙e superhéros∙ïne dans la réalité? Voici des thématiques dont parle et rit Donatienne Amann dans son premier stand-up, en tournée depuis février 2024.

Texte et propos recueillis par Jeanne Möschler

Démasquer le stand-up

Se produire seule sur scène avec son propre projet, la comédienne l’avait vécu en 2018 pour son travail de sortie de la Manufacture. Elle souhaitait reproduire l’expérience, enrichissante, dans son bagage d’actrice et d’humoriste. En effet, le stand-up la challenge différemment du théâtre, et la motive à continuer: « Quand tu fais un bide, c’est hardcore, mais les rares fois où j’ai eu des moments de grâce, où je surfais sur mon texte, c’était de l’impro mais je contrôlais.… je me suis dit, cette sensation est ouf, je veux arriver à maitriser ce truc! ». Elle ajoute, pragmatique: « Dans le stand-up, le public sent si tu mets un masque. Je dois y aller en étant moi, je me mets à nu, je me mets en slip. »

L’anxiété comme source de créativité

La peur et l’anxiété font intégralement partie de l’identité de Donatienne, qui a appris à vivre avec depuis son enfance. Toutes ces choses qui nous empêchent d’être notre super-nous – fragilités, échecs et hontes – constituent ainsi le fil rouge de son spectacle, inspiré d’une première version écrite l’été 2023. « Être anxieux, c’est être créatif… imaginer tout ce qui pourrait mal se passer, c’est un art », estime-t-elle, mi-figue, mi-raisin.

La poésie de l’humour

Le rire occupe une place centrale dans la vie de Donatienne. Avec l’impro, l’artiste a découvert que l’humour, en plus de faire passer des messages, permettait aussi de prendre du recul. « L’autodérision, ça oblige à avoir un certain regard… récemment, je me suis fait voler mon vélo, ça m’a bien saoulée. Mais c’était pendant que je faisais du vélo d’intérieur au fitness, c’est tellement marrant en fait, j’en ai ri! ».

En tant que femme dans le domaine de l’humour, la comédienne a développé des « stratégies de survie » pour exister, en revêtant des masques. « J’ai appris les codes masculins, et je m’y adapte en apportant ma touche. C’est nul de devoir être stratège comme ça. Mais il y a cette croyance que les filles sont moins drôles – c’est pas vrai! Le monde s’est juste développé avec un humour pour les mecs. » Elle poursuit: « Sur les plateaux d’humour, il y a le mec qui fait les blagues absurdes, les blagues poétiques, le mec trash, … et il y a la meuf. LA meuf. Elle n’a pas de style précis. J’ai hâte qu’on ait un autre rôle que d’être LA femme », conclutelle, déterminée.

Dans son spectacle, elle a ainsi décidé de faire voyager le public – tous genres confondus – et transmettre le goût de la vulnérabilité et la joie de l’échec. « Je veux qu’après le spectacle, les gens repartent avec l’envie de réaliser un rêve, de se dire ‘allez go, j’essaye, peut-être que je me rate mais je tente!’ », souhaite Donatienne.

Informations pratiques:

Jeudi 10 octobre 2024 à 20h30
Fondation Engelberts, Mie
Vendredi 12 et samedi 13 octobre 2024 à 20h30
L’Échandole, Yverdon
Vendredi 25 octobre 2024 à 20h30
Le Nouveau Monde, Fribourg
Vendredi 15 novembre 2024 à 20h
Les Capucins, Romont

www.donatienne-amann.com

Théâtre diplomatique à Lausanne

blogcom — Thu, 26 Sep 2024 09:14:47 +0000

Lancé en 2017, le Lausanne Project a pour but de mettre en lumière les conséquences du traité qui prit place dans la capitale vaudoise il y a un siècle, en 1923, et qui régla une partie des conséquences de la Première Guerre mondiale. La bande dessinée De la lumière à l’ombre s’infiltre dans les coulisses de ce traité en compagnie de deux personnages issus du théâtre d’ombre traditionnel turc, Hacivat et Karagöz. Scénarisée par trois chercheur∙euse∙s du Lausanne Project, cette aventure est mise en images par l’artiste Gökçe Erverdi, qui dessine au passage un joli portrait de quelques hauts lieux lausannois.

Texte de Marc Duret

Après avoir décidé de fuir leur condition de pantins, Hacivat et Karagöz quittent leur village d’Erzin en Turquie avec des intentions plus ou moins nobles, à savoir libérer leur région du pouvoir français, mais aussi faire fortune dans le pétrole. Ils se rendent alors à Lausanne, où l’un des plus grands rendez-vous diplomatiques de l’histoire du 20e siècle a pour but d’établir une paix durable au Proche-Orient et de dessiner l’avenir des populations de la région autrefois ottomane, notamment grecque, turque, kurde ou arménienne. Le traité entérine en particulier des déplacements de populations forcés et colossaux aux conséquences funestes qui perdurent aujourd’hui.

Les deux marionnettes ayant pris vie croisent à Lausanne des diplomates et des représentants des plus grandes puissances mondiales, un chat grec chassé d’Asie Mineure et même un certain Ernest Hemingway, alors correspondant du Toronto Star, sans oublier Clare Sheridan, seule journaliste femme présente lors de la conférence. Cela donne lieu à des scènes cocasses et souvent amusantes, puisqu’elles mêlent des plaisanteries théâtrales à d’autres davantage liées à la grande Histoire. Celle-ci est présentée sous forme de saynètes qui constituent une sorte de who’s who du Traité de Lausanne, que l’on gagnera sans doute à lire smartphone à la main, afin de compléter par quelques recherches les présentations des personnages et forces en présence. En cela, cette bande dessinée réussit ce qui est sans doute un de ses objectifs, à savoir rendre curieux∙ses ses lectrices et lecteurs, leur donner envie d’en savoir plus sur cette importante étape de l’histoire mondiale. On regrettera peut-être que l’aspect didactique de l’ouvrage, dont le corollaire est de viser une forme d’exhaustivité, affaiblisse un peu le récit en partant dans de nombreuses directions. En mêlant fiction et Histoire, ce dernier compose toutefois une jolie métaphore, en ligne claire, de ce qu’est l’obscur théâtre diplomatique.

De la lumière à l’ombre
L. Conlin, O. Özavci, J. Secklehner, G. Erverdi
Editions Antipodes
www.antipodes.ch

Quête

blogcom — Mon, 23 Sep 2024 11:31:09 +0000

Une compagnie d’Impolies, épée en bois et langage de notre siècle en bandoulière, se met en route pour trouver le Graal. Du Moyen-Âge à nos jours, le propos de la quête est resté le même: entrevoir la beauté de notre condition humaine.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan

Toutes les versions accessibles de la quête du Graal sont passées entre les mains de Juliette Verneray en vue de l’écriture de Quête. Deux en particulier retiennent l’attention de la metteuse en scène et du musicien Lionel Aebischer, avec qui elle co-signe la pièce: celle d’Albert Béguin et Yves Bonnefoy (1965), et celle de Barjavel (1984) qui accrochait déjà quelques ressorts comiques à ces légendes du 7e siècle. « Toutes les versions ne sont pas d’accord sur qui trouve le Graal, souvent l’action commence après quatre chapitre car il faut attendre que tout le monde soit arrivé… », s’amuse Juliette Vernerey. Autant de « détails ennuyeux » dont l’équipe s’empare pour appuyer le côté bancal de sa propre quête et aborder avec humour des sujets aussi brûlants que l’adultère, le rapport à la violence, la virilité et le féminisme.

C’est tout naturellement que la Cie de L’Impolie, dont les membres se connaissent depuis leur études à l’Institut Supérieur des Arts à Bruxelles il y a une dizaine d’années, a adopté une écriture collective à huit. Après avoir écrit les bases de la pièce, Juliette Vernerey et Lionel Aebischer avaient rassemblé les comédien∙ne∙s sur scène, leur avaient donné pour consigne de recréer en live tableaux du Moyen-Âge puis, partir de ces poses, d’improviser les scènes. Juliette avait filmé ces premières répétitions, tout revisionné, puis intégré ce qui fonctionnait au texte. Depuis Google Drive, tout le monde pouvait encore aller modifier des dialogues, pour s’approprier à souhait son personnage.

Artus, Guenevevièvre, Lancelote, Merlijn, Vivianeu ne sont pas des contrefaçons, plutôt des graines de héros et d’héroïnes d’un quotidien un peu absurde. Leurs réflexions contemporaines et leurs survêtements Adidas se frottent aux casques, armures et autres chapeaux pointus, costumes pensés par Célien Favre et Noémie Lagger. 100% seconde main, 100% tout terrains, adaptés au rythme qu’implique une quête du Graal.

Dans les moments de frénésie, dans les citations de René Barjavel ou encore dans les choeurs composés par Lionel Aebischer, Juliette Vernerey parle du sujet qui lui tient le plus à coeur: l’être humain, ses fragilités, ses contradictions, « savoir qu’on va crever mais continuer avec joie! »

Informations pratiques:

Dimanche 29 septembre à 17h
Théâtre Benno-Besson, Yverdon
www.theatrebennobesson.ch/programme-24-25/quete
Mercredi 2 octobre à 18h15
Théâtre du Passage, Neuchâtel
https://www.theatredupassage.ch/spectacles/quete

Virginia Sirolli, à la reconquête des planches

blogcom — Tue, 17 Sep 2024 12:12:05 +0000

Suite à un concert donné au BFM en novembre 2023, notre rédactrice Athéna Dubois-Pèlerin avait rencontré la jeune étoile de la comédie musicale Virginia Sirolli. Dans L’Agenda n°107, l’artiste était revenue sur son parcours, du Conservatoire populaire de Genève aux castings de West End. Nous, on est fan, alors on a voulu reposter ici son portrait, pour celles et ceux qui ne la connaissent pas encore!

Texte et propos recueillis par Athéna Dubois-Pèlerin

C’était un vendredi soir de novembre 2023, le Bâtiments des Forces Motrices à Genève affichait complet. Des familles entières se pressaient dans la salle pour assister au concert Young Broadway donné par le collectif LYMPA, qui réunissait sur scène six chanteur·euse·s solistes de comédie musicale et l’orchestre du Collège de Genève sous la baguette du chef Philippe Béran. Stupeur au moment du très attendu Gethsemane, morceau-phare de l’opéra-rock Jesus Christ Superstar: « Jésus » s’avance, c’est une très jeune femme en combinaison argentée, le regard de biche étiré à l’eyeliner, la tête ceinte d’un impressionnant chignon frisé, à défaut d’une couronne d’épines. Chatoyante, la voix de soprane s’approprie la mélodie avec une aisance insolente, refuse tout compromis avec la partition écrite pour voix d’homme, soigne les graves veloutés, éclate dans les aigus lancinants du Christ se préparant à la crucifixion.

Rideau. Dans le foyer du BFM, le public se gratte la tête, encore sonné. On cherche en vain le nom de la chanteuse, qui ne figure nulle part dans le programme du concert.

Un mois plus tard, nous la retrouvions dans un café du centre-ville à Genève, vêtue cette fois d’un simple pullover, cheveux lâchés et sourire décontracté aux lèvres. Virginia Sirolli, artiste italo-suisse de 24 ans, était de passage dans sa ville d’enfance – en coup de vent, comme toujours. Les Abbruzzes dans le sang, Genève dans le coeur et tout Broadway dans la voix, la jeune femme passait alors le plus clair de son temps à Londres, où la prestigieuse Mountview Academy venait de lui décerner son diplôme de comédie musicale.

Au pied levé
Tout en sirotant un thé à la menthe, elle raconte les coulisses de la fameuse soirée au BFM, où elle a été appelée à remplacer au pied levé l’un des ténors de la production, terrassé par une extinction de voix. « Jeudi à 23h, Ylan [Assefy-Waterdrinker, directeur artistique de LYMPA, ndlr] me demande si je peux reprendre le rôle. Je ne connaissais aucun des morceaux. J’ai dit oui, immédiatement, pour ne pas me laisser le temps de tergiverser. »

Comment accomplit-on un tel tour de force? « Oh, c’était très ambitieux! reconnaît Virginia, l’oeil brillant. Mais c’est ça, la scène: l’appel du vide, et le saut à exécuter. C’est normal d’avoir le vertige. Mais dans ce métier, j’ai appris à ne pas redouter l’inconfort: c’est une étape transitoire, qui a pour but de nous faire mûrir. »

Du ballet à la comédie musicale
Des mots qui surprennent dans une bouche aussi jeune, mais Virginia Sirolli n’est pas à un contraste près. C’est avec une gaieté philosophe qu’elle revient sur les surprises et les déceptions qui jalonnent la vie d’artiste du spectacle. La sienne commence comme tant d’autres, enfant de la balle née de deux parents chanteurs d’opéra, minois mutin et esprit généreux qui se destine très tôt à la scène. Aux vocalises, elle préfère toutefois les pointes: la danse classique est son premier, et restera longtemps, son seul amour. À 11 ans, sitôt finie l’école primaire, elle intègre la filière pré-professionnelle du Conservatoire populaire de Genève, et s’entraîne à raison de 20 heures par semaine.

Quatre ans plus tard, c’est le drame: ses genoux lâchent, son corps épuisé par les entraînements lui fait comprendre que la carrière de ballerine n’est pas pour elle. À l’amertume de la désillusion s’ajoute un profond sentiment d’aliénation qui entraînera la jeune fille jusque dans les gouffres de l’anorexie. « Ça a été si dur, en pleine adolescence, de devoir faire ce travail de deuil et de renaissance. De réapprendre à aimer ce corps qui m’empêchait de faire ce que j’aimais le plus au monde. »

En 2017, un séjour à Londres lui fait découvrir les spectacles de West End et lui fournit l’occasion d’un premier cours de chant, pour lequel elle se révèle douée. La comédie musicale lui apparaît alors comme une planche de survie, un moyen de se donner à la scène sans épuiser son corps. « J’ai déplacé sur le chant tout le bagage que j’avais durement acquis pendant mes années de danse. Toute la rigueur, la discipline, le sens de la beauté, l’amour de l’excellence. J’ai compris que ce que j’aimais dans la danse, ce n’était pas tant le mouvement du corps, mais l’expression qu’il permet. Et cette expression, cette narration, je pouvais aussi la capturer par le chant et par le théâtre. »

Photo ©Marco Pugliese

Le rôle de l’échec
Sa première tentative d’intégrer une école de comédie musicale échoue, mais à la seconde, elle est reçue à Mountview. S’ensuivent trois années de formation pratique en chant, danse et théâtre, qui lui donneront notamment son plus beau rôle à ce jour sur scène, celui de Morticia dans La Famille Addams d’Andrew Lippa. Pour autant, tout n’est pas gagné à l’obtention du diplôme. « On ne parle pas assez du rapport à l’échec dans ce milieu, alors que c’est une composante essentielle de tous les parcours, sans exception. Être artiste du spectacle, c’est courir les castings, et donc fatalement enchaîner les refus. Derrière chaque réponse positive se cachent 30, 50, peut-être même 100 échecs. »

Un refus particulièrement douloureux? « Le rôle de Christine, dans une production du Fantôme de l’Opéra. Mais je ne désespère pas de le chanter un jour. » La comédie musicale culte d’Andrew Lloyd Webber serait donc son Saint-Graal personnel? « Non, le rôle de mes rêves, c’est Cunégonde, dans l’opérette Candide de Bernstein. Mais voilà qui ouvre la porte à d’autres problèmes. »

Elle sourit en secouant ses boucles, pointe du doigt un énième contraste qui sous-tend sa personnalité d’artiste: une voix de jeune première, dans un corps androgyne qui ne correspond pas entièrement aux critères de beauté qui sévissent dans l’industrie du spectacle. Ainsi, les rôles pour lesquels on l’envisage à Londres se réduisent encore trop souvent à des personnages secondaires cocasses, des folles ou des sorcières. « Des personnages féminins excentriques ou abrasifs. Rarement des protagonistes ingénues. Mais les temps changent, les mentalités s’élargissent petit à petit. »

Et en Suisse? « Ici, tout est encore à inventer! La comédie musicale est un art mineur dans ce pays, alors même qu’il y a un public fervent et une vraie soif pour ce genre de spectacles…»

***

Depuis cette interview, la jeune femme suit son petit bout de chemin: Elle a notamment mené la Revue Genevoise en 2024, tenu le rôle de Nala dans le spectacle du Roi Lion à Disneyland Paris, de Marta dans la comédie musicale Company… et même obtenu sa place dans l’émission The Voice il y a quelques jours!

virginia-sirolli.com

Mediterraneo, berceau de rencontres

blogcom — Mon, 26 Aug 2024 11:55:15 +0000

Une rencontre des gestes. Un dialogue artistique, instinctif, animal. Mediterraneo, c’est le rêve d’une danseuse amoureuse d’équitation qui rassemble autour de sa passion des cavalier∙ère∙s, des chevaux et des artistes pour monter un spectacle de danse équestre.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan
[texte actualisé le 1 juin 2026]

Sylvie Crisinel, dans le cadre de l’école Art Scene Athletic Dance d’Assens qu’elle dirige, monte tous les deux ans un spectacle avec ses élèves. En 2016 lui vient pour la première fois l’idée de lier ses deux passions, la danse et les chevaux, en intégrant à son spectacle quelques tableaux de dressage. Le public est au rendez-vous, l’expérience est enthousiasmante et Sylvie se dit, dans un coin de sa tête, « un jour, je le referai! ».

Été 2023, une blessure au genou qui l’immobilise la pousse à trouver quelqu’un à qui confier son cheval pour deux mois. Elle frappe à la porte du domaine équestre d’Ogens, qu’un nouveau propriétaire vient de reprendre. Sébastien Allaz ne connait pas encore grand monde dans la région et souhaite accroitre sa visibilité… Innocemment, elle saute sur l’occasion: un spectacle, ça offre de la visibilité, non? « Il s’est embarqué là-dedans avec, comme moi, la volonté de faire un spectacle fou! », raconte Sylvie en souriant.

Cette fois-ci, elle ambitionne d’amener au spectacle une dimension professionnelle, à la fois équestre et artistique. Elle engage alors deux chorégraphes, une violoniste, un percussionniste, une chanteuse lyrique et des cavalier∙ère∙s pros, et rassemble une équipe de danseur∙euse∙s amateur∙ice∙s à l’expérience solide. Elle donne aussi aux enseignant∙e∙s de son école l’opportunité de revenir à la scène. « J’étais très fière de voir Giuliano Cardone, qui a longtemps dansé avec Béjart, remonter sur scène! Ce qui me plait dans ces aventures, c’est de voir des yeux qui brillent, tant chez les artistes que dans le public! ».

Elle nous raconte qu’une grande partie du travail sur Mediterraneo a résidé dans la création du lien entre humains et animaux, car la sécurité entre évidemment en compte. « Il a fallu se donner les moyens et le temps de s’acclimater les uns aux autre : à l’environnement d’un show pour les chevaux et, pour les danseur∙euse∙s, à cet animal imposant qui reste imprévisible. J’ai ciblé les tableaux en fonction de qui était à l’aise pour interagir et même monter à cheval. »

Certaines parties sont chorégraphiées au millimètre, d’autres comportent de l’improvisation qui dépendra en partie du cheval. Dans la vision que veut exprimer Sylvie, la poésie du moment ne résidera pas tant dans la prouesse technique que dans le dialogue, dans la possibilité de « montrer le cheval tel qu’il est, en liberté ou dans ses différentes relations avec les humains ». Et pour ce faire, quelle meilleure inspiration que d’abandonner son imagination aux parfums et aux couleurs de la Méditerranée, berceau de tant de musiques, de danses et de traditions équestres?

Mediterraneo
Reprise de la création de septembre 2024 au Domaine équestre d’Ogens
Les 4, 5 et 6 septembre 2026
Equissima, Chalet-à-Gobet
https://compagniesilencio.com/billetterie-infos

Les Voyages de Gulliver

blogcom — Mon, 26 Aug 2024 11:35:25 +0000

Si vous croisez la route d’un chapiteau dans un lieu insolite, il pourrait bien s’agir de celui des ArTpenteurs, une troupe de théâtre itinérante et pleine d’énergie. Dès cette semaine, elle repart en vardouille conter le monde merveilleux de Gulliver.

Texte et propos recueillis par Jeanne Möschler
Photos: © Philippe Pache

Carte blanche en poche, Yvan Richardet, improvisateur, comédien et musicien, devait écrire une comédie musicale jeune public sur le thème du voyage. En se replongeant dans Les Voyages de Gulliver, il a remarqué que beaucoup d’éléments faisaient échos à L’Odyssée d’Ulysse, interprété par sa troupe quelques années auparavant. Adapter la masterpiece de Jonathan Swift se révélait donc être une belle occasion de prolonger le travail avec la même équipe… ou presque. « Nous serons six à jouer sur scène; Laurent Annoni, Chantal Bianchi, Lorin Kopp, Verena Lopes, moi-même et Donatienne Amann, qui rejoint la troupe pour ce spectacle. Elle a un chouette parcours dans l’humour et l’improvisation, et ça nous permet d’avoir un autre point de vue. »

Depuis plus de 20 ans, les ArTpenteurs, sous la direction Chantal Bianchi et Thierry Crozat – metteur en scène des Voyages de Gulliver – présentent leurs créations dans toute la Suisse et à l’étranger. Lors de ces voyages, une « hospitalité réciproque » s’instaure; l’équipe s’installe dans une région qui devient temporairement la sienne et les gens sont chaleureusement reçus chez elle… chez eux. « Le chapiteau permet
de se rendre dans des lieux où il n’y a pas forcément de théâtre. Et aussi, on a une réelle envie de voyager et de rencontrer! »

Photo: Félix Imhof

Du théâtre lisible et jovial

L’oeuvre gullivérienne se compose de plusieurs couches – parodique, satirique et ironique – et propose donc un matériau très riche pour éveiller et stimuler les enfants. « Avec un jeune public, il faut que la pièce soit claire, mais pas simpliste. Elle doit être lisible, et nous, on doit tenir nos promesses, car le jeune public ne pardonne pas », estime Yvan en riant. Celui-ci a pris une liberté généreuse dans l’adaptation de ce fameux texte datant de 1721. En plus de proposer des images esthétiquement belles, il a souhaité réactualiser certaines analogies pour les jeunes générations d’aujourd’hui: « Comment parler de thèmes adultes, tels que l’anthropocentrisme, à des enfants? J’ai remplacé les chevaux parlants de Swift par des souris. C’est à la fois un animal chou, ce qui ménage une porte d’entrée aux enfants, et c’est une bête de laboratoire – ce qui est lié à la question de la place que prend l’humain dans la nature. » Le rire aura aussi une place centrale dans la pièce, car c’est « un outil pour garder l’attention. Et en plus, quand on rit ensemble, on est relié par quelque chose, c’est énergisant. » Avec un théâtre critique et joyeux, la troupe souhaite entamer la réflexion de la multiplicité des points de vue et de la prise de recul sur la réalité.

Un autre à la fois très petit et très grand

L’improvisateur confie être effrayé par l’évolution de notre rapport à l’information: « Une partie des jeunes se fie désormais à des vidéos TikTok et des tutos YouTube pour s’éduquer. Avec des informations très courtes, on ne montre qu’un seul point de vue alors qu’une pensée complexe devrait en faire dialoguer plusieurs entre eux. » C’est par un jeu de perspectives, de miniatures, de vidéos et d’ombres chinoises que les comédien∙ne∙s vont s’amuser à multiplier les points de vue et à questionner notre rapport parfois trompé à la réalité. Le théâtre à vue ou avoué est particulièrement adapté pour explorer ces questions. « On ne cherche pas à créer une illusion du vrai, on montre les coulisses et cela s’inscrit dans notre ligne artistique. » Marionnettes en boîtes de conserves et grimage en direct; objets et corps prennent vie sous les yeux du public. « Pour la scène de l’orage, par exemple, on filme une scène d’objets avec une toile pour faire la mer, et on la projette ensuite en grand écran au ralenti, ce qui donne un côté épique! » se réjouit Yvan.

En musique et avec le public

« Dans la troupe, on aime les personnalités multi-facettes et polyvalentes, certains font à côté du cirque, de la danse contemporaine ou du mime. Ces différents outils donnent des possibilités de création très riches. » L’équipe fera la part belle à la musique avec une ribambelle d’instruments – notamment ukulélé, trompette et synthé – sur des chansons de Joséphine Maillefer. « Les musiques permettent de faire une description d’un lieu de manière dynamique ou d’amplifier une petite émotion… et elles créent un moment mémorable. » Le public sera placé en arc de cercle autour des comédien∙e∙s – et jamais à plus de trois mètres, ce qui crée une belle proximité entre les deux côtés. L’équipe souhaite transmettre et éveiller plusieurs choses chez leur jeune public: « on aimerait qu’ils cherchent à reproduire les effets d’optique et qu’ils puissent mettre en scène la réalité. Par exemple s’amuser à reproduire des miniatures avec leur smartphone ou faire parler leurs doigts comme des marionnettes. Et s’il leur reste un ou deux refrains en tête, c’est encore plus chouette! ».

Informations pratiques:

Du 31 août au 5 septembre 2024
Place Favre, Chêne-Bourg
www.pointfavre.ch
Du 11 au 16 septembre 2024 à 17h
Jardin Roussy, La Tour-de-Peilz
www.orientalvevey.ch
Les 21 et 22 septembre à 18h
Parc Mon-Séjour, Aigle
www.waouw.ch
Les 28 et 29 septembre à 18h
Théâtre de Grand-Champ, Gland
www.grand-champ.ch

www.lesartpenteurs.ch

Festival cinémas d’Afrique

blogcom — Mon, 12 Aug 2024 13:37:50 +0000

Chaque année depuis 18 ans, le Festival cinémas d’Afrique Lausanne (FCAL) investit le Casino de Montbenon, et installe son écran géant et sa tente dans le théâtre de verdure avoisinant. C’est le seul festival en Suisse dédié au continent africain et à la diaspora.

Texte et propos recueillis par Jeanne Möschler

« Le festival est né du constat de l’absence de représentation de films africains dans le réseau de distribution classique » raconte Sam Genet, directrice du festival. « Même s’il y a une tendance à avoir plus de sorties en salle, ça reste peu visible ». Le festival veille à parler des cinémas d’Afrique au pluriel: « C’est un continent avec 54 pays qu’on ne peut pas réduire à un seul genre de cinéma. C’est comme le cinéma français, coréen, il y a un cinéma égyptien, rwandais… et toujours avec une grande diversité de styles et d’approches créatives. »

Les cinémas africains contemporains constituent le cœur du festival. Ne sont montrés que des films non-sortis en salle en Suisse, répartis en différentes sections. Tout d’abord, le panorama, qui montre les productions des deux dernières années, qu’elles soient de l’ordre du court ou du long métrage, fiction, documentaire, de l’expérimental ou de l’animation. Ensuite, la partie plein air, en libre accès tous les soirs. Le public pourra également apprécier une rétrospective avec des films restaurés du patrimoine; visionner une projection jeune public suivie d’un atelier créatif; découvrir la carte blanche accordée au Tourne-Film Festival Lausanne, ainsi qu’au Festival International de Cinéma d’Auteur de Rabat.

Le FCAL présente également un focus sur un pays: « L’an passé, c’était le Cap Vert et encore avant, le Bénin. Cette année, ce sera le Kenya. On souhaitait non seulement se pencher sur un pays anglophone et aussi souligner la vitalité et le dynamisme qui animent les productions kenyanes. » L’équipe œuvre également en dehors de la semaine de festival. Toute l’année, elle organise des événements avec des maisons de quartier et réalise un travail de médiation avec des élèves de tous âges au sein d’établissements scolaires. « L’idée est de montrer que les cinémas d’Afrique permettent de parler de plein d’aspects pédagogiques, artistiques, mais aussi des thèmes liés au programme d’histoire et de géographie, ainsi que des thématiques sociales telles que le racisme et surtout des thématiques universelles. On discute et on réfléchit tous ensemble sur des sujets qui les touchent » explique Sam. Le festival organise également de plus en plus d’événements avec des institutions culturelles, comme en ce moment au Musée d’Ethnographie de Genève, à travers une programmation de films faisant écho à l’exposition temporaire Mémoires. Genève dans le monde colonial et collabore avec les distributeurs et les cinémas pour les sorties en salle.

De nombreux moments musicaux feront aussi retentir le festival; notamment avec le suisso-algérien El Mizan, des sets de musique afro mixés par des DJs, et un ciné-concert; « Le Franc » de Djibril Diop Mambety mis en musique par le groupe Oriki, avec Woz Kaly (Sénégal). Des moments musicaux, thématiques et cinématographiques que le public est invité à vivre festival, dans une ambiance conviviale et un esprit de rencontre.

Informations pratiques:
Du 15 au 18 août 2024
Casino et parc de Montbenon, Lausanne
www.cine-afrique.ch

L’Apprenti Sorcier

blogcom — Mon, 05 Aug 2024 08:51:01 +0000

Un rêve givré cristallisera l’été des Rencontres Musicales de Champéry. Pour sa 25e édition, le festival valaisan invite la pianiste Beatrice Berrut et le patineur Stéphane Lambiel dans une création mêlant musique classique et danse sur glace.

Texte et propos recueillis par Katia Meylan

Reconnaissante pour le passé et ouverte sur l’avenir, la thématique « Souvenirs et coups de cœur » de cette édition 2024 des Rencontres Musicales de Champéry accueille à la fois des artistes qui ont marqué le festival ces 25 dernières années et des nouvelles initiatives. L’Apprenti sorcier en est un savant mélange.

Il y a deux ans, l’équipe du festival planifiait Les Quatre Saisons de Vivaldi et, se souvenant que c’était l’œuvre sur laquelle Stéphane Lambiel avait gagné les Championnats du monde de patinage artistique en 2006, l’invite à être récitant. Le courant passe et, au détour d’une discussion, le patineur confie qu’il rêve de faire un spectacle avec Beatrice Berrut. « Avec Stéphane, on est de la même année, on s’est rencontrés au collège et on a toujours suivi les carrières l’un de l’autre. C’est magnifique que les Rencontres Musicales de Champéry nous proposent un projet si original », se réjouit quant à elle la pianiste.

C’est un spectacle sur glace, Le Fantôme de l’Opéra à la patinoire de Sierre en 1992, qui avait inspiré au petit Stéphane Lambiel sa vocation. La thématique de la transmission s’impose alors naturellement aux deux artistes, d’autant plus à l’heure de célébrer les 10 ans de la Skating School of Switzerland fondée par Stéphane Lambiel, et dont les élèves – les plus jeunes comme les ancien∙ne∙s ayant déjà fait leur preuves – intégreront le spectacle.

L’histoire est celle du parcours initiatique d’un jeune garçon et des personnes extraordinaires rencontrées en chemin. « On a imaginé un programme musical à la fois exigeant et cohérent avec la thématique, raconte Beatrice. Une partie est puisée dans le grand répertoire, comme La Belle au Bois Dormant de Tchaïkovski et L’Oiseau de feu de Stravinski. Deux pièces sont de ma composition, d’autres sont des transcriptions, notamment celle d’un morceau d’Harry Potter, et bien sûr de L’Apprenti sorcier de Paul Dukas qui se prêtait particulièrement bien à ouvrir le spectacle! Il y aura également ma transcription de l’Adagietto de Mahler, sur laquelle Stéphane avait déjà dansé. On a une connexion forte à ce niveau-là: il connait très bien la musique classique, il faut dire que c’est un artiste avant d’être un sportif. Il a un « truc », une sensibilité particulière. »

Piano et danse accorderont leurs émotions pour garder le cœur chaud dans la fraicheur du mois d’août.

Informations pratiques:
L’Apprenti sorcier
Les 8 et 9 août 2024 à 19h
Palladium de Champéry

Rencontres Musicales de Champéry
Du 31 juillet au 14 août 2024
Tout le programme sur: www.rencontres-musicales.ch

TCS Ciné drive-in

blogcom — Mon, 05 Aug 2024 08:50:59 +0000

Des toiles sous le pare-brise

À Cossonay, le concept de Ciné drive-in à la saveur américaine – regarder un film, confortablement installé∙e à bord de son véhicule – ravit le public: « Quand on a commencé, il y a huit ans, on installait aussi des gradins, maintenant on accueillie uniquement les voitures, et c’est ce qui plait le plus. On a une capacité de 140 véhicules maximum, ça permet à tout le monde d’avoir une belle qualité d’image » témoigne le directeur Michele Convertini. La programmation est réalisée par rapport aux grandes sorties de l’année et les films présentés correspondent à la plus grande tranche d’âge possible.

Des soirées cinématographiques singulières à succès, comme en témoigne le parking toujours complet. « C’est un moment qui sort de l’ordinaire à partager entre amis ou en famille… l’ambiance est conviviale, les gens viennent même avec leur frigidaire et leur matelas », raconte le directeur en souriant. Il termine en demandant aux conducteur∙ice∙s d’être prudent∙e∙s sur la route!

Texte et propos recueillis par Jeanne Möschler

Informations pratiques de l’édition 2025
Du 7 au 9 août 2025
Centre de mobilité TCS, Cossonay
www.tcs.ch/tcs-cine-drive-in

Tick, tick… BOOM!

blogcom — Mon, 29 Jul 2024 17:00:20 +0000

Hey! Tu es invité·e à fêter les 30 ans de Jon aux 6 Toits à Genève du 2 au 4 août; il y aura des gens chouettes, de la musique, à boire, tout ce qu’il faut pour lui changer les idées le temps d’une soirée. Amène un maximum de potes – artistes ou non, tout le monde est bienvenu·e!

Texte et propos recueillis par Katia Meylan

Dans les années 1990, l’Américain Jonathan Larson compose Tick, tick, BOOM!, une comédie musicale semi-autobiographique dans laquelle il aborde l’implication intense que lui demande son travail de création, les difficultés relationnelles qui en découlent, le temps qui passe (le fameux tick, tick, à l’approche de ses 30 ans) et ce que l’on fait de ce temps durant notre passage sur terre.

En 2021, une adaptation filmique expose l’oeuvre et ses enjeux à l’échelle de diffusion de Netflix, enthousiasmant le grand public comme le milieu de la comédie musicale.

Forcément… Ylan Assefy-Waterdrinker et Marc Heimendinger, jeunes fondateurs de la compagnie LYMPA, sont touchés par la thématique. Créée pendant la pandémie dans le but de faire de la comédie musicale en suivant ses idéaux, LYMPA a déjà monté plusieurs spectacles à Genève. Le dernier en date, Young Broaway (lire l’article de L’Agenda à ce propos), avait réuni sur scène une centaine de musicien·ne·s amateur·ice·s autour de six solistes internationaux et rempli le Bâtiment des Forces Motrices sur trois soirs.

Young Broadway. Photo: Louis Choisy

ü« On ne peut pas reproduire un événement de la taille de Young Broadway chaque année », sourit sans regret le metteur en scène Ylan Assefy-Waterdrinker, qui y voit plutôt une opportunité de se frotter à d’autres formats. « Pourquoi les gens viennent-ils au théâtre? Pour partager une expérience qu’ils ne peuvent pas vivre chez eux. Dans cette optique, le théâtre immersif est un concept qui se développe en ce moment en Angleterre. On aimerait s’en inspirer! On va couvrir le sol des 6 Toits avec des tapis, disposer des canapés, des sofas, des chaises dépareillées dans l’espace, de sorte que le public ait l’impression d’arriver à la fête d’anniversaire de Jon [ndlr: le personnage principal]. Les gens seront accueillis dans cette petite communauté bohème – dont les soirées ressemblent aux nôtres, en fait! On aimerait que le public vive ça, puisse se déplacer, se sentir impliqué dans l’évolution des différentes scènes ». Pour ce faire, la scénographe Gaby Wschiansky mettra pour la première fois en pratique la matière acquise lors de son Bachelor en Performance: Design & Practice à Londres. « Le cursus est interdisciplinaire et collaboratif. Nous apprenons à concevoir des performances tant pour le spectacle vivant que le cinéma, et on nous pousse à développer l’expérience 3D du public. Autrement dit, comment modeler l’expérience sensorielle et spatiale pour maximiser la narration », explique-t-elle.

Fort d’une équipe bien constituée, Ylan a aussi mis un point d’honneur à faire passer des auditions aux interprètes. « C’est une éthique à l’anglaise; ma volonté est de toujours laisser une porte d’accès. En Suisse romande, le monde de la comédie musicale est encore relativement petit, donc tout se fait par le bouche à oreille. À mon avis c’est dommage: travailler pour une audition nous pousse forcément à nous améliorer! Et ça permet aussi de faire des rencontres. Sur les douze interprètes qu’on a engagé·e·s sur cette production, j’ai à la fois découvert de nouvelles personnes et été impressionné par le travail de celles que je connaissais déjà ». Nathan Pannatier, casté pour le personnage de Jon, approuve: « Je trouve admirable. Même si ça fait plusieurs années que je connais Ylan et qu’on parle de cette pièce, j’avais envie de passer par ce processus. Et toutes les expériences d’audition que j’ai vécues en Suisse avaient un cadre bienveillant. À Paris, ça peut être assez rude, tu travailles pendant des semaines et quand tu passes devant le jury, parfois on ne te regarde même pas. »

À Paris, son expérience d’étudiant au Cours Florent avait permis à Nathan d’interpréter Roger, l’un des rôles principaux de la comédie musicale Rent… également écrite et composée par Jonathan Larson. Un rôle qu’il a rréendossé, pas plus tard qu’en avril 2024, dans une mise en scène du collectif lausannois Open Musical. « C’est une chance d’avoir pu rejouer ce personnage cinq ans plus tard! En plus d’avoir de nouveaux outils de jeu et de chant, mon vécu fait que je l’ai traversé différemment. Maintenant, en travaillant sur Tick, tick… BOOM!, j’approfondis encore cet univers, je commence vraiment à ressentir la patte de Jonathan Larson. Quand j’ai découvert le film en 2021, j’étais dans une période qui fait qu’il m’a beaucoup marqué. Avec ma compagnie, on écrivait notre premier spectacle, on passait par des galères, le manque d’inspiration, le stress… je me suis reconnu dans le personnage de Jon qui s’implique à fond dans ce qu’il fait, qui a tendance à se faire happer entièrement par sa passion s’il n’y prend pas garde. »

Tick, tick… BOOM! se jouera sur cinq représentations concentrées sur trois dates, et pourra accueillir quelque 600 spectateur·ice·s. « Je pense qu’on remplira assez vite rien qu’avec notre entourage », prédit Ylan. « Pour la suite, on espère que le spectacle sera repris ailleurs! ». C’est ce qu’on souhaite à LYMPA et à celles et ceux qui les auront manqué en août!

Informations pratiques:
Du 2 au 4 août 2024
Les 6 Toits, Genève
www.lympa.ch

La saison TO! au Théâtre de l’Orangerie

blogcom — Wed, 03 Jul 2024 09:08:23 +0000

13 spectacles, 18 concerts, 14 sessions DJ, 9 ateliers et 140 artistes et intervenant∙e∙s sont au programme de la nouvelle saison du Théâtre de l’Orangerie. Dirigée désormais par le duo Céline Nidegger et Bastien Semenzato, cette institution genevoise au cœur du parc de La Grange ouvrira ses portes avec un focus sur la création locale et la célébration d’audacieux mariages artistiques. La joueuse programmation du 12 juin au 8 septembre 2024 sera également jalonnée par des rendez-vous festifs et culinaires aussi bien dans le potager que dans la buvette.

Texte et propos recueillis par Eugénie Rousak

L’Agenda: Un duo à la tête d’une programmation n’est pas chose habituelle, même si Genève en a déjà connu quelques-uns. Pourquoi avoir voulu se lancer à deux avec votre conjoint Bastien Semenzato?

Céline Nidegger: Nous sommes en couple depuis 17 ans et très rapidement après notre rencontre nous avons commencé à travailler ensemble. En 2009, nous avons fondé la compagnie Superprod, avec laquelle nous avons mené différents projets de collaboration avec d’autres artistes et associations, toujours dans cette volonté de célébrer des mariages audacieux en mettant nos compétences en commun. Durant ces années, nous avons également eu la chance de jouer à plusieurs reprises au Théâtre de l’Orangerie et avions toujours été séduits par ce lieu exceptionnel, niché au cœur du parc. Et parfois, dans les discussions en fin de soirée sous les étoiles, nous disions en plaisantant vouloir faire une saison au TO. Donc en voyant la mise en concours de la
direction, nous avons immédiatement été intéressés, non pas pour une ambition de gestion, mais surtout pour accentuer notre lien fort avec ce lieu unique!

En comparaison avec le fil directeur suivi par votre prédécesseur Andrea Novicov, quelles thématiques voulez-vous apporter à cette saison?

Nous avons envie de regrouper des projets très ludiques, avec pas mal de fraîcheur, tout en provoquant des réflexions et des échanges, sans pour autant suivre une thématique spécifique, contrairement à Andrea qui avait cet attachement à l’écologie. Bien entendu, l’écologie est également au cœur de nos réflexions, mais avec un impact pratique et logistique dans le fonctionnement interne du théâtre plutôt qu’en véritable axe artistique.

Et sans parler de thématique, quels nouveaux éléments avez-vous voulu intégrer dans la programmation?

Nous avons décidé de mettre l’accent sur les ateliers, toujours dans l’idée de se concentrer un peu plus sur du concret. Ainsi, cette saison compte 9 ateliers, aussi bien de vie pratique, qu’en lien avec les métiers qui font le théâtre. Nous avons, par exemple, plusieurs rendez-vous pour réparer son vélo, des cours de couture, des sessions de fabrication de lampes solaires en partenariat avec la MACO ou encore des sessions cueillette/cuisine des produits du potager avec La Libellule. Côté artistique, Serge Lowrider, qui a créé les logos, donnera un cours de sign painting, alors que l’illustratrice Sarah André animera un atelier autour du slogan. Ainsi, les liens entre le public et les artistes, le public et le public, les artistes et les artistes se créeront naturellement.

Vous avez centré cette saison autour de la création locale. Comment avez-vous construit la programmation?

Bien ancrés dans le terreau local depuis 20 ans, nous avons puisé dans cette richesse. Globalement, nous nous sommes tournés vers des artistes qui accordent une grande importance à l’humain et mènent des réflexions essentielles sur des thématiques de société, tout en gardant cette légèreté esthétique. Sur les 13 spectacles proposés principalement par des compagnies genevoises et quelques lausannoises, nous avons 7 créations et 6 accueils.

En parlant des créations, vous avez également organisé un concours, remporté par la pièce écrite par Wave Bonardi et Julia Portier de la Compagnie des Plaisantes.

Oui, nous avons fait une mise en concours pour une création inspirée d’une œuvre classique. Au total, nous avions reçu 22 dossiers, classés ensuite par les élèves du conservatoire préprofessionnel de Genève. Finalement, c’est une proposition malicieuse et réjouissante autour de Betty Bossi qui a été choisie!

Quels sont les autres rendez-vous un peu atypiques et particuliers de cette saison?
Nous allons accueillir Le Cabaret Bon et Tonifiant (B.E.T) pour cinq représentations à l’air libre autour de l’humour alternatif, et trois spectacles destinés au jeune public sont à l’affiche. Comme les années précédentes, Maël Chalard proposera une programmation musicale, mettant en avant une diversité locale.

Le théâtre est également apprécié pour ses activités en dehors de la programmation, comme la buvette du TO et le potager. Des changements?

Pour la création du potager, nous continuons de collaborer avec La Libellule, qui fait un travail incroyable pour créer ce cadre végétalisé. Et pour la buvette, nous
avons une nouvelle équipe qui proposera encore de la nourriture locale avec des options végétariennes. Nous allons installer un kiosque au cœur du potager et un nouvel espace sera aménagé en partenariat avec l’Hepia – Haute école du paysage, d’ingénierie et d’architecture de Genève. Bref, quelques changements dans le cadre à découvrir!

Saison estivale TO!
Du 12 juin au 8 septembre 2024
Théâtre de l’Orangerie, Genève
theatreorangerie.ch